Portugal doc. vostf 2018 coul. et n&b 33min (vidéo num.)
Suite à la résolution de la conférence de Berlin de 1885 sur le partage de l’Afrique, l’armée portugaise enregistre l’occupation effective du territoire conquis en 1907 auprès du le peuple Cuamato, dans le sud de l’Angola. A Story from Africa rend vivante cette archive photographique rarement rarement vues à travers l’histoire tragique de Calipalula, le noble de Cuamato qui a joué un rôle essentiel dans le déroulement de cette campagne de pacification portugaise.
Billy Woodberry
Né à Dallas en 1950, Billy Woodberry est l’un des fondateurs du mouvement cinématographique de la rébellion de Los Angeles. Son premier long métrage Bless Their Little Hearts (1983) est une œuvre pionnière et essentielle de ce mouvement, influencé par le néo-réalisme italien et le travail des cinéastes du troisième cinéma. Le film a été récompensé par un OCIC, un prix Interfilm au Festival international du film de Berlin et a été ajouté au National Film Registry de la Library of Congress en 2013.
Son dernier long-métrage And when I die, I won’t stay dead (2015) sur le poète de la musique beat Bob Kaufman a été le film d’ouverture de la Quinzaine des Docs du MoMA en 2016.
Woodberry est apparu dans When It Rains (1995) de Charles Burnett et a assuré la narration de Red HOLLYWOOD (1996) de Thom Andersen et de Four Corners (1998) de James Benning.
Son travail a été projeté aux festivals du film de Cannes et de Berlin, au Museum of Modern Art (MoMA), à la Harvard Film Archive, Camera Austria Symposium, Human Rights Watch Film Festival, Tate Modern et Centre Pompidou.
Il a obtenu son MFA à l’UCLA en 1982, où il a également enseigné à l’école de théâtre, de cinéma et de télévision. Depuis 1989, Billy Woodberry est membre de la faculté de l’école de cinéma/vidéo et de l’école d’art du California Institute of the Arts.
Alors qu’elle va retrouver son père, une femme fait le point sur sa vie. Sur son trajet, le pays lui semble vide et lentement, des souvenirs de ses vies passées lui reviennent… Est-ce la réalité ? Est-ce seulement un rêve ?
Wally Fall
Wally Fall est réalisateur, scénariste et producteur sénégalo-martiniquais. Après avoir fait ses armes en réalisant de nombreux clips musicaux et en travaillant sur des émissions TV (montage ou caméra), il réalise ses premiers films qui questionnent les notions d’identité, de frontières et d’appartenance….
En 2015, il réalise et produit Ceew mi – L’Horizon, son long métrage documentaire, autour de la politique et de l’identité, après un premier Court-métrage de fiction, Parachute Doré(Golden Parachute), en 2014 avec dans les rôles principaux Malika Kadri, Anyès Noel, Laurent Mazingue, Komivi « Nëggus » Ihou, Marie-Annick Gane, Alix Houdayer, Alassane Doumbia, Dominique Dorothée, Margo Sene, etc.
Présentée par Dominique Taffin (Directrice de la Fondation pour la mémoire de l’esclavage) et les cinéastes Wally Fall (Fouyé Zetwal), Mathieu Glissant (Brûlé neige), Michelange Quay (L’évangile du cochon créole).
Je suis le cochon créole Je suis qui je suis Je suis le porc de vos ancêtres Ma chair est ta chair Jusqu’à la Fin des Temps
Michelange Quay
Au cours d’un brillant parcours étudiant, Michelange Quay glane une licence d’anthropologie à Miami et une licence de cinéma à New York en 1994, puis sort diplômé de la Tisch School of the Arts de New York en 1997.
Il signe aux États-Unis les courts métrages Myth of Seus (1996) et 40 Days (1998), avant de devenir l’un des fers de lance du cinéma haïtien, qu’il chante dans des coproductions avec la France, grâce aux courts métrages Qu’on leur donne des yoyos (2004) et L’Évangile du cochon créole (2004), présenté au Festival de Cannes.
C’est également dans le cadre de la Résidence de la Cinéfondation cannoise que Michelange Quay planche sur son premier long métrage, Mange ceci est mon corps (2007), qui gagne les salles françaises en 2008. Sylvie Testud et Catherine Samie y sont fille et mère, dans une plongée sensorielle, étrange et onirique dans les racines, les croyances et les vibrations d’Haïti.
Présentée par Dominique Taffin (Directrice de la Fondation pour la mémoire de l’esclavage) et les cinéastes Wally Fall (Fouyé Zetwal), Mathieu Glissant (Brûlé neige), Michelange Quay (L’évangile du cochon créole).
Fr.–Grèce–Haïti exp. vostf 2017 coul. et n&b 11min (cin. num.)
Les ombres de l’armée napoléonienne tombent sur les murs d’une grotte mystérieuse nommée d’après Marie Jeanne, une combattante de la révolution haïtienne. Cependant, un mythe local nous raconte différemment l’histoire de son acte de rébellion. La bataille qui se déroula à l’intérieur de sa grotte deviendra la révolte d’esclaves la plus aboutie de l’Histoire.
Shirley Bruno
Shirley est une réalisatrice de films américano-haïtienne qui vit entre New York, Haïti et la France. Elle a débuté comme documentariste et artiste multidisciplinaire avant d’entrer à la London Film School (Royaume-Uni) et d’obtenir une maîtrise avec mention en réalisation de film. Ses courts-métrages narratifs ont été présentés en Europe, au Canada, dans les pays de la région Caraïbes et aux États-Unis.
Shirley est boursière de la prestigieuse New York Foundation for the Arts ainsi que du New York State Council on the Arts (Individual Artist Grant / subvention pour les artistes individuels). Ses films traitent souvent de l’espace entre les générations, de la proximité et de la solitude au sein d’une famille et des non-dits qui nous marquent.
Une réflexion sur le métissage et le pluriculturalisme portée par une bande musicale hip-hop londonienne exceptionnelle ! La version britannique de La Haine.
Prix Oumarou Ganda, FESPACO 2001
Newton I. Aduaka
Newton I Aduaka est un réalisateur né à Ogidi, à l’est du Nigéria. En 1985 il découvre le cinéma à Londres et est admis à la London International Film School, d’où il sort diplômé en 1990. En 1997, il fonde Granite Filworks, branche britannique de Granit Films. La même année, il écrit, produit et réalise son court-métrage lauréat On The Edge, suivi juste après de son premier long-métrage Rage.
En 2001, Rage est le premier film totalement indépendant de l’Histoire du cinéma britannique réalisé par un cinéaste noir à être distribué sur l’étendue du territoire national, et sort avec un forte succès critique. La même année (en 2002), Newton Aduaka est sélectionné comme résident de la Cinéfondation du Festival de Cannes.
Entre 2005 et 2007, il a co-écrit, réalisé et produit Ezra, son premier film non totalement auto-produit, pour Arte France. Le film a remporté le Grand Prix du Jury dans de nombreux festivals, dont le FESPACO, Durban, Amiens et Balafon, et a été dans la sélection officielle à Sundance et Cannes.
En 2014, Newton Aduaka est à nouveau sélectionné à l’Atelier de la Cinéfondation du Festival de Cannes avec son projet de film Oil on water.
Aduaka vit actuellement à Paris, où il a cofondé la société de production Granit en 2009, avec Valérie Osouf, Alain Gomis et Delphine Zingg.
Filmographie :
1990 : Voices Behind The Wall (CM) 1994 : Carnival of silence (CM) 1997 : On the edge (CM) 1999 : Rage 2004 : Aicha (CM) 2004 : Bon voyage (CM, collection « Scénarios d’Afrique » campagne anti-SIDA. 2004 : L’Expert (CM, collection « Scénarios d’Afrique » campagne anti-SIDA. 2005 : Sale Nègre (collection « Paris la métisse »), CM 2002 : Funeral (CM) 2006 : Ezra, Etalon d’or de Yennenga au FESPACO 2007 2012 : One man’s show, Prix Paulin Vieyra (Critique Africaine / Africiné Magazine) au FESPACO 2013
1991 / documentary / Germany – Switzerland – France / original title: LUMUMBA, THE DEATH OF THE PROPHET / 69′ / Color / status: finished film / feature / All rights / Catalogue France et International
« If I die tomorrow, it’s because a white man has armed a black man », repeated future Congo Prime Minister Patrice Lumumba in 1960. A highly personal film by a Haitian filmmaker who grew up in Leopoldville.
Film restaured by Velvet Film
Synopsis
Lumumba: la mort du prophète offers a unique opportunity to reconsider the life and legacy of one of the legendary figures of modern African history. Like Malcolm X, Patrice Lumumba is remembered less for his lasting achievements than as an enduring symbol of the struggle for self-determination. This deeply personal reflection by acclaimed fimmaker Raoul Peck on the events of Lumumba’s brief twelve month rise and fall is a moving memorial to a man described as a giant, a prophet, a devil, « a mystic of freedom, » and « the Elvis Presley of African politics. »
Filmography
_ 1983 : Leugt – 1984 : Merry Christmas Deutschland – 1988 : Haitian Corner – 1993 : L’Homme sur les quais – 1988 : Haitian Corner – 1991 : Lumumba, la mort du prophète (Lumumba – Death of a Prophet); documentaire – 1993 : L’homme sur les Quais (The Man by the Shore) – 1994 : Desounen: Dialogue with Death; documentaire – 1994 : Haiti – Le silence des chiens (Haiti, Silence of the Dogs); documentaire – 1997 : Chère Catherine – 1998 : Corps plongés, téléfilm – 2000 : Lumumba – 2001 : Le profit & rien d’autre ! (Profit & Nothing But! Or Impolite Thoughts on the Class Struggle); documentaire – 2005 : Quelques jours en avril (Sometimes in April) – 2006 : L’Affaire Villemin, téléfilm – 2009 : L’École du pouvoir, téléfilm – 2009 : Moloch Tropical; IFB Berlinale Special – 2012 : Assistance Mortelle (Fatal Assistance); documentaire – 2014 : Meurtre à Pacot (Murder in Pacot); IFB Panorama – 2016 : I Am Not Your Negro; documentaire – 2017 : Le jeune Karl Marx (The Young Karl Marx)
Raoul Peck
Haitian Film Director, Screenwriter and Producer.
Born in 1953 in Port-au-Prince (Haïti), Raoul Peck was educated in Haiti, Zaire (Congo), the U.S. and France. He studied engineering and economics at Berlin University, worked as a journalist and photographer from 1980 to 1985, and received his film degree from the Berlin Academy of Film and Television in 1988.
Peck explored the horrors of the Duvalier dictatorship in « Man by the Shore » (« L’Homme sur les Quais »/ »The Man on the Shore »), the first Haitian film invited in competition at the Cannes Film Festival 1993 and which was screened at the St Barth Film Festival in 1996; and in his documentary « Haiti: Silence of the Dogs ». « In Lumumba: Death of a Prophet » (1991), documentary which was awarded the Procirep Prize, Festival du Réel and Best Documentary at the Montreal Film Festival in 1992; and « Chère Catherine » (1997)-a meditation about his final months as Haiti’s Minister of Culture, documentary which was awarded the Sony Special Prize at the 1997 Locarno Festival-Peck takes a personal approach to questions of history, in contrast to his more starkly political films. Peck’s directorial career includes: « Lumumba, » which aired on HBO in 2002; « Haitian Corner »; « Desounen – Dialogue with Death »; « Haiti – Silence of the Dogs »; and « Corps Plongés. » Peck was awarded the Nestor Almendros Prize (1994) by the Human Rights Watch in New York and The Irene Diamond Lifetime Achievement Award (2003) by Human Rights Watch.
Présenté par Raoul Peck (cinéaste) et Armelle Chatelier (historienne)
Lumumba, la mort du prophète
de Raoul Peck
1991 / documentaire / Allemagne – Suisse – France / titre original : LUMUMBA, LA MORT DU PROPHÈTE / 69’ / Couleur / statut : film fini / long-métrage / Tous droits / Catalogue France et International
« Si je meurs demain, c’est qu’un Blanc aura armé un Noir », répétait en 1960 le futur Premier ministre du Congo, Patrice Lumumba. Un film très personnel du cinéaste haïtien grandi à Léopoldville.
Film restauré par Velvet Film
Lumumbaselon Raoul Peck
Patrice Lumumba, héros de l’indépendance congolaise, n’a pas trente ans lorsque les premiers soubresauts d’une décolonisation bâclée le propulsent sur le devant de la scène politique internationale. De fonctionaire indigène au bureau de poste de Stanleyville, en passant par plusieurs séjours en prison pour vol ou pour incitation au désordre, il deviendra en l’espace de quelques années (1957-1960) l’homme le plus vilipendé de cette période intensive de la guerre froide. Période qui a mené le monde au bord d’un conflit mondial. Devenu premier ministre de l’un des pays les plus riches d’Afrique, son destin de héros tragique était tout tracé, son assassinat dès lors programmé. Il ne restera que trois mois au pouvoir. Janvier 1961, ses assassins n?avaient plus alors qu’à faire disparaître son corps.
«Il y eu d’abord un film documentaire, Lumumba, la mort d’un prophète, qui a été pour moi une tentative de faire le point sur une partie de ma vie et d’inscrire une mémoire personelle dans la trame de l’événement historique. Le film de « fiction » Lumumba se veut une approche moderne d’un héros historique contemporain, où le romanesque, le politique, la grande histoire comme la petite, l’intime, le quotidien, s’entrelacent et correspondent pour éclairer à la fois un destin individuel exceptionnel et une période importante de notre temps. Lumumba se doit de déranger. Il se doit de questionner notre époque sur ses tares passés et présentes, qui lui restent sur le visage comme d?affreuses verrues. Le Héros tragique est celui que chacun peut trahir impunément.
Je viens de passer dix huit mois comme Ministre de la Culture de mon pays Haïti. Un choix d’abord, bien évidement mais aussi une urgence incontournable. A cause de mes films, à cause de mon engagement, à cause d’un pays qui a su génération après génération, brûler ses ressources humaines.
Dix-huit mois d’une lutte politique dure et impitoyable, dans un pays qui hésite encore entre populisme hégémonique, donc simpliste et démocratie transparente donc compliquée par une tradition qui fait cruellement défaut. Une expérience personnellement douloureuse et l’apprentissage des limites de l’action politique.
C’est avec cet héritage aussi riche que conflictuel que je décide de revenir à ce projet ambitieux que constitue Lumumba. Histoire de faire le point à la lumière de mon propre parcours sur un destin politique biaisé et compris à la base. Histoire de revenir sur un terrain dont je domine mieux les contours. Histoire de remettre 37 ans après les pendules à l’heure au sujet d’un meurtre-sacrifice. Histoire de transcender mes propres douleurs, mes regrets, ma colère intacte. Histoire tout court.»
Raoul Peck
Synopsis
En 1962, un enfant haïtien rejoint ses parents, coopérants au Congo, ex-belge, nouvellement indépendant. Deux ans plus tôt, Patrice Lumumba, figure mythique de l’indépendance congolaise, trouvait la mort au Katanga.
À partir d’une photographie trouvée par sa mère où figure le leader congolais, l’enfant, devenu cinéaste, réalise trente ans plus tard, un film très personnel et sensible où biographie et histoire, témoignages et archives, constituent la trame d’une réflexion autour de la figure de Lumumba, son assassinat politique, les médias et la mémoire.
Raoul Peck a réalisé une œuvre complexe et variée qui va du documentaire à la fiction télé.
Il réalise également des longs métrages : L’Homme sur les Quais, qui fut sélectionné en Compétition à Cannes 1993 et Lumumba, qui fut présenté à la Quinzaine des Réalisateurs en 2000. Sometimes in April (2005) est lui présenté à Berlin, Moloch Tropical (2009) à Toronto et à Berlin.
Ancien Ministre de la Culture d’Haïti, Raoul Peck est depuis 2010, Président du Conseil d’Administration de La Fémis. En 2012, Raoul Peck fait partie du Jury du 65ème Festival de Cannes aux côtés du Président Nanni Moretti, Ewan McGregor ou encore Diane Kruger.
Filmographie
– 1983 : Leugt – 1984 : Merry Christmas Deutschland – 1988 : Haitian Corner – 1993 : L’Homme sur les quais – 1988 : Haitian Corner – 1991 : Lumumba, la mort du prophète (Lumumba – Death of a Prophet); documentaire – 1993 : L’homme sur les Quais (The Man by the Shore) – 1994 : Desounen: Dialogue with Death; documentaire – 1994 : Haiti – Le silence des chiens (Haiti, Silence of the Dogs); documentaire – 1997 : Chère Catherine – 1998 : Corps plongés, téléfilm – 2000 : Lumumba – 2001 : Le profit & rien d’autre ! (Profit & Nothing But! Or Impolite Thoughts on the Class Struggle); documentaire – 2005 : Quelques jours en avril (Sometimes in April) – 2006 : L’Affaire Villemin, téléfilm – 2009 : L’École du pouvoir, téléfilm – 2009 : Moloch Tropical; IFB Berlinale Special – 2012 : Assistance Mortelle (Fatal Assistance); documentaire – 2014 : Meurtre à Pacot (Murder in Pacot); IFB Panorama – 2016 : I Am Not Your Negro; documentaire – 2017 : Le jeune Karl Marx (The Young Karl Marx)
Revue de presse
“Un vrai poème pour l’histoire, pour un pays, pour un homme”
Libération
“Un film exceptionnel qui encourage le spectateur à s’engager dans la tâche urgente d’interroger l’histoire et notre place dans celle-ci.”
Comédie musicale inspirée des années d’études du cinéaste, le méconnu School Daze décrit le conflit entre deux groupes d’étudiants africains-américains au sein de leur campus.
Né à Atlanta (Georgie) le 20 Mars 1957, dans une famille d’artistes, Spike Lee passe sa jeunesse à Brooklyn, puis regagne le Sud pour suivre les cours du Collège Universitaire de Morehouse. Diplômes en poche, il entre à la New York University, où il réalise ses premiers courts métrages : The Answer et Sarah. Il y obtient l’Oscar du Meilleur Film Étudiant pour Joe’s Bed-Stuy Barbershop, qui remportera un succès considérable dans plusieurs grands festivals : Montréal, Rotterdam, Los Angeles, San Francisco, et connaîtra de nombreuses diffusions télévisées.
Après un premier projet de long-métrage, abandonné faute d’argent, Spike Lee écrit le scénario de She’s gotta have it (Nola Darling n’en fait qu’à sa tête), comédie de moeurs qu’il réalise et interprète en 12 jours avec une petite équipe hautement motivée. Ce film, le premier consacré à la moyenne bourgeoisie noire de Brooklyn, sera primé dans plusieurs manifestations, et remportera notamment le Prix de la Jeunesse au Festival de Cannes.
Spike Lee écrit, réalise et interprète ensuite la comédie musicale School Daze, une satire de l’assimilation et des « fraternités » universitaires noires qui sera le plus grand succès Columbia de l’année 1988. Un an plus tard, il écrit, réalise et interprète Do the right thing, pour lequel il est cité à l’Oscar du meilleur scénario et remporte les prix de la mise en scène et du meilleur film, décernés par la Los Angeles Film Critics Association.
En 1990, il signe Mo’ Better Blues, avec Denzel Washington et Wesley Snipes, que suivront Jungle Fever, avec Wesley Snipes et Annabella Sciorra, une ample et ambitieuse biographie de Malcolm X, interprétée par Denzel Washington, qui décrochera deux citations à l’Oscar, la comédie autobiographique Crooklyn, le drame réaliste Clockers, d’après le roman de Richard Price, la comédie dramatique GIirl 6.
Spike Lee réside depuis l’enfance à Fort Greene (Brooklyn), où sont installés les bureaux de sa société de production, 40 Acres and a Mule. Producteur/scénariste de la quasi-totalité de ses films, il a également assuré la production exécutive d’une demi-douzaine de films, dont The best man de son frère, Malcolm D. Lee. Il consacre aussi depuis plusieurs années une large part de son temps au documentaire et a filmé récemment le long-métrage When the Levee Broke, consacré à l’ouragan Katrina, qui sera diffusé sur HBO cet été.
Acteur dans plusieurs de ses premiers films, Spike Lee a publié 6 récits de tournages, ainsi qu’un recueil de photos sur ses cinq premières réalisations, intitulé Five for Five, un livre pour enfants, Please, Baby, Please, avec sa femme Tonya Lewis Lee ; Best Seat in the House, en collaboration avec Ralph Wildy, un livre de souvenirs, That’s My Story and I’m Sticking To It. Il a créé récemment avec DDB Needham l’agence de publicité multiservices Spike DDB. En 2006 sort dans nos salles son film Inside man.
Voici quelques uns de ses plus grands succès critiques et populaires : La 25ème Heure, Summer of Sam, les documentaires The Original Kings Of Comedy et 4 Little Girls, témoignant d’un dynamisme artistique et d’un éclectisme rares. Ses films antérieurs, de Nola Darling n’en fait qu’à sa tête, qui le révéla en 1996 à Get on the bus et de nombreux documentaires qui ont abordé frontalement les problèmes les plus brûlants de l’Amérique et ont contribué à bousculer quantité de stéréotypes raciaux, sociaux, culturels et sexuels.
avec Everett Silas, Jessie Holmes États-Unis fict. vostf 1983 coul. 1h21 (vidéo num.)
Pierce travaille dans le pressing familial. Son frère s’apprête à se marier alors que son meilleur ami sort de prison. Une plongée dans Watts, quartier de L.A., grand théâtre de la vie par l’immense réalisateur de Killer of Sheep.
Né en 1944 à Wicksburg dans le Mississippi, Charles Burnett grandi dans le quartier de Watts à Los Angeles. Il commence par suivre des études pour devenir électricien mais il est très vite attiré par la réalisation et la photographie. Formé à l’école de théâtre, de cinéma et de télévision de l’Université de Californie (UCLA), il réalise son premier long métrage, Killer of Sheep, en 1977. Cette oeuvre est déclarée “trésor national” par le National Film Registry et fait dorénavant partie des 50 films les plus importants de l’histoire du cinéma américain, préservés dans la bibliothèque du Congrès. Participant de la veine du réalisme social, ce film est primé au Festival de Berlin en 1981.
Deux ans plus tard, Charles Burnett met en scène My Brother’s Wedding puis To sleep with anger en 1990. Ce film, interprété par Danny Glover, obtient l’Indépendent Spirit Award du meilleur réalisateur, du meilleur scénario et du meilleur acteur. Il est également primé au Festival de Sundance et reçoit le Prix Spécial de la Los Angeles Film Critics Association.
En 1993, Charles Burnett réalise The Glass Shield, un drame urbain sur la corruption et le racisme qui rongent la police de Los Angeles. Il signe également plusieurs documentaires, notamment America becoming (1991), Nat Turner : A Troublesome Property (2003) et Warming by the devil’s fire (2003), qui fait partie de la série The blues produite par Martin Scorcese. En 2007, Charles Burnett dirige à nouveau Danny Glover dans le long métrage Namibia : The Struggle for liberation, un portrait du leader indépendantiste namibien Samuel Nujoma.
Passionnant essai sur les luttes antiracistes britanniques des années 1980 et les émeutes de 1985 dans le quartier de Handsworth à Birmingham, par le cinéaste anglo-ghanéen, également plasticien.
John Akomfrah
John Akomfrah, OBE (né le 4 mai 1957) est un artiste, écrivain, réalisateur, scénariste, théoricien et curateur anglais d’origine ghanéenne, dont « l’engagement envers un radicalisme à la fois politique et cinématographique s’exprime dans tous ses films ».
Fondateur du Black Audio Film Collective en 1982, il a fait ses débuts en tant que réalisateur avec Handsworth Songs, qui examinait les retombées des émeutes de 1985 à Handsworth. Handsworth Songs a remporté le prix Grierson du meilleur documentaire en 1987. Selon le Guardian, il « a acquis la réputation d’être l’un des cinéastes les plus novateurs du Royaume-Uni, dont les œuvres poétiques traitent de la race, de l’identité et des attitudes postcoloniales depuis plus de trois décennies ».
Akomfrah est né à Accra, au Ghana, de parents engagés dans le militantisme anticolonial. Dans un entretien avec Sukhdev Sandhu, Akomfrah a déclaré : « Mon père était membre du cabinet du parti de Kwame Nkrumah […]. Nous avons quitté le Ghana parce que la vie de ma mère était en danger après le coup d’État de 1966, et mon père est mort en partie à cause de la lutte qui a mené à ce coup d’État ». Vivant en Grande-Bretagne depuis l’âge de quatre ans, Akomfrah a fait ses études dans des écoles de l’ouest de Londres et à l’école polytechnique de Portsmouth, où il a obtenu un diplôme de sociologie en 1982.
Il est surtout connu pour être l’un des fondateurs du Black Audio Film Collective, actif entre 1982 et 1998, qui s’est consacré à l’examen des questions d’identité des Britanniques noirs par le biais du cinéma et des médias. Handsworth Songs, le premier documentaire produit par le collectif, portait sur les tensions raciales en Grande-Bretagne dans les années 1980.
En 1998, avec Lina Gopaul et David Lawson, ses partenaires de production de longue date, Akomfrah a cofondé Smoking Dogs Films.
De 2001 à 2007, il a été gouverneur du British Film Institute et de 2004 à 2013, gouverneur de l’organisation cinématographique Film London.
Akomfrah a donné des cours et des stages dans des établissements universitaires tels que le Massachusetts Institute of Technology, la Brown University, la New York University, la Westminster University et la Princeton University. Un événement tri-campus de trois jours intitulé « Cinematic Translations : The Work of John Akomfrah » a eu lieu en novembre 2013 à l’Université de Toronto, où il était artiste en résidence. Une critique de la Harvard Film Archive sur son travail indique : « Akomfrah est devenu le pendant cinématographique de commentateurs et de contributeurs à la culture de la diaspora noire tels que Stuart Hall, Paul Gilroy, Greg Tate et Henry Louis Gates. Ce faisant, il a continué à exploiter les archives audiovisuelles du XXe siècle, recontextualisant ces images non seulement en les sélectionnant et en les juxtaposant, mais aussi en y ajoutant des textes éloquents et allusifs. »
Filmographie :
Handsworth Songs (1986) Testament (1988) Who Needs a Heart (1991) Seven Songs for Malcolm X (1993) The Last Angel of History (1996) Memory Room 451 (1996) Call of Mist (1998) Speak Like a Child (1998) Riot (1999) The Nine Muses (2010) Hauntologies (Carroll/Fletcher gallery, 2012) The Stuart Hall Project (2013), The Unfinished Conversation (2013) The March (2013) Vertigo Sea (2015) Auto Da Fé (2016)
Suzanne, Suzanne, tourné par Camille Billops avec la collaboration de son mari, est un des courts métrages les plus émouvants de la génération des réalisatrices noires des années 1970 et 1980. La cinéaste revient sur la difficile relation de Suzanne avec son père alcoolique, qui la poussa vers l’héroïne. Jonglant entre les images de famille et un entretien face caméra, le film aboutit à une scène déchirante où la fille demande des comptes à sa mère. La scène se déploie sans un bruit, dans la quiétude de cette chambre noire, jusqu’à ce que les deux femmes s’étreignent. Camille Billops poursuit ce travail biographique dans cinq films dont le long métrage Finding Christa (1991), sur l’abandon de sa fille. Hugues Perrot
Camille Billops et James Hatch
L’artiste et cinéaste Camille Billops est née le 12 août 1933 à Los Angeles, en Californie. Au cours de sa carrière, Billops a pratiqué la gravure, la sculpture, l’illustration de livres et la réalisation de films. Elle a obtenu sa licence à la California State University et sa maîtrise au City College de New York en 1975.
on principal moyen d’expression est la sculpture et ses œuvres font partie des collections permanentes du Jersey City Museum à Jersey City, New Jersey, et du Museum of Drawers, Berne, Suisse. Billops a participé à des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, notamment : Gallerie Akhenaton, Le Caire, Egypte ; Hambourg, Allemagne ; Kaohsiung, Taiwan ; Gimpel and Weitzenhoffer Gallery, et El Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombie. Elle était une amie et collègue de longue date du maître graveur Robert Blackburn, qu’elle a aidé à créer le premier atelier de gravure à Asilah, au Maroc, en 1978.
En 1975, avec son mari, James Hatch, historien du théâtre noir, Billops a fondé la collection Hatch-Billops. Ces impressionnantes archives afro-américaines sont constituées d’histoires orales, de livres, de diapositives, de photographies et d’autres références historiques. Billops a également collaboré avec James Van Der Zee et le poète Owen Dodson à la publication de The Harlem Book of the Dead. En 1982, Billops a commencé sa carrière de cinéaste avec Suzanne, Suzanne.
Elle suit ce début prometteur en réalisant cinq autres films, dont Finding Christa en 1991, une œuvre hautement autobiographique qui a obtenu le Grand Prix du Jury pour les documentaires au Festival du film de Sundance 1992. Finding Christa a également été diffusé dans le cadre de la série télévisée P.O.V. de la Public Broadcasting Station. Parmi ses autres films, citons Older Women and Love en 1987, The KKK Boutique Ain’t Just Rednecks en 1994, Take Your Bags en 1998 et A String of Pearls en 2002. Billops a produit tous ses films avec son mari et leur société cinématographique, Mom and Pop Productions. Ils ont également co-publié Artist and Influence, un annuel, en 1981, comme un journal complet des Afro-Américains dans la communauté des arts visuels, du spectacle et de la littérature.
Une partie de la collection Hatch/Billops – une ressource majeure pour la recherche sur les arts et les lettres afro-américains du XXe siècle – est conservée dans les archives de la Cohen Library du CCNY. L’impact du couple sur l’étude du théâtre afro-américain est monumental et façonnera le travail des historiens du théâtre et des spécialistes de la littérature pour de nombreuses années à venir.
Ce film s’inscrit dans une séance de courts métrages comprenant : Pain sec Jamal
