The adventures of a legendary hero, Sambagana, who, dazzled by the beauty of a princess, asks her to marry him. She imposes several trials, and he but only death will bring them together.
Biography
Moustapha Alassane is undoubtedly a living legend of African cinema. A mechanic, self-taught and the first director of Nigerian cinema and African animation, he claims to have been born in 1940 in N’Dougou, Niger. His adventure takes us back to pre-cinema times, to magic lantern shows and shadow play. It’s a fascinating journey, so adventurous were his first steps, marked by freedom of experimentation and an extraordinary openness to rethinking and re-inventing cinema on African soil. It’s also an opportunity to rediscover the memory of a generation and the history of a country, Niger, in the Golden Age of its cinema.
A leader of men, a tireless worker and an incredibly inventive mind, as the film’s witnesses (Serge Moati, Inoussa Ousseini and Mariama Hima) underline, Alassane discovered cinema under the aegis of Jean Rouch, at the Institut de Recherche en Sciences Humaines in Niamey, in the late 1950s. From then on, he was to become the author of the first Nigerian film in history (Aouré, 1962), the first African animated film (La Mort de Gandji, 1966) and, with Oumarou Ganda, the great architect of the « golden age » of Nigerian cinema in the 1970s (F.V.V.A., 1972; Toula, ou le génie des eaux, 1973). Since then, unable to finance major projects, he has never given up.
Retired with his family to Tahoua, where he has opened a hotel and set up a small film studio, he strives to pursue, undaunted, a unique body of work, offering a magnificent example of creative independence.
Moustapha Alassane
Niger, animation, 1977, color, 14mn
Les aventures d’un héros légendaire, Sambagana, qui, ébloui par la beauté d’une princesse, lui demande en mariage. Elle impose plusieurs épreuves, et il les remporte toutes, mais seule la mort finira par les rapprocher.
Biographie
Moustapha Alassane est sans aucun doute une légende vivante du cinéma africain. Mécanicien, autodidacte et premier réalisateur du cinéma nigérien et du cinéma d’animation africain, il se dit né en 1940 à N’Dougou au Niger. Son aventure nous amène aux temps du pré-cinéma aux spectacles de lanternes magiques, aux jeux d’ombres chinoises. Un voyage fascinant tellement ses premiers pas furent aventureux, traversés d’une liberté d’expérimentation et d’une ouverture extraordinaire dans la remise en jeu et dans la re-invention du cinéma en terre africaine. C’est aussi l’occasion de retrouver la mémoire d’une génération et l’histoire d’un pays, le Niger, à l’Âge d’or de son cinéma.
Meneur d’hommes, travailleur infatigable et esprit incroyablement inventif, comme le soulignent les témoins que convoque le film (Serge Moati, Inoussa Ousseini ou Mariama Hima…), Alassane découvre le cinéma sous l’égide de Jean Rouch, au sein de l’Institut de Recherche en Sciences Humaines de Niamey, à la fin des années 1950. Dès lors, il deviendra successivement l’auteur du premier film nigérien de l’histoire (Aouré, 1962), du premier film d’animation africain (La Mort de Gandji, 1966) et le grand artisan, avec Oumarou Ganda, de « l’âge d’or » du cinéma nigérien dans les années 1970 (F.V.V.A., 1972 ; Toula, ou le génie des eaux, 1973). Se retrouvant depuis lors dans l’incapacité de financer des projets d’envergure, il n’a pourtant jamais baissé les bras. Retiré avec sa famille à Tahoua, où il a ouvert un hôtel et monté un petit studio de cinéma, il tâche de poursuivre, sans jamais se décourager, une œuvre unique, offrant un magnifique exemple d’indépendance créatrice.
With Antonio PIRES, Zeka LAPLAINE, Antonio COSTA, Miguel TROVOADA Performer, N’Dela WA M’BOMBO
DRC, 1996, 15 min, B&W.
The film is a letter written by a young illegal immigrant from Africa to his cousin in Lisbon (Portugal): hidden in a container, he has landed in the port of Lisbon. His travelling companion, an Angolan, had died. As soon as he disembarks, our hero runs into a policeman, also black, who insists on following him on a silent chase through Lisbon, punctuated by increasingly disappointing encounters and humorous cardboard boxes.
During this first day in paradise, he is about to experience hell! From one misadventure to another, he decides to return to his country of origin.
Shot in black and white, with a burlesque tone, this film is close to the American cinema of the silent era. It offers a reflection on immigration, with a focus on a very specific film genre.
The rhythm, text and music are all there to immerse us in the burlesque of a time when cinema could be serious and funny at the same time.
Crew
Directed by José Zeka LAPLAINE
ACTORS: Antonio PIRES, Zeka LAPLAINE, Antonio COSTA, Miguel TROVOADA Performer, N’Dela WA M’BOMBO Performer,
Screenplay: José Zeka LAPLAINE
Photography: Octavio ESPIRITO SANTO, Claude GARNIER, José NATIVIDADE
Music: Mathieu PAULUS
Sound recording: Edward PELLICCIANI
Editing: Éric BIZET
Production companies: BAKIA FILMS, PROLE FILMS
Le clandestin
DeZekaLaplaine
Avec Antonio PIRES, Zeka LAPLAINE, Antonio COSTA, Miguel TROVOADA Interprète, N’Dela WA M’BOMBO
RDC, 1996, 15 min, N&B.
Le film est une lettre qu’écrit à son cousin, à Lisbonne (Portugal), un jeune clandestin venu d’Afrique : caché dans un container, il a débarqué dans le port de Lisbonne. Son compagnon de voyage, un Angolais, est mort. Aussitôt débarqué, notre héros tombe sur un policier, noir lui aussi, qui va s’obstiner à le suivre dans une course-poursuite muette à travers Lisbonne, ponctuée de rencontres de plus en plus décevantes et de cartons plein d’humour. Pendant cette première journée « au paradis », il va connaître l’enfer ! De mésaventures en mésaventures, il se décide à rentrer dans son pays d’origine.
Tourné en noir et blanc, sur un ton burlesque, ce film se rapproche du cinéma américain de l’époque du muet. Il propose une réflexion sur l’immigration, avec un travail sur un genre cinématographique bien spécifique. Le rythme, le texte, la musique, tout est là pour nous plonger dans le burlesque, à l’époque où le cinéma pouvait être sérieux et drôle à la fois.
Équipe
Réalisation : José Zeka LAPLAINE ACTEURS : Antonio PIRES, Zeka LAPLAINE, Antonio COSTA, Miguel TROVOADA Interprète, N’Dela WA M’BOMBO Interprète, Scénario : José Zeka LAPLAINE Photographie : Octavio ESPIRITO SANTO, Claude GARNIER, José NATIVIDADE Musique : Mathieu PAULUS Prise de son : Edward PELLICCIANI Montage : Éric BIZET
To the dusty streets of Colobane, a once charming village now devastated by poverty, Linguère Ramatou returns with fabulous wealth and a promise to save her people. But, tied to this promise is a deadly bargain: Draman Drameh — the lover who had betrayed a 16-year-old, pregnant Linguère — must be executed. The announcement is made during a celebratory banquet in honour of her return. The villagers, who had long forgotten the incident, are at once confused, horrified and outraged. As time passes, the demands of daily survival in this impoverished land blunt the memory of the villagers. Cowardice sets in, shrouded in silence. While appearing to maintain a good moral conscience, the villagers are unable to resist the dazzling array of con- sumer goods that Linguère has now placed within their reach. On credit, they begin to purchase furniture and appliances — not meant for houses without electricity.
A few characters like the school teacher plead with Linguère, but the old lady remains unshakable in her pursuit of justice. Draman must die if Colobane is to get a taste for “the good life”. Torn between shame, fear, revolt and guilt Draman’s initial self-interest and fear for his life soon give way to resignation and disdain for his fellow villagers. He relinquishes all his earthly belongings, bids farewell to the “old lady” and hands himself over to his fellow villagers.
Filmed in the last decade of the twentieth century and completed just a few years before the filmmaker’s passing, Hyenas is a cautionary tale packed with humor- ous, compassionate yet explosive scenes. Mambéty forges his narrative with humour and paints characters and spaces, dialogues and gestures in sumptuous colours in breath-taking images. Mambéty’s Hyenas is nothing short of poetry in motion. He skilfully and playfully sways us back and forth in time, with slots of 19th century pomp followed by 20th century appliances. Desire, materialism and various modern day artefacts comes to test the old values of individual dignity and group solidarity, stress- ing the enduring, almost mythic status of the conflict between avarice and dignity.
Mambéty, nach Dürrenmatts ‘Der Besuch der alten Dame’
Film Editing
Loredana Cristelli
Soundtrack
Wasis Diop
Cinematography
Mathias Kälin
Costumes
Oumou Sy
Production
Pierre Alain Meier
Runtime
113 Min.
Language
Wolof/d oder f oder i oder e oder sp
Actors
Mansour Diouf Dramaan Drameh Ami Diakhate Linguère Ramatou Mahouredia Gueye Le maire Issa Ramagelissa Samb le professeur Koru Egushi Toko Omar Ba Chef du protocole Abdoulaye Diop Médecin Faly Gueye Madame Dramah
Awards
Festival international du film Cannes Competition
Festival international del film Locarno
Festival des films du monde Montréal
Festival of Festivals Toronto
New York Film Festival
Chicago Film Festival
Viennale International Film
London Film Festival
BIO Djibril Diop Mambety
Diop Mambéty couldn’t persuade himself to be quite as cold and cynical as Dürrenmatt: Linguère Ramatou still sees to it that all citizens of Colobane take part in the murder of Dramaan Drameh who betrayed her when she was young, but it’s done in a decidedly more colorful fashion than anybody here would dare, not to mention those cheeky surrealist touches added by the master in his inimitable fashion. (Olaf Möller, Viennale)
Djibril Diop Mambéty (January 1945 – July 1998) was a Senegalese film director, actor, orator, composer and poet. Though he made only two feature films and five short films, they all received international acclaim for their original and experimental cin- ematic technique and non-linear, unconventional narrative styles. In 1973, Mambéty released his masterpiece, Touki Bouki (The Hyena’s Journey), a tour de force of narrative and aesthetic innovation. It was unlike anything in the history of African cinema; today, film scholars around the world agree that Touki Bouki is a classic. Mambéty mixes elements of varying storytelling techniques and cinematic traditions to create phantasmal images of postcolonial African society in the throes of modernity. His images and narrative style invite the viewer to unders- tand the film in dialectical terms. In 1992, Mambéty returned to the limelight with an ambitious new film, Hyènes [Hyenas]. It was an adaptation of the Swiss-German writer Friedrich Dürrenmatt’s satirical play The Visit. Mambéty’s authorial voice is strong and clear in Hyenas; as one critic observed, the uniqueness of the direction throughout the film “undoubtedly stems in part from his own magisterial sense of presence.” Hyenas was conceived as the second instalment — following Touki Bouki — of a trilogy about power and insanity. The grand theme, once again, is human greed. As Mambéty himself observed, the story shows how neo-colonial relations in Africa are “betraying the hopes of independence for the false promises of Western mate- rialism”, and how Africans have been corrupted by that materialism. Adapted from: N. Frank Ukadike, “The Hyena’s Last Laugh”, Transition 78, 1999 (newsreel.org)
When “Der Besuch der alten Dame” premiered in Zurich in early 1956, Friedrich Dürrenmatt couldn’t have guessed that the story of a wealthy woman corrupting a whole village was destined to become a key text for the second half of the 20th century – how obvious it might look in hindsight. After turning into a world-wide success story, a first film version was made in 1963 by Bernard Wicki as a star-studded international co-production that moved the story from small-town Switzerland to a vaguely Balkan place and changed the merciless original finale into a Happy End. No such nonsense with Djibril Diop Mambéty! What looks at first like a mildly exotic take on Dürrenmatt proves on closer inspection to be the most congenially accurate adaptation of this particular work for cinema and television alike. That said: Djibril Diop Mambéty couldn’t persuade himself to be quite as cold and cynical as Dürrenmatt: Linguère Ramatou still sees to it that all citizens of Colobane take part in the murder of Dramaan Drameh who betrayed her when she was young, but it’s done in a decidedly more colorful fashion than anybody here would dare, not to mention those cheeky surrealist touches added by the master in his inimitable fashion. (Olaf Möller, Viennale)
HYENES
113 min, Sénégal, 1992
de Djibril Diop Mambety
A Colobane, petite ville endormie dans la chaleur, sur la côte atlantique du Sénégal, on annonce le retour de Linguère Ramatou, fortune faite. Majestueuse et vêtue de noir, Linguère arrive en train. Au premier rang de la foule qui se précipite, Draamaan Drameh, son amour d’autrefois. Elle décide de faire pleuvoir sa richesse sur la ville, à une condition, une seule : que Draamaan soit condamné à mort, car autrefois, il l’a trahie. La foule est consternée. Pourtant, les habitants de la ville n’hésiteront pas finalement à condamner Draamaan, mais la « vieille dame » connaît les foules et leurs faiblesses…On peut imaginer que Linguère est, en fait, Anta, l’héroïne de Touki Bouki, partie en bateau tout juste vingt ans plus tôt… et qui revient, chargée de richesses et de douleur…
Ami Diakhaté, Mansour Diouf, Djibril Diop Mambéty, Abdoulaye Diop, Kaoru Egushi, Mahouredia Gueye, Issa Samb, Faly Gueye
Distinctions
Festival international du film Cannes Competition
Festival international del film Locarno
Festival des films du monde Montréal
Festival of Festivals Toronto
New York Film Festival
Chicago Film Festival
Viennale International Film
London Film Festival
BIO Djibril Diop Mambety
Réalisateur, Scénariste
Djibril Diop Mambéty a commencé sa carrière au théâtre, à Dakar, dans plusieurs pièces jouées au Théâtre National Daniel Sorano. Il se tourne rapidement vers le cinéma et réalise, dès 1966, une première version de Badou Boy, qui ne sera jamais montrée. En 1969, il tourne son premier court métrage, « Contrast City », un documentaire sur la ville de Dakar, suivi en 1970 par« Badou Boy », un moyen métrage humoristique relatant une course poursuite entre un jeune des rues et un policier. Son premier long métrage« Touki-Bouki » (ou Le Voyage de la hyène) sera présenté à la Quinzaine des Réalisateurs du festival de Cannes en 1973 et recevra le Prix de la Critique Internationale, à Moscou. Après un long silence de près de vingt ans, il revient au cinéma avec« Parlons Grand-mère » (1989), documentaire sur Yaaba d’Idrissa Ouedraogo. Il réalise en 1992 son second long métrage« Hyènes » d’après l’oeuvre de Friedrich Dürrenmatt« La visite de la vieille dame ». Mambety souhaitait réunir ses deux longs métrages dans une trilogie sur le pouvoir et la folie. En 1995 il entreprend une trilogie qu’il appelle« Histoires de petites gens ». Il n’en tournera que les deux premiers volets,« Le Franc » (1995) et son dernier film,« La Petite Vendeuse de soleil » (1998). Il est décédé le 23 juillet 1998, à Paris.
Festival de Cannes, Sélection Officielle, en Compétition
Festival de Locarno
Festival des Films du Monde, Montréal
Festival of Festivals, Toronto
New York Film Festival
Chicago Film Festival
London Film Festival
etc
Avec la participation de :
Part France : 45%
ADR Production
Ministère de la Coopération
Commission interministérielle d’aide
Ministère de la culture – Aide directe
MK2
Part Suisse : 55%
Thelma Film AG
Office fédéral de la culture
Département des affaires étrangères
Télévision suisse
Channel Four, GB
Cinemien, Hollande
Maag Dan, Dakar Le ministère des Affaires étrangères ne dispose ni des droitsni de copies pour les films aidés dans le cadre du Fonds Sud cinéma. Pour se procurer ces œuvres, il convient de s’adresser aux ayants droit dont les coordonnées figurent au bas des fiches techniques.
Press release
Reprise : les « Hyènes » foudroyantes de Djibril Diop Mambéty
Fable amère et visionnaire, le film du cinéaste sénégalais, sorti en 1992, revient en salle.
Publié le 02 janvier 2019 à 07h15, modifié le 02 janvier 2019 à 07h15
« Hyènes » (1992), film sénégalais de Djibril Diop Mambéty. JHR FILMS
Sur le champ de ruines du cinéma africain, belle utopie trop tôt enterrée, la lumière de quelques étoiles brille encore très fort dans le ciel des cinéphiles. Parmi elles, le météore sénégalais Djibril Diop Mambéty, autodidacte de génie sortant des clous du cinéma d’auteur occidental aussi bien que de l’épure du film de village africain. L’œuvre métissée de Diop en est précisément l’émancipatrice synthèse, réalisée sous l’effet d’une puissante poésie.
L’affaire se joue vite et fort. Né en 1945, à Colobane, dans la banlieue de Dakar, viré de l’école, viré du Théâtre national Daniel-Sorano, mort en 1998, à Paris, il n’en aura fait qu’à sa tête, laissant derrière lui deux longs-métrages (Touki Bouki, 1973 ; Hyènes, 1992) et trois moyens-métrages (Badou Boy, 1970 ; Le Franc, 1995 ; La Petite Vendeuse de soleil, 1999) qui tombent comme la foudre. On ne voit guère que l’œuvre du Brésilien Glauber Rocha, poussée à l’ivresse par son « esthétique de la faim », pour donner un élément de comparaison.
Près de vingt ans ont passé après « Touki Bouki », chef-d’œuvre moderniste dont l’insuccès fut cinglant
L’aubaine, c’est de pouvoir redécouvrir Hyènes aujourd’hui en salle. Près de vingt ans ont passé après Touki Bouki, chef-d’œuvre moderniste dont l’insuccès fut cinglant. Un minimum d’imagination permet de reconstituer un lien entre les deux films. Le premier mettait en scène Anta et Mory, un jeune couple amoureux – issu pour elle d’un bidonville dakarois, pour lui du pastoralisme – qui rêve d’embarquer pour la France. S’ensuit une campagne à la Bonnie et Clyde, grand carnaval esthétique où l’onirisme, l’humour et le dépassement imaginaire des asservissements de la tradition et du colonialisme emportent tout sur leur passage. Elément moteur de cet envol, le rimbaldien Mory, par une ultime et héroïque volte-face, abandonne sa compagne sur le bateau et retourne à sa terre.
Puissances de l’argent
Or, quelle histoire met en scène, vingt ans plus tard, Hyènes ? Le retour en son village natal de Linguère Ramatou, une vieille femme décatie qui a fait fortune dans le vaste monde en vendant ses charmes, et qui ne revient que pour se venger de Dramaan Drameh, épicier estimé du village, qu’elle accuse de s’être honteusement conduit avec elle au temps de leur jeunesse, l’abandonnant après l’avoir mise enceinte et la faisant chasser du village. La fable a beau être adaptée de La Visite de la vieille dame (1955), célébrissime pièce de théâtre de l’écrivain suisse Friedrich Dürrenmatt, on ne peut manquer de faire le lien avec Touki Bouki.
Accueillie en fanfare par le village qui crève sous la misère, la vieille dame triste qui clopine sur une jambe en or propose aux édiles un marché sévère : 100 millions de dotation contre la mort de son ancien amant. Réprobation générale. L’attente n’en sera pas moins profitable à la vieillarde. Même la morale s’achète. Une décision irréprochablement démocratique, basée sur le droit coutumier, établit la culpabilité de Dramaan. De Touki Bouki à Hyènes, c’est donc bien le deuil d’une relève africaine que Diop Mambéty établit, pointant la soumission du continent aux puissances de l’argent et à la corruption du capitalisme mondialisé.
Le cinéaste enrobe cette fable amère dans une science de la composition du plan, une impétuosité de couleurs, une dramaturgie brechtienne, qui forcent l’admiration
Plasticien hors pair, le cinéaste enrobe cette fable amère dans une science de la composition du plan, une impétuosité de couleurs, une dramaturgie brechtienne, qui forcent l’admiration. Mais la beauté de son film ne console pas de l’amertume et de la lucidité visionnaire de son propos. Elle l’accuserait plutôt. Un fait récent invite d’ailleurs à une hypothèse originale, selon laquelle Linguère Ramatou annoncerait Beyoncé. Sur l’affiche de sa dernière tournée commune avec son compagnon, Jay-Z, dévoilée en mars 2018, la chanteuse posait en effet avec lui sur une moto surmontée d’un crâne de zébu. Or, cette image non créditée par les sémillants milliardaires vient tout droit de Touki Bouki, dans lequel il suffisait au bonheur du jeune couple de crève-la-faim de chevaucher fièrement l’engin.
Ce recodage américain de l’africanité par le star system – qu’il s’agisse de Beyoncé ou du superhéros noir de Black Panther – est pour le moins gênant aux entournures. Djibril Diop Mambéty rêvait quant à lui d’inventer un langage émancipateur pour le cinéma africain. Il le cherchait dans les bidonvilles de Dakar, dans la révolution carnavalesque, dans l’exécration de l’argent corrupteur, dans l’exaltation de l’impureté du monde et dans l’appel sorcier à se réinventer soi-même. Il l’a d’ailleurs trouvé, mais qui veut aujourd’hui s’en souvenir ? https://www.critikat.com/actualite-cine/critique/hyenes
Charterston Township 1990. Professor Zamani is respected in the township. To be sure, he once raped one of his students but the community turned a blind eye. Zamani used to rail against the apartheid system but those days are long gone. Now he teaches South African history in the Afrikaner language and grudgingly organizes the picnic for National Day, which commemorates the Boers’ massacre of the Zulu nation… When Zani, the rape victim’s brother, returns from Swaziland where he won a place in school, he is determined to change everything. In the small hours, in the waiting room at Johannesburg station, he runs into Prof. Zamani, who’s spent the night on the town. They travel back together to the harsh reality of the township. In due course, Zamani regains some of his pride and Zani, inevitably, loses some of his…under the gaze of the women, who never renounced their dignity.
Fools
un film de RAMADAN SULEMAN
AFRIQUE DU SUD • 89′
Charterston Township 1990. Le professeur Zamani est respecté dans le township. Certes il a violé une de ses jeunes élèves, mais la communauté ferme les yeux. Il y a longtemps Zamani s’est rebellé contre la politique d’Apartheid, mais c’est une vieille histoire. Aujourd’hui, il enseigne l’histoire de son pays en Afrikaner et prépare en grognant le pique-nique de la fête nationale, anniversaire du massacre de la nation Zoulou par les Boers… Quand Zani, le frère de la jeune fille violée revient du Swaziland où il a eu la chance de faire des études, il est fermement décidé à tout changer. Au petit matin, dans la salle d’attente de la gare de Johannesburg, il tombe sur Zamani de retour de débauche. Ensemble ils vont regagner la réalité crue du township. Zamani y retrouvera un peu de fierté et Zani en perdra, inévitablement…Sous le regard des femmes qui n’ont jamais cessé d’être dignes
Distinctions
LEOPARD D’ARGENT LOCARNO FESTIVAL (Switzerland 1997) PRIX D’INTERPRETATION MASCULINE BALAFON FESTIVAL (Italy 1997) TORONTO FESTIVAL (Canada 1998)
Fiche technique
réalisateur RAMADAN SULEMAN auteurs RAMADAN SULEMAN, PETERSON BHEKIZIZWE producteur JACQUES BIDOU productions JBA PRODUCTION, NATIVES AT LARGE, EBANO MULTIMEDIA, FRAMEWORK INTERNATIONAL, M-NET acteurs PATRICK SHAI, DAMBISA KENTE, HLOMLA DANDALA, THEMBI SEETE, OWEN SEJAKE, VUSI KENNENE image JACQUES BOUQUIN son PHILIPPE SENECHAL musique RAY PHIRI année de production 1997 n° RPCA 87 316 Tous droits réservés
Bio RAMADAN SULEMAN
Réalisateur et producteur sud-africain. Né en 1955 à Durban (Afrique du Sud). Très impliqué dans le théâtre alternatif africain. Ramadan SULEMAN est un des fondateurs du Dhlomo Theatre à Johannesburg, le premier théâtre « noir » d’Afrique du Sud. il est diplômé de la London International Film School. Il a réalisé plusieurs courts métrages et documentaires. Son premier long métrage de fiction, Fools, a été sélectionné dans de nombreux festivals et a remporté plusieurs prix dont le fameux Léopard d’Argent à Locarno en 1997. Zulu Love Letter est son second long métrage. Il est Co-Président (avec Marc Schwinges) de la South African Screen Federation (SASFED) et membre exécutif de l’Independent Producers Organisation (IPO),
FILMOGRAPHIE (comme Réalisateur)
1983 – 66 Pim Street (doc) 1985 – Sekouba (doc) 1985 – Ezikhumbeni (doc) 1985 – Azouna (doc) 1988 – Ranging Walls (doc) 1990 – The devil’s Children (cm) 1997 – Fools 2002 – Behind the Badge (tv) 2004 – Zulu Love Letter 2004 – Deadly Myths (doc) 2008 – Zwelidumile (doc)
FILMOGRAPHIE (comme Producteur)
2011 – Noire ici, Blanche Là-bas (doc), réalisé par Claude Haffner (France / Congo / Afrique du Sud
“My aim is to put African women in a more universal light,” says Ingrid Sinclair director of FLAME. Many films show African women as victims. I want to throw a light on them as full human beings with every nuance and shade of emotion.”
Synopsis
A moving tribute to women soldiers in the Zimbabwean liberation struggle, The Flame tells the story of two girls who join the freedom fighters in the hopes of a better future. Their innocence cracks as the reality of war seeps in the dramatic scenes of aerial bombardment and ambush. Flame fights her way up to being a commander. But her rank does not save her from being raped by a male comrade. Continuing through the heady days after the war, the two women meet up again in 1992 and realise they still have a common aim to preserve their hard won independence Flame never loses sight of the complexities of liberation – political and personal.
FLAME awards
The First Zimbabwean Feature Film to be selected for Cannes The Human Rights Watch International Film Festival, New York The Nestor Almendros Prize Amiens Film Festival, Amiens, France. Prix du Public – Best Film Palmares du Jury – Best Actress OCIC Award – Best Film M-Net Film Awards, Cape Town Best Music The Annonay International Film Festival, France The Grand Prix- Best Film
The Milan African Film Festival Premio del Pubblico ( The Public Prize) Concorso Lungometraggi – Migliore Opera Prima ( Best First Film) The International Women’s Film Festival in Turenne (1998) The Jury Award for Best Film The Youth Award for Best Feature Film Southern African Film Festival, Harare OAU Prize – Best Film Jury Award – Best Actress Jury Award – Best Director Journees de Cinematographe de Carthage, Tunis Special Jury Prize – Best Film
Technical data
director INGRID SINCLAIR authors INGRID SINCLAIR, BARBARA JAGO, PHILIP ROBERT cast MARIAN KUNONGA, ULLA MAHAKA producer JACQUES BIDOU productions JBA PRODUCTION, BLACK & WHITE FILM COMPANY, ON LAND – MARIAN KUNONGA, ULLA MAHAKA image JOAO COSTA sound FOUAZI THABET music PHILIP ROBERTS year of production 1996 – n° RPCA 89 122 Tous droits réservés
Flame
un film de INGRID SINCLAIR
ZIMBABWE • 87′
« Mon objectif est de présenter les femmes africaines sous un jour plus universel », déclare Ingrid Sinclair, directrice de FLAME. Beaucoup de films montrent les femmes africaines comme des victimes. Je veux les montrer comme des êtres humains à part entière, avec toutes leurs nuances et leurs émotions. »
Synopsis
L’histoire commence en 1975 dans un petit village de Rhodésie (qui deviendra le Zimbabwe le 18 avril 1980 à l’issu de huit années de guerre civile), au moment où le conflit est à son point culminant. La vie de deux adolescentes bascule lorsque le père de l’une d’elles est fait prisonniers par les Rhodésiens. Elles decident alors de partir au Mozambique pour rejoinder la guerrilla. La vie dans les camps est dure. Elles s’entrainent comme les hommes, prennent leurs noms de guerre Flame et Liberty, et toute leur place dans le combat commun. « Flame » raconte les femmes combattantes qui se sont engagées sur le chemin de leur propre indépendance.
Prix & festivals
Le premier long métrage zimbabwéen sélectionné à Cannes
Festival international du film de Human Rights Watch, New York Prix Nestor Almendros Festival du film d’Amiens, Amiens, France. Prix du Public – Meilleur film Palmares du Jury – Meilleure actrice Prix OCIC – Meilleur film M-Net Film Awards, Cape Town Meilleure musique Festival international du film d’Annonay, France Grand Prix – Meilleur film Festival du film africain de Milan Premio del Pubblico (Prix du public) Concorso Lungometraggi – Migliore Opera Prima (Meilleur premier film)
Festival international du film de femmes de Turenne (1998) Prix du jury pour le meilleur film Prix de la jeunesse pour le meilleur long métrage Festival du film d’Afrique australe, Harare Prix de l’OUA – Meilleur film Prix du jury – Meilleure actrice Prix du jury – Meilleur réalisateur Journées du Cinématographe de Carthage, Tunis Prix spécial du jury – Meilleur film
QUINZAINE DES REALISATEURS – CANNES (France 1996) PRIX DE L’OUA ET PRIX DU JURY AU SOUTHERN AFRICA FILM FESTIVAL OF HARARE (Zimbabwe/france 1996) MEILLEURE MUSIQUE AU M’NET FILM AWARDS DE CAPE TOWN (Afrique du sud 1996)
Fiche technique
réalisateur INGRID SINCLAIR auteurs INGRID SINCLAIR, BARBARA JAGO, PHILIP ROBERT
casting MARIAN KUNONGA, ULLA MAHAKA producteur JACQUES BIDOU productions JBA PRODUCTION, BLACK & WHITE FILM COMPANY, ON LAND – MARIAN KUNONGA, ULLA MAHAKA image JOAO COSTA son FOUAZI THABET
musique PHILIP ROBERTS année de production 1996 – n° RPCA 89 122 Tous droits réservés
Ingrid Sinclair Filmography
On the frontline
Elle a étudié la littérature anglaise et la médecine à l’université, études qu’elle abandonne pour se consacrer à la réalisation cinématographique. Combattante de toujours en faveur des droits de l’homme, elle est devenue une militante active dans le secteur du cinéma indépendant, aussi bien comme réalisatrice que dans le développement de la distribution indépendante au Zimbabwe. A la fois réalisatrice et productrice, elle s’est employée à dénoncer la censure des films au Zimbabwe. Flame est son premier long métrage.
Née en 1948, Ingrid Sinclair est d’origine anglaise et Zimbabwéenne d’adoption après avoir soutenu les luttes d’indépendance du Chimurenga (mouvement de libération zimbabwéen). Elle a d’abord étudié la médecine et la littérature anglaise, puis s’est consacrée à la photographie et à la réalisation de documentaires. De 1980 à 1982, elle travaille comme administratrice du Marché du film de Manchester. Après avoir quitté l’Angleterre, elle s’installe définitivement au Zimbabwe en 1985. Elle réalise des films commerciaux, produit et dirige des programmes sur l’histoire et la culture du Zimbabwe et des pays avoisinants (1982-1988). Elle contribue à la mise en place d’une infrastructure régionale en organisant le premier « Frontline Film Festival » et en créant « The Zimbabwe Film & Video Association ». En 1994, cette militante des Droits de l’Homme, qui défend activement le cinéma indépendant, crée avec les producteurs Simon Bright et Joël Phiri, »The Black & White Film company ».
ZIMBABWE
Location: Southern Africa, northeast of Botswana Capital: Harare Independence: April 18, 1980 Population: 11,044,147 (1998) Ethnic groups: African (Shona 80%, Ndebele 19%), European, mixed race and Asian 1% Languages: English (official), Shona, Sindebele or Ndebele Economy/Labor: Agriculture (70%), mining (5%), and manufacturing industries (25%) GDP per capita: $2200 (1996)
Inner city London is the backdrop of this un-idealistic exploration into the nature of friendship, identity and the fears within, which create a resistance to achieving our dreams. Through the story of three teenagers – Jamie aka Rage, G and T- in pursuit of a dream- to cut a Hip hop record; we witness the vulnerability of youth in the face of market forces, cultural colonialism and multiculturalism in a real society. Our protagonists’ many faces, an example of the masks we wear, of our inner truths and outer lies, will crumble with self-confrontations that will lead them to triumph in the face of adversity.
Prix Oumarou Ganda, FESPACO 2001
Newton I. Aduaka
With his feature film Ezra, Newton I Aduaka won the Etalon d’or de Yennenga at the 20th edition of FESPACO. Premiering in competition at the Sundance film festival, it was nominated for the Humanitas Prize, screened at the Critics’ Week in Cannes and was awarded the United Nation’s prize for Peace and Tolerance, the FIPRESI award and various other awards, including 6 grand jury prizes. Prior to that his multiaward winning indie film debut feature, Rage, was released nation-wide in the UK to critical acclaim and was a recipient of the Carlton television multicultural award, FESPACO’s Oumorou Ganda award, PAFF best first feature award and the OCIC prize. A Ford Foundation grantee, Newton was Filmmaker in Residence at the Cannes Film Festival’s Cinéfondation’s La Résidence du Festival and writer in residence at The Moulin d’Ande. Commissioned by the Society of French Directors (SRF) and Cannes’ Quinzaine des Réalisateurs he made a short film on the theme, “Cinema and Globalization”. The result was Funeral . His short films, have screened, in various official competitions and won awards at numerous film festivals such as the Mostra de Venise, Oberhausen film festival, Claremont Ferrand Intl. film festival, Uppsala Intl. short film festival Edinburgh International Film Festival… The NGO, Global Dialogue, commissioned Aduaka to direct four short films on AIDS awareness. These films have been translated into numerous African and European languages and are effectively used as educational tools across the world.
Aduaka was invited to speak at TED. His speech is available online at www.ted.com. He was invited by the Berlin film festival as an expert, to speak on drama and aesthetics of Cinema at the Berlinale Talent Campus. At the 60th edition of the Cannes Film Festival, Aduaka was invited to hold a Master class.
One Man’s Show, his third feature premiered at Fespaco, winning the Critics’ Prize. The film had its US premier at the Mill Valley Film Festival. In the past few years Aduaka has made forays into experimental cinema and visual art installation pieces, a return to his days as a member of the radical avant-garde cinema in the early 90s at the London Film-Coop. The British newspaper, The Independent, named Aduaka as one of the 50 greatest cultural figures shaping the African continent. Aduaka lives in Paris.
Filmography
1990 : Voices Behind The Wall (CM) 1994 : Carnival of silence (CM) 1997 : On the edge (CM) 1999 : Rage 2004 : Aicha (CM) 2004 : Bon voyage (CM, collection « Scénarios d’Afrique » campagne anti-SIDA. 2004 : L’Expert (CM, collection « Scénarios d’Afrique » campagne anti-SIDA. 2005 : Sale Nègre (collection « Paris la métisse »), CM 2002 : Funeral (CM) 2006 : Ezra, Etalon d’or de Yennenga au FESPACO 2007 2012 : One man’s show, Prix Paulin Vieyra (Critique Africaine / Africiné Magazine) au FESPACO
Awards / Festivals
Prix Oumarou Ganda (Best First Feature) – FESPACO
Best Director, Best First Feature – Pan African Film Festival Los Angeles
Prix Jeunesse – Vue d’Afrique, Montreal
Grand Prix OCIC – Festival de Amiens!
Carlton Television Multi-cultural award – United Kingdom
Nominee Grand Jury Prize – Moscow International Film Festival
Director’s Comment
RAGE is the cinema of now, intense, vivid, real and uncompromising. No special effects, “guns”, gratuitous sex or violence, just simple storytelling from within the powerful vistas of inner emotions outwards. The raw feeling of the inner- city and our protagonists’ London is the backdrop of an un-idealistic exploration into the world of dreams and how they can lead us to self-confrontation at critical points in our lives.
The first draft of RAGE was written in a four days fever, the whole idea being the result of a two-year research in the Hip hop and Jazz Jam Session world. The speed in which the script was written inevitably lends the movie immediacy, energy and intensity. Made independently by award-winning filmmakers writer-director-producer Newton ADUAKA, producer Maria-Elena L’ABBATE and a dedicated and talented crew, RAGE features tour de force performances from three young actors, Fraser Ayres (Intimacy, It Was An Accident, Speak Like a Child), Shaun Parkes (Human Traffic, Lock Stock the TV Series, Mummy 2) and John Pickard (2 Point 4 Children) plus an array of fine supporting cast. An
intense character study, with an energetic and intimate documentary style cinematography by Carlos Arango and a compilation of cutting edge hip hop, jazz, nu beatz and poetry from renowned underground labels drives the film.
Technical Specs
Year of Production: 2000!
Duration: 93 minutes
Original media: 35mm – Color!
Aspect ratio: 1:1.85!
Sound: Dolby SR
Versions: English Dialogue Original & French Subtitled Version
Jamie, également connu sous le nom de Rage, est un jeune homme métis et colérique qui vit à Peckham, dans le sud de Londres. Il fait partie d’un trio de rap avec Godwin (« G ») et Thomas (« T »). Pour enregistrer un disque, ils doivent trouver 4 000 £. Rage travaille comme gerbeur. G est un pianiste issu d’une famille noire respectable. T est blanc et ses parents sont riches, mais son argent est bloqué dans un trust. Rage prévoit de financer le disque en cambriolant la maison des parents de T. G déteste ce projet, mais il l’accepte. G déteste ce plan mais suit quand même Rage. Cependant, ils trouvent les parents de T chez eux et la police attrape les deux jeunes hommes : Rage est battu et peut-être violé. Les parents de T. abandonnent les poursuites. Lorsque G commence à sortir avec Lola, Rage est en colère et G quitte le groupe. T. quitte également le groupe après que Rage ait agressé un policier raciste.
Une réflexion sur le métissage et le pluriculturalisme portée par une bande musicale hip-hop londonienne exceptionnelle ! La version britannique de La Haine.
Prix Oumarou Ganda, FESPACO 2001
Newton I. Aduaka
Newton Aduaka est né en Pays Ibo, dans l’est du Nigéria en 1966 et a grandi à Lagos où sa famille s’installe après la fin de la guerre du Biafra.
En 1985 il part à Londres afin d’entreprendre des études d’ingénieur, mais il découvre le cinéma et s’inscrit à la London Film School. Diplômé en 1990, il écrit de nombreux scénarios et publie des nouvelles , tout en exerçant en parallèle le métier d’ingénieur du son (Quartier mozart, de Bekolo, et de nombreux documentaires britanniques).
En 1997, il fonde la société de production Granite Filmworks, avec laquelle il produit et réalise On the Edge, qui reçoit le prix du meilleur court-métrage lors du Fetival de Milan en 1988 ainsi qu’au Fespaco 1999.
En 2001, son premier long-métrage, Rage, sort en salles en Grande-Bretagne. Il est soutenu par la critique remporte de nombreux prix en festivals.
En 2002, Newton Aduaka s’installe à Paris: il est alors résident à la Cinéfondation du Festival de Cannes. La même année, il présente son court-métrage Funeral à la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes.
Répondant à une proposition d’Arte France, il réalise Ezra une fiction autour d’un enfant soldat appelé à comparaître devant la Commission Vérité et Réconciliation.
Présenté en avant-première mondiale en janvier 2007 au Festival de Sundance et projeté « Hors Sélection » à la Semaine de la Critique à Cannes, Ezra remporte de nombreuses récompenses, notamment l’Étalon d’or de Yennenga (Grand prix) au Fespaco en 2007.
Il a été sélectionné dans plus de cent festivals à travers le monde et a remporté plus de 20 prix. Il a recu le Prix des Nations-Unies pour la Promotion d’une Culture de la Paix et de la Tolérance. Newton Aduaka crée à Paris en 2008 , avec notamment les cinéastes Alain Gomis et Valérie Osouf la société de production Granit Films.
Son dernier long métrage One Man’s Show a obtenu le Prix Paulin Vieyra de la Critique Cinématographique Africaine au Fespaco 2013.
Filmographie :
1990 : Voices Behind The Wall (CM) 1994 : Carnival of silence (CM) 1997 : On the edge (CM) 1999 : Rage 2004 : Aicha (CM) 2004 : Bon voyage (CM, collection « Scénarios d’Afrique » campagne anti-SIDA. 2004 : L’Expert (CM, collection « Scénarios d’Afrique » campagne anti-SIDA. 2005 : Sale Nègre (collection « Paris la métisse »), CM 2002 : Funeral (CM) 2006 : Ezra, Etalon d’or de Yennenga au FESPACO 2007 2012 : One man’s show, Prix Paulin Vieyra (Critique Africaine / Africiné Magazine) au FESPACO 2013
De passage dans mon village pendant le week-end du 20 décembre 1997, alors que j’assiste en « touriste » aux cérémonies d’inauguration d’un monument à la gloire d’un ancien chef, je suis témoin d’une scène de justice populaire pendant laquelle un adolescent risque de perdre la vie pour avoir volé une poule et quatre poussins. Quelques heures plus tard, je découvre au dos d’un calendrier, un texte d’une rare violence contre les femmes : le règlement intérieur du mari au foyer. Enfin, pour avoir posé la question de l’état de santé du Chef de l’état camerounais, Paul Biya, Pius Njawé, un journaliste réputé est jeté en prison. Il en sort 10 mois plus tard avec un témoignage accablant sur les conditions inhumaines de détention dans la prison de New-Bell à Douala. C’est le point de départ d’une réflexion sur les inégalités au Cameroun, pays de chefs, petits et grands.
Témoin d’une scène de justice populaire où un adolescent risque sa vie pour le vol d’une poule, Teno s’interroge sur le pouvoir des chefs dans la société camerounaise, « pays de chefs, petits et grands ».
Jean-Marie Teno
Jean-Marie TENO est né au Cameroun. Il arrive en France en 1978 pour y poursuivre des études universitaires en communication audiovisuelle. Il réalise son premier documentaire, Schubbah, en 1983. Rapidement, il ressent la nécessité de produire et de distribuer lui-même ses films et crée LES FILMS DU RAPHIA en 1987.
Par une approche personnelle qui énonce les maux qui minent les sociétés africaines aujourd’hui, Teno a réussi à constituer un catalogue de films qui, pris individuellement ou collectivement, donne un portrait fascinant de l’Afrique contemporaine et aide à comprendre les enjeux derrière les discours volontaristes ou cyniques des uns et des autres sur l’Afrique.
Ses films se distinguent par leur approche personnelle et originale sur les questions d’identité, de représentation de l’Afrique et de son histoire. Ses films ont été montrés dans de nombreux festivals à travers le monde et depuis 2017, il est membre de l’Académie des Oscars, section Documentaire.
Filmographie :
Le Futur dans le retro (2018) – Long-métrage Documentaire Une Feuille dans le Vent (2013) – Court-métrage Documentaire Lieux saints (2009) – Long-métrage Documentaire Le Malentendu colonial – (2004) – Long-métrage Documentaire Le Mariage d’Alex (2002) – Court-métrage Documentaire Vacances au pays (2000) – Long-métrage Documentaire Chef ! (1999) – Long-métrage Documentaire Clando (1996) – Long-métrage Fiction La Tête dans les nuages (1994) – Court-métrage Documentaire Afrique, je te plumerai (1992) – Long-métrage Documentaire Mister Foot (1991) – Court-métrage Documentaire Le Dernier voyage (1990) – Court-métrage Fiction Bikutsi Water Blues (1988) – Long-métrage Documentaire La Gifle et la caresse (1987) – Court-métrage Fiction Fievre Jaune Taximan (1985) – Court-métrage Fiction Hommage (1985) – Court-métrage Documentaire Schubbah (1983) – Court-métrage Documentaire
Video of eye_trailer_exhibition_william_kentridge_ten_drawings_for_projection_2019
EnglishFrançais
A film by William Kentridge
South Africa, animation, no dialogue, 1989-2020, colour and B&W
In 2015, the South African artist William Kentridge donated 10 Drawings for Projection (1989-2011) to the Eye Filmmuseum. These ten short animation films marked Kentridge’s breakthrough on the international art scene. Illuminating the eventful history of South Africa, these films will be shown at Eye this summer as part of a larger installation. Also included in the exhibition is the film installation O Sentimental Machine (2015), featuring historical footage of Russian revolutionist Leon Trotsky. The exhibition takes place during the Holland Festival, for which William Kentridge is Associate Artist.
The generous donation followed the exhibition William Kentridge – If We Ever Get to Heaven at Eye in the summer of 2015. The artist was impressed by the quality of that presentation and the richness of the Eye collection. As a gesture of appreciation, he decided to donate all works from the series 10 Drawings for Projection to the museum
Total program duration: 80 min 35 s
CITY DEEP, 9 ’40 min — 2020
OTHER FACES, 9 min — 2010 Image William Kentridge Musique Philip Miller Montage Catherine Meyburgh Source William Kentridge A crossed-out Soho Eckstein moves between reality and contradictory memories. In Johannesburg, every street corner is the scene of a daily civil war.
TIDE TABLE, 9 min — 2003 Image William Kentridge Musique Franco et le T.P. O.K. Jazz Montage Catherine Meyburgh Son Wilbert Schübel Source William Kentridge We find an aging Soho Eckstein on Muizenberg beach, drifting back to his childhood memories.
STEREOSCOPE, 8 min — 1999 Image William Kentridge Musique Philip Miller Montage Catherine Meyburgh Son Wilbert Schübel Source William Kentridge
Kentridge uses stereoscopic vision as a metaphor for a split personality, to explore Soho’s inner conflicts
WEIGHING AND WANTING, 6 min — 1998 Image William Kentridge Musique Philip Miller Montage Angus Gibson, Catherine Meyburgh Son Wilbert Schübel Source William Kentridge A stone represents Soho’s conscience – allegorized by a stone – split between business and private life.
HISTORY ON THE MAIN COMPLAINT, 6 min — 1996 Image :William Kentridge Musique Claudio Monteverdi Montage Angus Gibson Son Wilbert Schübel Source William Kentridge Soho Eckstein lies comatose in a hospital bed. While examining him, Felix enters the lair where Soho’s memories and guilt are buried…
FELIX IN EXILE, 8’43 min — 1994 Image William Kentridge Musique Philip Miller, Motsumi Makhene Montage Angus Gibson Son Wilbert Schübel Source William Kentridge Soho Eckstein and his wife are reunited. Felix is alone in a hotel room, the cell of his exile…
SOBRIETY OBESITY AND GROWING OLD, 8 min — 1991 Image William Kentridge Musique Antonin Dvorák, Friedrich von Flotow Monateg Angus Gibson Source William Kentridge A love triangle forms between Soho Eckstein, his wife and Felix Teitelbaum. Meanwhile, Johannesburg fills up with demonstrators…
MINE, 5’50 min — 1991 Image William Kentridge Musique Antonin Dvorák Montage Angus Gibson Production Free Filmmakers Co-operative Source William Kentridge Soho Eckstein’s routine and that of his miners during their day underground.
MONUMENT,3 min — 1990 Image William Kentridge Musique Edward Jordan Montage Angus Gibson Son Catherine Meyburgh Production Free Filmmakers Co-operative Source William Kentridge Soho Eckstein, as a « benefactor », donated a monument to the city: a sculpture of an oppressed worker, chained to his pedestal.
JOHANNESBURG, 2ND GREATEST CITY AFTER PARIS, 8’02 min — 1989 Image William Kentridge Musique Duke Ellington, South Kaserne Choir Montage Angus Gibson Son Warwick Sony Production Free Filmmakers Co-operative Source William Kentridge The film introduces the series’ protagonists: Soho Eckstein, a cynical industrial magnate, and his alter ego, Felix Teitelbaum, a romantic poet.
Biography
William Kentridge (born Johannesburg, South Africa, 1955) is internationally acclaimed for his drawings, films, theatre and opera productions.
His method combines drawing, writing, film, performance, music, theatre, and collaborative practices to create works of art that are grounded in politics, science, literature and history, yet maintaining a space for contradiction and uncertainty.
Kentridge’s work has been seen in museums and galleries around the world since the 1990s, including the Museum of Modern Art in New York, the Albertina Museum in Vienna, Musée du Louvre in Paris, Whitechapel Gallery in London, Louisiana Museum in Copenhagen, the Reina Sofia museum in Madrid, the Kunstmuseum in Basel, Zeitz MOCAA and the Norval Foundation in Cape Town and the Royal Academy of Arts in London. He has participated a number of times in Documenta in Kassel (2012, 2002,1997) and the Venice Biennale (2015, 2013, 2005, 1999 and 1993).
Opera productions include Mozart’s The Magic Flute, Shostakovich’s The Nose, and Alban Berg’s operas Lulu and Wozzeck, and have been seen at opera houses including the Metropolitan Opera in New York, La Scala in Milan, English National Opera in London, Opera de Lyon, Amsterdam opera, the Sydney Opera House and the Salzburg Festival.
Kentridge’s theatrical productions, performed in theatres and at festivals across the globe include Refuse the Hour, Winterreise, Paper Music, The Head & the Load, Ursonate and Waiting for the Sibyl and in collaboration with the Handspring Puppet Company, Ubu & the Truth Commission, Faustus in Africa!, Il Ritorno d’Ulisse, and Woyzeck on the Highveld.
In 2016 Kentridge founded the Centre for Less Good Idea in Johannesburg: a space for responsive thinking and making through experimental, collaborative and cross-disciplinary arts practices. The centre hosts an ongoing programme of workshops, public performances, and mentorship activities.
Kentridge is the recipient of honorary doctorates from several universities including Yale, London University and Columbia University. In 2010, he received the Kyoto Prize. In 2012, he was awarded the Commandeur dans l’ordre des Arts et des Lettres in France and he presented the Charles Eliot Norton Lectures at Harvard University. In 2015 he was appointed an Honorary Academician of the Royal Academy in London. In 2017, he received the Princesa de Asturias Award for the arts, and in 2018, the Antonio Feltrinelli International Prize. In 2019 he received the Praemium Imperiale award in painting in Tokyo. In 2021 he was made a Foreign Associate Member to the French Académie des Beaux Arts, Paris. In 2022 he was presented the Honour of the Order of the Star of Italy and in 2023 he received the Olivier Award for Outstanding Achievement in Opera for Sibyl in London.
His work can be found in the collections of Art Gallery of Western Australia (Perth), Art Institute of Chicago, Carnegie Museum of Art (New York), San Diego Museum of Art, Fondation Cartier (Paris), Zetiz MoCAA (Cape Town), Norval Foundation (Cape Town), LACMA (Los Angeles), Haus der Kunst (Munich), Sharjah Art Foundation, Mudam (Luxembourg), Musée d’Art Contemporain de Montreal, MoMA (New York), SF MoMA (San Francisco), Castello di Rivoli (Turin), Moderna Museet, Stockholm, MoCA (Los Angeles), Stedelijk Museum (Amsterdam), National Gallery of Victoria (Melbourne), Johannesburg Art Gallery, MAXXI (Rome), Louisiana Museum (Humlebaek,Denmark), National Gallery of Canada (Ottawa), National Museum of Modern Art (Kyoto), Israel Museum (Jerusalem), Inhotim Museum (Brumadinho, Brazil), Broad Art Foundation, Los Angeles, Centre Pompidou (Paris), Fondation Louis Vuitton (Paris), National Gallery of Australia (Canberra), Tate Modern (London), Sifang Art Museum (Nanjing), Kunsthalle Mannheim, Vehbi Koç Foundation (Istanbul), Luma Foundation (Arles), Museum of Fine Arts (Budapest), Fundaçion Sorigue (Lerida, Spain), Guggenheim (Abu Dhabi), Kunsthalle Praha (Prague) and Amorepacific Museum of Art (Seoul); as well as private collections worldwide.
En présence de Bénédicte Alliot (directrice de la Cité internationale des arts) et Gaspard Njock (auteur, illustrateur) → Débat modéré par Louisa Babari (artiste visuelle)
de William Kentridge
Afrique du Sud anim. sans dialogues 1989-2020 coul. et n&b 1h22 (vidéo num.)
En 2015, l’artiste sud-africain William Kentridge a fait don de 10 Drawings for Projection (1989-2011) au Eye Filmmuseum. Ces dix courts métrages d’animation ont marqué la percée de Kentridge sur la scène artistique internationale. Ce sont désormais 11 dessins pour projection – avec le tout dernier City Deep (2020) – qui constituent cet éblouissant programme du maître Sud-africain.
1 – JOHANNESBURG, 2ND GREATEST CITY AFTER PARIS (1989 – 8min) 2 – MONUMENT (1990 – 3min) 3 – MINE (1990 – 6 min) 4 – SOBRIETY OBESITY AND GROWING OLD (1990 – 8min) 5 – FELIX IN EXILE (1994 – 9min) 6 – HISTORY ON THE MAIN COMPLAINT (1996 – 6min) 7- WEIGHING … AND WANTING (1998 – 6min) 8 – STEREOSCOPE (1999 – 8min) 9 – TIDE TABLE (2003 – 9min) 10 – OTHER FACES (2011 – 9min) 11- CITY DEEP (2020 – 10min)
Né à Johannesburgh en 1955, William Kentridge a d’abord suivi des études de sciences politiques avant de se tourner vers l’art.
Connu essentiellement pour ses films d’animation composés de dessins au fusain, cet artiste travaille aussi la gravure, le collage, la sculpture, la performance et l’opéra. Associant le politique et le poétique, William Kentridge entreprend dans son oeuvre graphique, comme dans ses installations et ses films, de dénoncer l’apartheid et le colonialisme :
« Je pratique un art politique, c’est-à-dire ambigu, contradictoire, inachevé, orienté vers des fins précises : un art d’un optimisme mesuré, qui refuse le nihilisme ».
William Kentridge
Cinq thèmes s’articule autour des grands thèmes qui ont mobilisé Kentridge depuis les trente dernières années, au travers d’une importante sélection de ses oeuvres de la fin des années 1980 jusqu’à nos jours. Mettant l’accent sur ses productions les plus récentes comme Learning from the Absurd : The Nose (2008), l’exposition révèle, pour la première fois en France, le très large éventail de son oeuvre.
Sa méthode combine le dessin, l’écriture, le cinéma, la performance, la musique, le théâtre et les pratiques collaboratives pour créer des œuvres d’art qui s’appuient sur la politique, la science, la littérature et l’histoire, tout en maintenant un espace de contradiction et d’incertitude.
Depuis les années 1990, les œuvres de Kentridge ont été exposées dans des musées et des galeries du monde entier, notamment au Museum of Modern Art à New York, le musée Albertina à Vienne, le musée du Louvre à Paris, la Whitechapel Gallery à Londres, le Louisiana Museum à Copenhague, le musée Reina Sofia à Madrid, le Kunstmuseum de Bâle et Zeitz MOCAA et la Norval Foundation au Cap. Il a participé à plusieurs reprises à la Documenta de Kassel (2012, 2002, 1997) et à la Biennale de Venise (2015, 2013, 2005, 1999). (2015, 2013, 2005, 1999 et 1993).
Parmi ses productions d’opéra, citons La Flûte enchantée de Mozart, Le Nez de Chostakovitch, et les opéras Lulu et Wozzeck d’Alban Berg. Elles ont été vues dans des maisons d’opéra telles que le Metropolitan Opera de New York, La Scala de Milan, l’English National Opera de Londres, l’Opéra de Lyon, l’Opéra d’Amsterdam, l’Opéra de Sydney et le Festival de Salzbourg. Opera House et le festival de Salzbourg.
Les productions théâtrales de Kentridge, présentées dans des théâtres et des festivals du monde entier, comprennent Refuse the Hour, Winterreise, Paper Music, The Head & the Load, Ursonate et Waiting for the Sibyl et, en collaboration avec la Handspring Puppet Company, Ubu & the Truth Commission, Faustus in Africa !, Il Ritorno d’Ulisse et Woyzeck on the Highveld.
En 2016, Kentridge a fondé le Centre for the Less Good Idea à Johannesburg : un espace de réflexion et de réalisation par le biais de pratiques artistiques expérimentales, collaboratives et transdisciplinaires. Le centre accueille un programme continu d’ateliers, de performances publiques et d’activités de mentorat.
Kentridge est titulaire de doctorats honorifiques de plusieurs universités, dont Yale et l’Université de Londres. En 2010, il a reçu le prix de Kyoto. En 2012, il a présenté les Charles Eliot Norton Lectures à l’université de Harvard. En 2015, il a été nommé académicien honoraire de la Royal Academy de Londres. En 2017, il a reçu le prix Princesa de Asturias pour les arts, et en 2018, le prix international Antonio Feltrinelli. En 2019, il a reçu le prix Praemium Imperiale en peinture à Tokyo. En 2021, il a été élu membre associé étranger de l’Académie des Beaux-Arts française.
Ses œuvres se trouvent dans les collections de l’Art Gallery of Western Australia (Perth), de l’Art Institute of Chicago, Carnegie Museum of Art (New York), San Diego Museum of Art, Fondation Cartier (Paris), Zetiz MoCAA (Cape Town), Norval Foundation (Cape Town), LACMA (Los Angeles), Haus der Kunst (Munich), Sharjah Art Foundation, Mudam (Luxembourg), Musée d’Art Contemporain de Montréal, MoMA (New York), SF MoMA (San Francisco), Castello di Rivoli (Turin), Moderna Museet, Stockholm, MoCA (Los Angeles), Stedelijk Museum (Amsterdam), National Gallery of Victoria (Melbourne), Johannesburg Art Gallery, MAXXI (Rome), Louisiana Museum (Humlebaek,Danemark), Galerie nationale du Canada (Ottawa), National Musée d’Art Moderne (Kyoto), Musée d’Israël (Jérusalem), Musée Inhotim (Brumadinho, Brésil), Broad Art Foundation, Los Angeles, Centre Pompidou (Paris), Fondation Louis Vuitton (Paris), Galerie nationale d’Australie (Canberra), Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa). d’Australie (Canberra), Tate Modern (Londres), Sifang Art Museum (Nanjing), Kunsthalle Mannheim, Fondation Vehbi Koç (Istanbul), Fondation Luma (Arles), Musée des Beaux-Arts (Budapest), Fundaçion Sorigue (Lerida, Espagne). Sorigue (Lerida, Espagne), Guggenheim (Abu Dhabi), Kunsthalle Praha (Prague) et Amorepacific Museum of Art (Séoul). d’art (Séoul), ainsi que des collections privées dans le monde entier.
La mélancolie dessinée
Léa Bismuth (critique d’art et commissaire d’exposition)
William Kentridge est né en 1955 à Johannesbourg en Afrique du Sud, pays qu’il prendra comme point de départ de son œuvre et dont il stigmatisera avec distance et poésie la politique d’apartheid. Son œuvre, multiple, crée des passerelles entre différentes pratiques artistiques : dessin, animation, musique, création de fiction, mise en scène et bien sûr cinéma se mêlent pour une démarche protéiforme, sans cesse en mouvement, toute en esquisse.
L’artiste s’est d’abord fait connaître avec la série Ten Drawings for Projection (Dix Dessins pour projection), suite de dix films qu’il commence à réaliser à la fin des années 1980. Tout est déjà dans ce titre : il ne s’agit pas strictement de cinéma d’animation, mais d’un savant mélange entre un dessin inaugural et sa mise en mouvement par le biais d’un projecteur de cinéma. Ces courts films — dont aucun ne dépasse les 10 minutes — sont comme des poèmes visuels qui prendraient vie. Ils mettent en scène des personnages récurrents qui vont servir de fil directeur et narratif. Ainsi Soho Eckstein incarne la figure du capitalisme triomphant et dominant : sorte d’ogre dictatorial à la tête d’un empire immobilier et financier ; il s’oppose au frêle Felix Teitelbaum, modeste poète qui est un être à l’écoute du monde et de l’amour, une sorte de double de l’artiste. Kentridge fait ici le portrait de son pays, de l’horreur de l’apartheid (aboli en 1991) et des conséquences de cette politique colonialiste sur le devenir des peuples. Mais l’artiste souligne bien qu’il ne veut pas pour autant être un « politicien » : il cherche plutôt à trouver le lien entre un engagement politique et une pratique solitaire dans l’atelier. Et la méthode d’animation qu’il va faire sienne témoigne d’une volonté de rendre compte d’un monde en mouvement, capable du meilleur comme du pire. Fidèle à la technique d’animation image par image (stop motion, à raison de 25 images par seconde), Kentridge décrit d’abord, par le dessin, ce qu’il appelle une « géographie » : à l’aide de photographies qui lui servent de modèle, il pose les bases visuelles du décor dans lequel il va faire évoluer ses personnages. Il réalise un premier dessin au fusain, à l’origine du processus d’animation. Puis le long travail d’animation commence, consistant en des phases successives de gommage, d’effacement, de transformation et d’ajouts de dessins. Kentridge décrit son art comme volontairement physique, engagé dans la matérialité du papier.
La série des Ten Drawings for Projection est fondamentalement nostalgique et émotionnelle en ce qu’elle réactive notamment les techniques primitives du cinéma. On pense à la caméra des frères Lumière, au son de la bobine qui défile dans les projecteurs, aux tourne-disques qui grésillent et laissent échapper quelques airs de jazz ; le fantôme de Jean-Luc Godard et ses Histoire(s) du cinéma n’est jamais bien loin non plus. Prenant pour modèle les codes du cinéma muet, Kentridge place dans sa narration des « cartons » à l’écriture maladroite, qui font avancer l’action. Au fil des films, la fiction se noue autour d’un triangle amoureux ayant pour acteurs Felix, Mrs. Eckstein et son mari, le puissant Soho : David et Goliath luttent pour la femme aimée. C’est en dessinant l’amour que Kentridge est le plus virtuose. Dans Sobriety Obesity & Growing Old (1991), l’amour est une immersion, une immense vague capable de balayer les empires. Le bleu de l’océan ne rivalise alors qu’avec un autre élément liquide que l’artiste représente avec brio : le rouge du sang de la révolution qui creuse des sillons. Dans certains films, l’artiste élargit la portée politique de son geste ; il ne se contente pas de dépeindre la réalité de l’Afrique du Sud, mais semble nous amener sur d’autres terrains monstrueux, ceux des baraquements des camps de concentration, vers une violence outrageante et sans borne. Dans History of the Main Complaint (1996), Soho — dont le corps est réduit à une mécanique absurde entre téléphone et tiroir-caisse — se souvient de ses exactions de bureaucrate : il incarne alors toute la culpabilité à l’œuvre dans des livres de comptes réduisant chaque être à un numéro, la folie meurtrière, le viol, l’état de guerre permanent qui fait de chaque homme une bête. L’humanité n’est plus qu’un troupeau de vaches qu’on mène à l’abattoir. La seule chose qui peut la sauver du néant reste la douceur d’une caresse.
Pour Kentridge, l’animation est en soi une forme politique, une interface, une sorte de membrane permettant de donner vie à ce qui se joue entre les aspirations subjectives de l’individu et son rapport au monde extérieur. Dès lors, toutes les traces et les effets de flou sont un moyen de révéler l’élan vers le monde, de faire respirer sa mémoire, dans sa dimension transitoire et changeante. Le monde est mouvant comme les images d’un film. Encore Journey to the Moon (2003) est tout naturellement un hommage au cinéma de Georges Méliès, à son Voyage dans la Lune (1902) et au modèle de la lanterne magique. Kentridge puise chez Méliès une poésie pré-surréaliste qui lui permet de redécouvrir le cinéma dans ses potentialités imaginatives. Faisant à son tour fusionner les mondes, mêlant rêve et réalité, il y apparaît comme un maître de cérémonie lisant dans le marc de café, magicien parfois maladroit, créateur de mondes fourmillants qui ne sont pas sans rappeler Un chien andalou de Luis Buñuel. La trajectoire dynamique d’une cafetière italienne emmène le spectateur droit dans les étoiles et les constellations. Kentridge délaisse ici son alter ego Felix pour se mettre réellement en scène, à travers la double présence du dessin animé et de l’image filmée.
Plus que jamais, il fait ici son autoportrait en cinéaste, en homme qui marche à l’envers, en créateur de fantasmes. Comme dans un miroir déformant, il nous renvoie une image du monde qui n’est pas tout à fait la vraie, mais saura nous obliger à voir le monde autrement.
avec Abdoulaye Komboudri, Anne Roussel Burk. Fa.–Fr. fict. vostf 1998 coul. 1h25 (vidéo)
The two Jabert brothers are wealthy Lebanese merchants who have lived in Burkina Faso for two generations. They meet regularly at the « French » bar reserved for members of high society. Amoudé, the younger brother, has a child from his relationship with a Burkinabe woman, Fati, with whom he is still in love despite their separation. Yacine, the eldest, has been the influential man in the family since his father died, although their mother reigns supreme at home. She dreams of returning to Lebanon to finish her days, as soon as the war is over. Amoudé is thrown into prison following a traffic accident. Yacine uses all his influence to try to get him out, but the country’s draconian anti-corruption policy makes his task difficult. To achieve his ends, he is forced to agree to accompany the President on her trip abroad, his pockets full of money to be invested outside the country.
Technical data
Original Title: Silmandé Directed by : Pierre Yaméogo Cast : Aï Keïta Yara, Jeanne d’Arc Yaméogo, Amadou Achille Bourou / KOMBOUDRI, Abdoulaye / ROUSSEL, Anne / STITI / SIBIDE, Doua / GUENTAS, Ali / SAWADOGO, Halidou / CISSE, Ibrahim / SALLEM, Saïda / SORGHO, Gustave Image : Jean Clave Sound: Emmanuel de Soria Editing : Jean Dubreuil Music : Wasis Diop Available format :35 mm, couleur Production : Dunia Production / Laafi Productions Afix Productions (France) / Thelma (Suisse) / DIPROCI (Burkina Faso) avec le soutien du Fonds Francophone (OIF / CIRTEF)
Awards : Prix Procirep, Festival de Namur 1998 / Prix ACCT, Festival de Carthage 1998 / Prix de la meilleure musique, Fespaco 1999 ¨/ Prix du Cilcs, Fespaco 1999 Sélection ACID au festival de Cannes 1998. Milan 1999
S. Pierre Yaméogo
Saint Pierre Yaméogo, Pierre Sakama Yaméogo in civil status, was born on 15 May 1955 in Koudougou (Burkina Faso). He studied at the Conservatoire du Cinéma Français. His film credits include short films, feature films and documentaries. Founder of Afix productions (Paris). 1982: editing internship at Radio Télévision Ouagadougou.
He died on 1 April 2019 in Ouagadougou, following a long illness.
— 1982 Stage de montage à la radio télévision de Ouagadougou. —1980-1983 Conservatoire libre du cinéma français (Paris). —1984-1987 Maîtrise en communication (Université de Paris VIII).
avec Abdoulaye Komboudri, Anne Roussel Burk. Fa.–Fr. fict. vostf 1998 coul. 1h25 (vidéo)
Les deux frères Jabert sont de riches commerçants libanais installés au Burkina Faso depuis deux générations. Ils se retrouvent régulièrement au bar « français » réservé aux gens de la haute société. Amoudé, le plus jeune, a un enfant issu de sa relation avec une Burkinabée, Fati, dont il est toujours amoureux malgré leur séparation. Yacine, l’aîné, est depuis la mort de son père l’homme influent de la famille, bien que leur mère règne en maître à la maison. Celle-ci rêve de retourner au Liban finir ses jours, dès que la guerre aura pris fin. Amoudé est jeté en prison à la suite d’un accident de la circulation. Yacine use de toutes ses influences pour tenter de l’en sortir, mais la politique anticorruption draconienne du pays lui complique la tâche. Pour arriver à ses fins, il se voit contraint d’accepter d’accompagner la Présidente dans son voyage à l’étranger, les poches remplies d’argent à placer hors du pays.
Fiche technique
Titre Original : Silmandé Réalisateur : Pierre Yaméogo Interprètes : Aï Keïta Yara, Jeanne d’Arc Yaméogo, Amadou Achille Bourou / KOMBOUDRI, Abdoulaye / ROUSSEL, Anne / STITI / SIBIDE, Doua / GUENTAS, Ali / SAWADOGO, Halidou / CISSE, Ibrahim / SALLEM, Saïda / SORGHO, Gustave Image : Jean Clave Son : Emmanuel de Soria Montage : Jean Dubreuil Musique : Wasis Diop Format :35 mm, couleur Production : Dunia Production / Laafi Productions Afix Productions (France) / Thelma (Suisse) / DIPROCI (Burkina Faso) avec le soutien du Fonds Francophone (OIF / CIRTEF)
Prix : Prix Procirep, Festival de Namur 1998 / Prix ACCT, Festival de Carthage 1998 / Prix de la meilleure musique, Fespaco 1999 ¨/ Prix du Cilcs, Fespaco 1999 Sélection ACID au festival de Cannes 1998. Milan 1999
S. Pierre Yaméogo
Saint Pierre Yaméogo, Pierre Sakama Yaméogo à l’état civil, est né le 15 mai 1955 à Koudougou (Burkina Faso). Il a fait des études au conservatoire du cinéma français. Comme réalisations il a à son actif aussi bien des courts métrages, des longs métrages et des documentaires. Fondateur de la maison de production Afix productions (Paris). 1982 : stage de montage à la radio télévision de Ouagadougou. Il est décédé le 1er avril 2019 à Ouagadougou, des suites d’une longue maladie.
— 1982 Stage de montage à la radio télévision de Ouagadougou. —1980-1983 Conservatoire libre du cinéma français (Paris). —1984-1987 Maîtrise en communication (Université de Paris VIII).
avec Mahamat-Saleh Haroun, Garba Issa Tchad doc.-fict. vostf 1999 coul. 1h26 (vidéo num.)
A la suite du décès de sa mère, le réalisateur retourne dans son pays, au Tchad. Il en profite pour faire des repérages pour son prochain film. Très vite, il se trouve confronté à une réalité incontournable : salles de cinema détruites, absence de toute structure de production ou de diffusion.
Mention spéciale, Mostra de Venise 1999
Mahamat-Saleh Haroun
Né en 1961 à Abéché (Tchad), Mahamat Saleh Haroun a 8 ans lorsqu’il voit son premier film. Déjà un souvenir indélébile s’imprime, le sourire en gros plan d’une belle femme indienne face caméra dont le jeune garçon se croit le destinataire… Mais la guerre civile éclate et, en 1980, il est obligé de fuir, grièvement blessé, vers le Cameroun voisin.
Il part en exil à 17 ans de son pays en pleine guerre civile et adopte ensuite la France comme terre d’accueil, entre études et petits boulots. Le jeune homme étudie alors au Conservatoire Libre du Cinéma Français puis se tourne ensuite vers le journalisme, gage de sécurité fincancière, qui lui fait intègrer l’IUT de Bordeaux en 1986. Il devient ainsi journaliste pour la presse régionale puis pour une radio locale avant de pouvoir accéder enfin à la réalisation en 1994.
Dans son premier court métrage Maral Tanie, le cinéaste dénonce le drame des mariages arrangés, et décroche une récompense au Festival « Vues d’Afrique ». C’est avec les honneurs qu’il pénètre, cinq ans plus tard, l’univers des réalisateurs de longs-métrages: ainsi, dans Bye bye Africa qui lui offre le prix du meilleur premier film au Festival de Venise, il évoque sous forme de chronique, entre fiction et documentaire, la disparition du cinéma dans son pays.
Ses deux films suivants, Abouna en 2003 et Daratt trois ans plus tard, l’installent définitivement parmi les grands du cinéma d’auteur. Présent à la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes, le premier raconte l’histoire de deux enfants qui se retrouvent en quête d’un père parti subitement. Le second décrit une tentative de vengeance teintée de réflexion humaniste et touche à nouveau son public qui lui décerne les honneurs du Prix spécial du jury à la Mostra de Venise. En 2010, la boucle se ferme avec la sélection officielle pour la Palme d’or cannoise grâce à Un Homme qui crie, où le cinéaste relie les deux thèmes majeurs de son oeuvre, les traumatismes de ceux qui subissent la guerre et les pères défaillants.
En 2013, il est de nouveau accueilli sur la Croisette, pour Grigris, un hymne à la jeunesse, présenté en sélection officielle. Dans ce sixième long métrage, le réalisateur brosse le portrait d’un jeune danseur handicapé, épris d’une prostituée, dans un Tchad à peine remis de la guerre. Le film remporte le Prix Vulcain de la meilleure photographie.
Mahamat Saleh Haroun est Membre du Jury de la Cinéfondation et des Courts Métrages du Festival de Cannes 2014.
