avec Ndelela Wa Mbombo, Joaquim Laplaine, Kapinga Wa MBombo, Anna Laplaine Rép. dém. du Congo drame vostf 2008 coul. et n&b 1h10 (vidéo num.)
Un homme dont on sait peu de chose, cherche son frère brusquement disparu après avoir déposé ses enfants dans une gare… Au cours de son enquête qui le fait quitter son confort parisien pour voyager sur trois continents, il renoue avec sa famille dont il s’était éloigné. Des pans de son enfance resurgissent, le rapprochant étrangement de son frère.
Zeka Laplaine
Zeka Laplaine est un réalisateur et acteur Congolais (RDC). Après une école d’art dramatique à Bruxelles, il joue en France, au Portugal et dans plusieurs pays en Afrique. En 1996, il réalise son premier film, Macadam Tribu, sélectionné au festival de Cannes. Ses films ont été souvent primés dans les festivals internationaux.
Kinshasa Palace, projeté en première mondiale au festival de Toronto, fait partie d’une trilogie sur « le double et l’absence ».
Nouadhibou is a small fishing town on a peninsula off the coast of Mauritania. It is here that Abadallah, a seventeen-year-old Malian, is to be reunited with his mother, while awaiting her departure for Europe. In this frontier town, Abdallah is a little lost and is trying to decipher the world around him. There is Nana, a sensual young woman who is trying to seduce him; Makan, who, like him, dreams of Europe; and Maata, a former fisherman turned electrician, and his disciple Khatra, a young apprentice. It is this mischievous child who teaches Abdallah the local language so that he can break out of his isolation.
Abderrahmane Sissako was born in Kiffa, Mauritania, in 1961 and raised in Mali, his father’s homeland. When he returned to Mauritania in 1980, the emotional and financial difficulties of adjustment made him turn to literature and film. A study grant allowed him to attend the Institute of the University of Moscow. Le Jeu (1989), first presented as a graduation assignment, won the prize for best short at the Giornate del Cinema Africano of Perugia in 1991. In 1993, October was shown at Locarno and won prizes the world over. His film Waiting for Happiness was screened at Cannes 2002 and was winner of the FIPRESCI award for best film in the Un certain regard section. It was also shown at the New York Film Festival in 2002 and won the Grand Prize at FESPACO in 2003. The overtly political Bamako (2006) represents a move away from autobiography but the explicit subject of Bamako had been the implicit themes of his other films: the legacy of colonialism and the lopsided relationship between the first and third worlds. Sissako is, along with Ousmane Sembène, Souleymane Cissé, Idrissa Ouedraogo and Djibril Diop Mambety, one of the few filmmakers from Sub-Saharan Africa to reach a measure of international influence. His 2014 film Timbuktu was selected to compete for the Palme d’Or in the main competition section at the 2014 Cannes Film Festival, garnered a 2015 Academy Award nomination for Best Foreign Language Film, and swept the 2015 Cesar Awards in France winning seven awards, including Best Director and Best Film.
Abdallah, un jeune garçon, retrouve sa mère à Nouadhibou, en attendant son départ vers l’Europe. Dans ce lieu d’exil dont il ne comprend pas la langue, il essaie de déchiffrer l’univers qui l’entoure.
Prix FIPRESCI, Festival de Cannes 2002 Étalon d’or, FESPACO 2003
Né le 13 octobre 1961 en Mauritanie, il passe son enfance et son adolescence au Mali où il fera ses études primaires et secondaires. Il vit ensuite dix ans à Moscou, où il se forme à l’Institut Fédéral d’Etat du Cinéma (le célèbre VGIK). Son film de fin d’études, Le Jeu, étonne déjà par sa maturité et ses choix esthétiques. Octobre, court-métrage tourné en Russie et primé dans de nombreux festivals, a pour thème principal l’exil, comme En attendant le bonheur.
Installé maintenant en France, il poursuit son œuvre, dont la singularité est qu’elle fédère à la fois fiction et documentaire, politique et poétique, ouvrant un nouvel espace à l’imaginaire de l’Afrique sahélienne.
Filmographie :
1989 Le Jeu
1990 Sex et perestroïka
1993 Octobre, Prix Un Certain Regard Festival de Cannes
Inner city London is the backdrop of this un-idealistic exploration into the nature of friendship, identity and the fears within, which create a resistance to achieving our dreams. Through the story of three teenagers – Jamie aka Rage, G and T- in pursuit of a dream- to cut a Hip hop record; we witness the vulnerability of youth in the face of market forces, cultural colonialism and multiculturalism in a real society. Our protagonists’ many faces, an example of the masks we wear, of our inner truths and outer lies, will crumble with self-confrontations that will lead them to triumph in the face of adversity.
Prix Oumarou Ganda, FESPACO 2001
Newton I. Aduaka
With his feature film Ezra, Newton I Aduaka won the Etalon d’or de Yennenga at the 20th edition of FESPACO. Premiering in competition at the Sundance film festival, it was nominated for the Humanitas Prize, screened at the Critics’ Week in Cannes and was awarded the United Nation’s prize for Peace and Tolerance, the FIPRESI award and various other awards, including 6 grand jury prizes. Prior to that his multiaward winning indie film debut feature, Rage, was released nation-wide in the UK to critical acclaim and was a recipient of the Carlton television multicultural award, FESPACO’s Oumorou Ganda award, PAFF best first feature award and the OCIC prize. A Ford Foundation grantee, Newton was Filmmaker in Residence at the Cannes Film Festival’s Cinéfondation’s La Résidence du Festival and writer in residence at The Moulin d’Ande. Commissioned by the Society of French Directors (SRF) and Cannes’ Quinzaine des Réalisateurs he made a short film on the theme, “Cinema and Globalization”. The result was Funeral . His short films, have screened, in various official competitions and won awards at numerous film festivals such as the Mostra de Venise, Oberhausen film festival, Claremont Ferrand Intl. film festival, Uppsala Intl. short film festival Edinburgh International Film Festival… The NGO, Global Dialogue, commissioned Aduaka to direct four short films on AIDS awareness. These films have been translated into numerous African and European languages and are effectively used as educational tools across the world.
Aduaka was invited to speak at TED. His speech is available online at www.ted.com. He was invited by the Berlin film festival as an expert, to speak on drama and aesthetics of Cinema at the Berlinale Talent Campus. At the 60th edition of the Cannes Film Festival, Aduaka was invited to hold a Master class.
One Man’s Show, his third feature premiered at Fespaco, winning the Critics’ Prize. The film had its US premier at the Mill Valley Film Festival. In the past few years Aduaka has made forays into experimental cinema and visual art installation pieces, a return to his days as a member of the radical avant-garde cinema in the early 90s at the London Film-Coop. The British newspaper, The Independent, named Aduaka as one of the 50 greatest cultural figures shaping the African continent. Aduaka lives in Paris.
Filmography
1990 : Voices Behind The Wall (CM) 1994 : Carnival of silence (CM) 1997 : On the edge (CM) 1999 : Rage 2004 : Aicha (CM) 2004 : Bon voyage (CM, collection « Scénarios d’Afrique » campagne anti-SIDA. 2004 : L’Expert (CM, collection « Scénarios d’Afrique » campagne anti-SIDA. 2005 : Sale Nègre (collection « Paris la métisse »), CM 2002 : Funeral (CM) 2006 : Ezra, Etalon d’or de Yennenga au FESPACO 2007 2012 : One man’s show, Prix Paulin Vieyra (Critique Africaine / Africiné Magazine) au FESPACO
Awards / Festivals
Prix Oumarou Ganda (Best First Feature) – FESPACO
Best Director, Best First Feature – Pan African Film Festival Los Angeles
Prix Jeunesse – Vue d’Afrique, Montreal
Grand Prix OCIC – Festival de Amiens!
Carlton Television Multi-cultural award – United Kingdom
Nominee Grand Jury Prize – Moscow International Film Festival
Director’s Comment
RAGE is the cinema of now, intense, vivid, real and uncompromising. No special effects, “guns”, gratuitous sex or violence, just simple storytelling from within the powerful vistas of inner emotions outwards. The raw feeling of the inner- city and our protagonists’ London is the backdrop of an un-idealistic exploration into the world of dreams and how they can lead us to self-confrontation at critical points in our lives.
The first draft of RAGE was written in a four days fever, the whole idea being the result of a two-year research in the Hip hop and Jazz Jam Session world. The speed in which the script was written inevitably lends the movie immediacy, energy and intensity. Made independently by award-winning filmmakers writer-director-producer Newton ADUAKA, producer Maria-Elena L’ABBATE and a dedicated and talented crew, RAGE features tour de force performances from three young actors, Fraser Ayres (Intimacy, It Was An Accident, Speak Like a Child), Shaun Parkes (Human Traffic, Lock Stock the TV Series, Mummy 2) and John Pickard (2 Point 4 Children) plus an array of fine supporting cast. An
intense character study, with an energetic and intimate documentary style cinematography by Carlos Arango and a compilation of cutting edge hip hop, jazz, nu beatz and poetry from renowned underground labels drives the film.
Technical Specs
Year of Production: 2000!
Duration: 93 minutes
Original media: 35mm – Color!
Aspect ratio: 1:1.85!
Sound: Dolby SR
Versions: English Dialogue Original & French Subtitled Version
Jamie, également connu sous le nom de Rage, est un jeune homme métis et colérique qui vit à Peckham, dans le sud de Londres. Il fait partie d’un trio de rap avec Godwin (« G ») et Thomas (« T »). Pour enregistrer un disque, ils doivent trouver 4 000 £. Rage travaille comme gerbeur. G est un pianiste issu d’une famille noire respectable. T est blanc et ses parents sont riches, mais son argent est bloqué dans un trust. Rage prévoit de financer le disque en cambriolant la maison des parents de T. G déteste ce projet, mais il l’accepte. G déteste ce plan mais suit quand même Rage. Cependant, ils trouvent les parents de T chez eux et la police attrape les deux jeunes hommes : Rage est battu et peut-être violé. Les parents de T. abandonnent les poursuites. Lorsque G commence à sortir avec Lola, Rage est en colère et G quitte le groupe. T. quitte également le groupe après que Rage ait agressé un policier raciste.
Une réflexion sur le métissage et le pluriculturalisme portée par une bande musicale hip-hop londonienne exceptionnelle ! La version britannique de La Haine.
Prix Oumarou Ganda, FESPACO 2001
Newton I. Aduaka
Newton Aduaka est né en Pays Ibo, dans l’est du Nigéria en 1966 et a grandi à Lagos où sa famille s’installe après la fin de la guerre du Biafra.
En 1985 il part à Londres afin d’entreprendre des études d’ingénieur, mais il découvre le cinéma et s’inscrit à la London Film School. Diplômé en 1990, il écrit de nombreux scénarios et publie des nouvelles , tout en exerçant en parallèle le métier d’ingénieur du son (Quartier mozart, de Bekolo, et de nombreux documentaires britanniques).
En 1997, il fonde la société de production Granite Filmworks, avec laquelle il produit et réalise On the Edge, qui reçoit le prix du meilleur court-métrage lors du Fetival de Milan en 1988 ainsi qu’au Fespaco 1999.
En 2001, son premier long-métrage, Rage, sort en salles en Grande-Bretagne. Il est soutenu par la critique remporte de nombreux prix en festivals.
En 2002, Newton Aduaka s’installe à Paris: il est alors résident à la Cinéfondation du Festival de Cannes. La même année, il présente son court-métrage Funeral à la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes.
Répondant à une proposition d’Arte France, il réalise Ezra une fiction autour d’un enfant soldat appelé à comparaître devant la Commission Vérité et Réconciliation.
Présenté en avant-première mondiale en janvier 2007 au Festival de Sundance et projeté « Hors Sélection » à la Semaine de la Critique à Cannes, Ezra remporte de nombreuses récompenses, notamment l’Étalon d’or de Yennenga (Grand prix) au Fespaco en 2007.
Il a été sélectionné dans plus de cent festivals à travers le monde et a remporté plus de 20 prix. Il a recu le Prix des Nations-Unies pour la Promotion d’une Culture de la Paix et de la Tolérance. Newton Aduaka crée à Paris en 2008 , avec notamment les cinéastes Alain Gomis et Valérie Osouf la société de production Granit Films.
Son dernier long métrage One Man’s Show a obtenu le Prix Paulin Vieyra de la Critique Cinématographique Africaine au Fespaco 2013.
Filmographie :
1990 : Voices Behind The Wall (CM) 1994 : Carnival of silence (CM) 1997 : On the edge (CM) 1999 : Rage 2004 : Aicha (CM) 2004 : Bon voyage (CM, collection « Scénarios d’Afrique » campagne anti-SIDA. 2004 : L’Expert (CM, collection « Scénarios d’Afrique » campagne anti-SIDA. 2005 : Sale Nègre (collection « Paris la métisse »), CM 2002 : Funeral (CM) 2006 : Ezra, Etalon d’or de Yennenga au FESPACO 2007 2012 : One man’s show, Prix Paulin Vieyra (Critique Africaine / Africiné Magazine) au FESPACO 2013
A travers des extraits de films africains, ce documentaire propose un voyage poétique dans une ville imaginaire, emblématique de toutes les grandes villes africaines. Il nous rappelle également, grâce aux mots inspirés du cinéaste Djibril Diop Mambety, la responsabilité de celui qui prend des photos des autres.
Isabelle Boni-Claverie
Isabelle Boni-Claverie est scénariste, réalisatrice et écrivaine.
Elle traverse les genres selon les besoins de la narration. Depuis plus de 15 ans, elle a co-écrit des séries très populaires pour la télévision française tout en réalisant avec succès des films plus personnels.
À 18 ans, son premier texte, La Grande dévoreuse, est publié dans « Villes d’Exil » (éd. Le Monde/La Découverte), puis réédité dix ans plus tard sous forme de roman par les NEI (Nouvelles Editions Ivoiriennes).
À 22 ans, elle est chef de la rubrique cinéma de Revue Noire, première revue d’art contemporain consacrée à l’Afrique et sa diaspora. Elle collabore ensuite pendant cinq ans avec le mensuel AM (Afrique Magazine) pour lequel elle crée la rubrique « Ma nuit avec».
Sa rencontre avec la réalisatrice Claire Denis la convainc de faire du cinéma. Après des études de Lettres Modernes à la Sorbonne et d’Histoire de l’Art à l’Ecole du Louvre, elle entre à La Fémis dont elle sortira diplômée en scénario en 2000.
En 2005, l’acteur et producteur américain Danny Glover (L’Arme fatale, Witness, La Couleur pourpre…) lui confie l’adaptation pour le cinéma du roman de Valérie Tong Cuong, « Où je suis » (éd. Grasset) qui devient Heart of blackness.
Depuis, Isabelle a co-écrit un certain nombre de téléfilms et de séries pour la télévision, parmi lesquels la comédie Sexe, Gombo et Beurre Salé(ARTE),Seconde Chance(TF1), Coeur Océan(France 2) et Plus Belle La Vie (France 3).
Remarquée d’abord au sein de la profession – deux de ses premiers courts métrages,Pour la nuitet Le Génie d’Abou sont primés dans plusieurs festivals internationaux –, Isabelle Boni-Claverie l’est ensuite par un public plus large. Son documentaire Trop Noire pour être Française ?, diffusé pour la première fois en 2015 sur ARTE, est à la fois un succès d’audience et un succès médiatique.
Ce film, et le livre Trop Noire pour être Françaiseparu en 2017 aux Editions Taillandier, attestent du désir d’Isabelle Boni-Claverie de raconter les histoires de toutes celles et ceux qui restent sous représenté-e-s au cinéma et dans la littérature.
Régulièrement sollicitée par la télévision et la presse sur les questions du vivre ensemble, Isabelle Boni-Claverie intervient aussi comme conférencière. Elle a été conviée à s’exprimer à deux reprises à l’ONU.
En 2019, elle est professeure invitée à l’Université de New York (NYU). Dans ce cadre, elle organise un festival de trois jours, The Black Experience In French Cinema : A Film Retrospective and a Conference, qui réunit cinéastes, comédiens et chercheurs français et américains.
En 2020, elle reçoit le Grand Prix French Voices, décerné aux Etats-Unis par la Fondation Face et les Services Culturels de l’Ambassade de France pour son livre Trop Noire pour être française. En 2021 elle crée avec Aïssata Sy sa société de production,Izzy B. Productions, afin de produire des fictions et des documentaires inclusifs qui racontent le monde d’aujourd’hui.
with Barbara O, Amandina Lihamba Tanz.–É.-U. fict. vostf 2001 coul. 1h52 (35 mm)
An African-American doctor arrives in Tanzania to work in a psychiatric hospital. There she meets a patient suffering from catatonia, in communication with another dimension.
Biography
Ron Mulvihill is a multi-talented filmmaker with a knack for bringing together talented individuals from around the world to create international productions. Coproducer and Codirector of Maangamizi – The Ancient One, which continues to receive accolades after being selected as Tanzania’s official selection at the 74th Academy Awards; at Zanzibar’s International Film Festival, the film won Best Feature and Best Actress and won the 2004 Paul Robeson Award for Best Feature Film.
Ron Mulvihill has been active as a filmmaker, producer/director and editor for a variety of feature and documentary subjects since receiving his MFA in Theater Arts from UCLA. As a result of his first visit to the African continent in 1979, his work has reflected the extraordinary cultural and spiritual beauty of African civilization and its influences throughout the world. The premiere of The Marriage of Mariamu, the first Tanzanian-American co-production, at Africa’s leading film festival – FESPACO – in 1985 garnered the Best Short Film Award, the Organization of African Unity (OAU) Award and the Journalists and Critics Award. The 36-minute film was subsequently shown at the Fourth International Youth Film Festival in Turin, the Uppsala Film Festival in Sweden, and the Carthage International Film Festival in Tunisia.
Ron has also produced four documentaries, Recon Reunites – Vietnam Veterans Speak, We Are Still Here, Sharing Is Unity, and Prince Dixon’s Gospel Caravan, which continue to prove significant nearly twenty years later.
de Martin Mhando et Ron Mulvihill
avec Barbara O, Amandina Lihamba Tanz.–É.-U. fict. vostf 2001 coul. 1h52 (35 mm)
Une médecin africaine-américaine arrive en Tanzanie pour travailler dans un hôpital psychiatrique. Elle y rencontre une patiente atteinte de catatonie, en communication avec une autre dimension.
Martin Mhando est né en Tanzanie et est chercheur à l’école des médias, de la communication et de la culture de l’université Murdoch en Australie occidentale. Il est titulaire d’un doctorat dont la thèse porte sur le cinéma africain. Ses domaines d’intérêt comprennent la théorie, l’histoire et la pratique du documentaire et du troisième cinéma. Mhando est un cinéaste primé qui compte de nombreux titres de réalisateur à son actif.
Son long métrage Maangamizi : The Ancient One, est le premier film africain nominé pour l’Oscar du meilleur film étranger et a remporté le prix Paul Robeson au FESPACO 2004. En plus d’être coéditeur du Journal of African Cinemas, publié par Intellect, Royaume-Uni, il est également directeur du Festival international du film de Zanzibar (ZIFF).
Filmographie :
Mama Tumaini (1986) Ten Years of SADCC (2000) Maangamizi: The Ancient One (2001) Finding a Place (2004) Liyarn Ngarn (2007)
Martin Mhando
Ron Mulvihill est un cinéaste aux multiples talents qui a le don de réunir des personnes talentueuses du monde entier pour créer des productions internationales. Coproducteur et codirecteur de Maangamizi – The Ancient One, qui continue de recevoir des éloges après avoir été sélectionné officiellement pour la Tanzanie lors de la 74e cérémonie des Oscars ; au Festival international du film de Zanzibar, le film a remporté le prix du meilleur long métrage et de la meilleure actrice et a remporté le prix Paul Robeson 2004 du meilleur long métrage.
Ron Mulvihill est actif en tant que cinéaste, producteur/réalisateur et monteur pour une variété de sujets de longs métrages et de documentaires depuis qu’il a obtenu son MFA en arts du théâtre à UCLA. Suite à sa première visite sur le continent africain en 1979, son travail a reflété l’extraordinaire beauté culturelle et spirituelle de la civilisation africaine et ses influences dans le monde entier. La première du Mariage de Mariamu, la première coproduction tanzano-américaine, au FESPACO, le principal festival du film africain, en 1985, lui a valu le prix du meilleur court métrage, le prix de l’Organisation de l’unité africaine (OUA) et le prix des journalistes et des critiques. Le film de 36 minutes a ensuite été présenté au quatrième festival international du film pour la jeunesse de Turin, au festival du film d’Uppsala en Suède et au festival international du film de Carthage en Tunisie.
Ron a également produit quatre documentaires, Recon Reunites – Vietnam Veterans Speak, We Are Still Here, Sharing Is Unity, et Prince Dixon’s Gospel Caravan, qui continuent de faire leurs preuves près de vingt ans plus tard.
De passage dans mon village pendant le week-end du 20 décembre 1997, alors que j’assiste en « touriste » aux cérémonies d’inauguration d’un monument à la gloire d’un ancien chef, je suis témoin d’une scène de justice populaire pendant laquelle un adolescent risque de perdre la vie pour avoir volé une poule et quatre poussins. Quelques heures plus tard, je découvre au dos d’un calendrier, un texte d’une rare violence contre les femmes : le règlement intérieur du mari au foyer. Enfin, pour avoir posé la question de l’état de santé du Chef de l’état camerounais, Paul Biya, Pius Njawé, un journaliste réputé est jeté en prison. Il en sort 10 mois plus tard avec un témoignage accablant sur les conditions inhumaines de détention dans la prison de New-Bell à Douala. C’est le point de départ d’une réflexion sur les inégalités au Cameroun, pays de chefs, petits et grands.
Témoin d’une scène de justice populaire où un adolescent risque sa vie pour le vol d’une poule, Teno s’interroge sur le pouvoir des chefs dans la société camerounaise, « pays de chefs, petits et grands ».
Jean-Marie Teno
Jean-Marie TENO est né au Cameroun. Il arrive en France en 1978 pour y poursuivre des études universitaires en communication audiovisuelle. Il réalise son premier documentaire, Schubbah, en 1983. Rapidement, il ressent la nécessité de produire et de distribuer lui-même ses films et crée LES FILMS DU RAPHIA en 1987.
Par une approche personnelle qui énonce les maux qui minent les sociétés africaines aujourd’hui, Teno a réussi à constituer un catalogue de films qui, pris individuellement ou collectivement, donne un portrait fascinant de l’Afrique contemporaine et aide à comprendre les enjeux derrière les discours volontaristes ou cyniques des uns et des autres sur l’Afrique.
Ses films se distinguent par leur approche personnelle et originale sur les questions d’identité, de représentation de l’Afrique et de son histoire. Ses films ont été montrés dans de nombreux festivals à travers le monde et depuis 2017, il est membre de l’Académie des Oscars, section Documentaire.
Filmographie :
Le Futur dans le retro (2018) – Long-métrage Documentaire Une Feuille dans le Vent (2013) – Court-métrage Documentaire Lieux saints (2009) – Long-métrage Documentaire Le Malentendu colonial – (2004) – Long-métrage Documentaire Le Mariage d’Alex (2002) – Court-métrage Documentaire Vacances au pays (2000) – Long-métrage Documentaire Chef ! (1999) – Long-métrage Documentaire Clando (1996) – Long-métrage Fiction La Tête dans les nuages (1994) – Court-métrage Documentaire Afrique, je te plumerai (1992) – Long-métrage Documentaire Mister Foot (1991) – Court-métrage Documentaire Le Dernier voyage (1990) – Court-métrage Fiction Bikutsi Water Blues (1988) – Long-métrage Documentaire La Gifle et la caresse (1987) – Court-métrage Fiction Fievre Jaune Taximan (1985) – Court-métrage Fiction Hommage (1985) – Court-métrage Documentaire Schubbah (1983) – Court-métrage Documentaire
One day, to build one’s house, one begins to steal sand, the sand on the beach. In the Medina, it all becomes a muddle. Communication between people and places, everything is part of the chaos. One day is all collapses. Living together without respecting the earth, without respecting the others, brings a time of misfortune which buries and erases everything, leaving no trace.
Biography
Mohamadou Ndoye « Douts » is a contemporary Senegalese visual artist born in 1973 in Sangalcam, a town near Dakar in Senegal. He divides his time between Dakar (Medina district) and the Paris region.
He graduated from the Ecole des Beaux-Arts de Dakar in 1999. He is an artist who paints the chaos of the streets, teeming with life, the city and its architecture. Douts is also a director of animated films. He has exhibited in Senegal, the United States, Italy, Spain and France, and has taken part in major contemporary art meetings and biennials, including Havana, ARCO Madrid and South Africa, among others…
de Mohamadou Ndoye « Douts »
Sén.–Bel. anim. sans dialogues 2001 coul. 7min (vidéo num.)
Un jour, pour construire sa maison, on se met à voler du sable, le sable de la plage. Dans la Medina tout devient pêle-mêle. Les énergies de communication, la convivialité entre habitants, sont à la merci du tohu-bohu et de la cohue. Un jour, tout s’effondre. Vivre ensemble dans l’irrespect de la nature et des autres provoque un temps de malheur qui ensevelit tout, efface tout sans laisser de traces.
Mohamadou Ndoye « Douts »
Mohamadou Ndoye « Douts », plasticien contemporain sénégalais né en 1973, à Sangalcam, ville du Sénégal, proche de Dakar. Il partage son temps entre Dakar (quartier Medina) et la Région Parisienne.
Il est diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Dakar en 1999. C’est un artiste qui peint le désordre des rues, grouillantes de vie, la ville, l’architecture. Douts est aussi un réalisateur de films d’animation. Il a exposé au Sénégal, aux Etats-Unis, en Italie, en Espagne et en France et a participé à de grandes rencontres et biennales d’art contemporain dont La Havane, ARCO Madrid, Afrique du Sud, entre autres…
Séance présentée par Jean-Marie Teno(cinéaste) au Forum des images
Video of eye_trailer_exhibition_william_kentridge_ten_drawings_for_projection_2019
EnglishFrançais
A film by William Kentridge
South Africa, animation, no dialogue, 1989-2020, colour and B&W
In 2015, the South African artist William Kentridge donated 10 Drawings for Projection (1989-2011) to the Eye Filmmuseum. These ten short animation films marked Kentridge’s breakthrough on the international art scene. Illuminating the eventful history of South Africa, these films will be shown at Eye this summer as part of a larger installation. Also included in the exhibition is the film installation O Sentimental Machine (2015), featuring historical footage of Russian revolutionist Leon Trotsky. The exhibition takes place during the Holland Festival, for which William Kentridge is Associate Artist.
The generous donation followed the exhibition William Kentridge – If We Ever Get to Heaven at Eye in the summer of 2015. The artist was impressed by the quality of that presentation and the richness of the Eye collection. As a gesture of appreciation, he decided to donate all works from the series 10 Drawings for Projection to the museum
Total program duration: 80 min 35 s
CITY DEEP, 9 ’40 min — 2020
OTHER FACES, 9 min — 2010 Image William Kentridge Musique Philip Miller Montage Catherine Meyburgh Source William Kentridge A crossed-out Soho Eckstein moves between reality and contradictory memories. In Johannesburg, every street corner is the scene of a daily civil war.
TIDE TABLE, 9 min — 2003 Image William Kentridge Musique Franco et le T.P. O.K. Jazz Montage Catherine Meyburgh Son Wilbert Schübel Source William Kentridge We find an aging Soho Eckstein on Muizenberg beach, drifting back to his childhood memories.
STEREOSCOPE, 8 min — 1999 Image William Kentridge Musique Philip Miller Montage Catherine Meyburgh Son Wilbert Schübel Source William Kentridge
Kentridge uses stereoscopic vision as a metaphor for a split personality, to explore Soho’s inner conflicts
WEIGHING AND WANTING, 6 min — 1998 Image William Kentridge Musique Philip Miller Montage Angus Gibson, Catherine Meyburgh Son Wilbert Schübel Source William Kentridge A stone represents Soho’s conscience – allegorized by a stone – split between business and private life.
HISTORY ON THE MAIN COMPLAINT, 6 min — 1996 Image :William Kentridge Musique Claudio Monteverdi Montage Angus Gibson Son Wilbert Schübel Source William Kentridge Soho Eckstein lies comatose in a hospital bed. While examining him, Felix enters the lair where Soho’s memories and guilt are buried…
FELIX IN EXILE, 8’43 min — 1994 Image William Kentridge Musique Philip Miller, Motsumi Makhene Montage Angus Gibson Son Wilbert Schübel Source William Kentridge Soho Eckstein and his wife are reunited. Felix is alone in a hotel room, the cell of his exile…
SOBRIETY OBESITY AND GROWING OLD, 8 min — 1991 Image William Kentridge Musique Antonin Dvorák, Friedrich von Flotow Monateg Angus Gibson Source William Kentridge A love triangle forms between Soho Eckstein, his wife and Felix Teitelbaum. Meanwhile, Johannesburg fills up with demonstrators…
MINE, 5’50 min — 1991 Image William Kentridge Musique Antonin Dvorák Montage Angus Gibson Production Free Filmmakers Co-operative Source William Kentridge Soho Eckstein’s routine and that of his miners during their day underground.
MONUMENT,3 min — 1990 Image William Kentridge Musique Edward Jordan Montage Angus Gibson Son Catherine Meyburgh Production Free Filmmakers Co-operative Source William Kentridge Soho Eckstein, as a « benefactor », donated a monument to the city: a sculpture of an oppressed worker, chained to his pedestal.
JOHANNESBURG, 2ND GREATEST CITY AFTER PARIS, 8’02 min — 1989 Image William Kentridge Musique Duke Ellington, South Kaserne Choir Montage Angus Gibson Son Warwick Sony Production Free Filmmakers Co-operative Source William Kentridge The film introduces the series’ protagonists: Soho Eckstein, a cynical industrial magnate, and his alter ego, Felix Teitelbaum, a romantic poet.
Biography
William Kentridge (born Johannesburg, South Africa, 1955) is internationally acclaimed for his drawings, films, theatre and opera productions.
His method combines drawing, writing, film, performance, music, theatre, and collaborative practices to create works of art that are grounded in politics, science, literature and history, yet maintaining a space for contradiction and uncertainty.
Kentridge’s work has been seen in museums and galleries around the world since the 1990s, including the Museum of Modern Art in New York, the Albertina Museum in Vienna, Musée du Louvre in Paris, Whitechapel Gallery in London, Louisiana Museum in Copenhagen, the Reina Sofia museum in Madrid, the Kunstmuseum in Basel, Zeitz MOCAA and the Norval Foundation in Cape Town and the Royal Academy of Arts in London. He has participated a number of times in Documenta in Kassel (2012, 2002,1997) and the Venice Biennale (2015, 2013, 2005, 1999 and 1993).
Opera productions include Mozart’s The Magic Flute, Shostakovich’s The Nose, and Alban Berg’s operas Lulu and Wozzeck, and have been seen at opera houses including the Metropolitan Opera in New York, La Scala in Milan, English National Opera in London, Opera de Lyon, Amsterdam opera, the Sydney Opera House and the Salzburg Festival.
Kentridge’s theatrical productions, performed in theatres and at festivals across the globe include Refuse the Hour, Winterreise, Paper Music, The Head & the Load, Ursonate and Waiting for the Sibyl and in collaboration with the Handspring Puppet Company, Ubu & the Truth Commission, Faustus in Africa!, Il Ritorno d’Ulisse, and Woyzeck on the Highveld.
In 2016 Kentridge founded the Centre for Less Good Idea in Johannesburg: a space for responsive thinking and making through experimental, collaborative and cross-disciplinary arts practices. The centre hosts an ongoing programme of workshops, public performances, and mentorship activities.
Kentridge is the recipient of honorary doctorates from several universities including Yale, London University and Columbia University. In 2010, he received the Kyoto Prize. In 2012, he was awarded the Commandeur dans l’ordre des Arts et des Lettres in France and he presented the Charles Eliot Norton Lectures at Harvard University. In 2015 he was appointed an Honorary Academician of the Royal Academy in London. In 2017, he received the Princesa de Asturias Award for the arts, and in 2018, the Antonio Feltrinelli International Prize. In 2019 he received the Praemium Imperiale award in painting in Tokyo. In 2021 he was made a Foreign Associate Member to the French Académie des Beaux Arts, Paris. In 2022 he was presented the Honour of the Order of the Star of Italy and in 2023 he received the Olivier Award for Outstanding Achievement in Opera for Sibyl in London.
His work can be found in the collections of Art Gallery of Western Australia (Perth), Art Institute of Chicago, Carnegie Museum of Art (New York), San Diego Museum of Art, Fondation Cartier (Paris), Zetiz MoCAA (Cape Town), Norval Foundation (Cape Town), LACMA (Los Angeles), Haus der Kunst (Munich), Sharjah Art Foundation, Mudam (Luxembourg), Musée d’Art Contemporain de Montreal, MoMA (New York), SF MoMA (San Francisco), Castello di Rivoli (Turin), Moderna Museet, Stockholm, MoCA (Los Angeles), Stedelijk Museum (Amsterdam), National Gallery of Victoria (Melbourne), Johannesburg Art Gallery, MAXXI (Rome), Louisiana Museum (Humlebaek,Denmark), National Gallery of Canada (Ottawa), National Museum of Modern Art (Kyoto), Israel Museum (Jerusalem), Inhotim Museum (Brumadinho, Brazil), Broad Art Foundation, Los Angeles, Centre Pompidou (Paris), Fondation Louis Vuitton (Paris), National Gallery of Australia (Canberra), Tate Modern (London), Sifang Art Museum (Nanjing), Kunsthalle Mannheim, Vehbi Koç Foundation (Istanbul), Luma Foundation (Arles), Museum of Fine Arts (Budapest), Fundaçion Sorigue (Lerida, Spain), Guggenheim (Abu Dhabi), Kunsthalle Praha (Prague) and Amorepacific Museum of Art (Seoul); as well as private collections worldwide.
En présence de Bénédicte Alliot (directrice de la Cité internationale des arts) et Gaspard Njock (auteur, illustrateur) → Débat modéré par Louisa Babari (artiste visuelle)
de William Kentridge
Afrique du Sud anim. sans dialogues 1989-2020 coul. et n&b 1h22 (vidéo num.)
En 2015, l’artiste sud-africain William Kentridge a fait don de 10 Drawings for Projection (1989-2011) au Eye Filmmuseum. Ces dix courts métrages d’animation ont marqué la percée de Kentridge sur la scène artistique internationale. Ce sont désormais 11 dessins pour projection – avec le tout dernier City Deep (2020) – qui constituent cet éblouissant programme du maître Sud-africain.
1 – JOHANNESBURG, 2ND GREATEST CITY AFTER PARIS (1989 – 8min) 2 – MONUMENT (1990 – 3min) 3 – MINE (1990 – 6 min) 4 – SOBRIETY OBESITY AND GROWING OLD (1990 – 8min) 5 – FELIX IN EXILE (1994 – 9min) 6 – HISTORY ON THE MAIN COMPLAINT (1996 – 6min) 7- WEIGHING … AND WANTING (1998 – 6min) 8 – STEREOSCOPE (1999 – 8min) 9 – TIDE TABLE (2003 – 9min) 10 – OTHER FACES (2011 – 9min) 11- CITY DEEP (2020 – 10min)
Né à Johannesburgh en 1955, William Kentridge a d’abord suivi des études de sciences politiques avant de se tourner vers l’art.
Connu essentiellement pour ses films d’animation composés de dessins au fusain, cet artiste travaille aussi la gravure, le collage, la sculpture, la performance et l’opéra. Associant le politique et le poétique, William Kentridge entreprend dans son oeuvre graphique, comme dans ses installations et ses films, de dénoncer l’apartheid et le colonialisme :
« Je pratique un art politique, c’est-à-dire ambigu, contradictoire, inachevé, orienté vers des fins précises : un art d’un optimisme mesuré, qui refuse le nihilisme ».
William Kentridge
Cinq thèmes s’articule autour des grands thèmes qui ont mobilisé Kentridge depuis les trente dernières années, au travers d’une importante sélection de ses oeuvres de la fin des années 1980 jusqu’à nos jours. Mettant l’accent sur ses productions les plus récentes comme Learning from the Absurd : The Nose (2008), l’exposition révèle, pour la première fois en France, le très large éventail de son oeuvre.
Sa méthode combine le dessin, l’écriture, le cinéma, la performance, la musique, le théâtre et les pratiques collaboratives pour créer des œuvres d’art qui s’appuient sur la politique, la science, la littérature et l’histoire, tout en maintenant un espace de contradiction et d’incertitude.
Depuis les années 1990, les œuvres de Kentridge ont été exposées dans des musées et des galeries du monde entier, notamment au Museum of Modern Art à New York, le musée Albertina à Vienne, le musée du Louvre à Paris, la Whitechapel Gallery à Londres, le Louisiana Museum à Copenhague, le musée Reina Sofia à Madrid, le Kunstmuseum de Bâle et Zeitz MOCAA et la Norval Foundation au Cap. Il a participé à plusieurs reprises à la Documenta de Kassel (2012, 2002, 1997) et à la Biennale de Venise (2015, 2013, 2005, 1999). (2015, 2013, 2005, 1999 et 1993).
Parmi ses productions d’opéra, citons La Flûte enchantée de Mozart, Le Nez de Chostakovitch, et les opéras Lulu et Wozzeck d’Alban Berg. Elles ont été vues dans des maisons d’opéra telles que le Metropolitan Opera de New York, La Scala de Milan, l’English National Opera de Londres, l’Opéra de Lyon, l’Opéra d’Amsterdam, l’Opéra de Sydney et le Festival de Salzbourg. Opera House et le festival de Salzbourg.
Les productions théâtrales de Kentridge, présentées dans des théâtres et des festivals du monde entier, comprennent Refuse the Hour, Winterreise, Paper Music, The Head & the Load, Ursonate et Waiting for the Sibyl et, en collaboration avec la Handspring Puppet Company, Ubu & the Truth Commission, Faustus in Africa !, Il Ritorno d’Ulisse et Woyzeck on the Highveld.
En 2016, Kentridge a fondé le Centre for the Less Good Idea à Johannesburg : un espace de réflexion et de réalisation par le biais de pratiques artistiques expérimentales, collaboratives et transdisciplinaires. Le centre accueille un programme continu d’ateliers, de performances publiques et d’activités de mentorat.
Kentridge est titulaire de doctorats honorifiques de plusieurs universités, dont Yale et l’Université de Londres. En 2010, il a reçu le prix de Kyoto. En 2012, il a présenté les Charles Eliot Norton Lectures à l’université de Harvard. En 2015, il a été nommé académicien honoraire de la Royal Academy de Londres. En 2017, il a reçu le prix Princesa de Asturias pour les arts, et en 2018, le prix international Antonio Feltrinelli. En 2019, il a reçu le prix Praemium Imperiale en peinture à Tokyo. En 2021, il a été élu membre associé étranger de l’Académie des Beaux-Arts française.
Ses œuvres se trouvent dans les collections de l’Art Gallery of Western Australia (Perth), de l’Art Institute of Chicago, Carnegie Museum of Art (New York), San Diego Museum of Art, Fondation Cartier (Paris), Zetiz MoCAA (Cape Town), Norval Foundation (Cape Town), LACMA (Los Angeles), Haus der Kunst (Munich), Sharjah Art Foundation, Mudam (Luxembourg), Musée d’Art Contemporain de Montréal, MoMA (New York), SF MoMA (San Francisco), Castello di Rivoli (Turin), Moderna Museet, Stockholm, MoCA (Los Angeles), Stedelijk Museum (Amsterdam), National Gallery of Victoria (Melbourne), Johannesburg Art Gallery, MAXXI (Rome), Louisiana Museum (Humlebaek,Danemark), Galerie nationale du Canada (Ottawa), National Musée d’Art Moderne (Kyoto), Musée d’Israël (Jérusalem), Musée Inhotim (Brumadinho, Brésil), Broad Art Foundation, Los Angeles, Centre Pompidou (Paris), Fondation Louis Vuitton (Paris), Galerie nationale d’Australie (Canberra), Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa). d’Australie (Canberra), Tate Modern (Londres), Sifang Art Museum (Nanjing), Kunsthalle Mannheim, Fondation Vehbi Koç (Istanbul), Fondation Luma (Arles), Musée des Beaux-Arts (Budapest), Fundaçion Sorigue (Lerida, Espagne). Sorigue (Lerida, Espagne), Guggenheim (Abu Dhabi), Kunsthalle Praha (Prague) et Amorepacific Museum of Art (Séoul). d’art (Séoul), ainsi que des collections privées dans le monde entier.
La mélancolie dessinée
Léa Bismuth (critique d’art et commissaire d’exposition)
William Kentridge est né en 1955 à Johannesbourg en Afrique du Sud, pays qu’il prendra comme point de départ de son œuvre et dont il stigmatisera avec distance et poésie la politique d’apartheid. Son œuvre, multiple, crée des passerelles entre différentes pratiques artistiques : dessin, animation, musique, création de fiction, mise en scène et bien sûr cinéma se mêlent pour une démarche protéiforme, sans cesse en mouvement, toute en esquisse.
L’artiste s’est d’abord fait connaître avec la série Ten Drawings for Projection (Dix Dessins pour projection), suite de dix films qu’il commence à réaliser à la fin des années 1980. Tout est déjà dans ce titre : il ne s’agit pas strictement de cinéma d’animation, mais d’un savant mélange entre un dessin inaugural et sa mise en mouvement par le biais d’un projecteur de cinéma. Ces courts films — dont aucun ne dépasse les 10 minutes — sont comme des poèmes visuels qui prendraient vie. Ils mettent en scène des personnages récurrents qui vont servir de fil directeur et narratif. Ainsi Soho Eckstein incarne la figure du capitalisme triomphant et dominant : sorte d’ogre dictatorial à la tête d’un empire immobilier et financier ; il s’oppose au frêle Felix Teitelbaum, modeste poète qui est un être à l’écoute du monde et de l’amour, une sorte de double de l’artiste. Kentridge fait ici le portrait de son pays, de l’horreur de l’apartheid (aboli en 1991) et des conséquences de cette politique colonialiste sur le devenir des peuples. Mais l’artiste souligne bien qu’il ne veut pas pour autant être un « politicien » : il cherche plutôt à trouver le lien entre un engagement politique et une pratique solitaire dans l’atelier. Et la méthode d’animation qu’il va faire sienne témoigne d’une volonté de rendre compte d’un monde en mouvement, capable du meilleur comme du pire. Fidèle à la technique d’animation image par image (stop motion, à raison de 25 images par seconde), Kentridge décrit d’abord, par le dessin, ce qu’il appelle une « géographie » : à l’aide de photographies qui lui servent de modèle, il pose les bases visuelles du décor dans lequel il va faire évoluer ses personnages. Il réalise un premier dessin au fusain, à l’origine du processus d’animation. Puis le long travail d’animation commence, consistant en des phases successives de gommage, d’effacement, de transformation et d’ajouts de dessins. Kentridge décrit son art comme volontairement physique, engagé dans la matérialité du papier.
La série des Ten Drawings for Projection est fondamentalement nostalgique et émotionnelle en ce qu’elle réactive notamment les techniques primitives du cinéma. On pense à la caméra des frères Lumière, au son de la bobine qui défile dans les projecteurs, aux tourne-disques qui grésillent et laissent échapper quelques airs de jazz ; le fantôme de Jean-Luc Godard et ses Histoire(s) du cinéma n’est jamais bien loin non plus. Prenant pour modèle les codes du cinéma muet, Kentridge place dans sa narration des « cartons » à l’écriture maladroite, qui font avancer l’action. Au fil des films, la fiction se noue autour d’un triangle amoureux ayant pour acteurs Felix, Mrs. Eckstein et son mari, le puissant Soho : David et Goliath luttent pour la femme aimée. C’est en dessinant l’amour que Kentridge est le plus virtuose. Dans Sobriety Obesity & Growing Old (1991), l’amour est une immersion, une immense vague capable de balayer les empires. Le bleu de l’océan ne rivalise alors qu’avec un autre élément liquide que l’artiste représente avec brio : le rouge du sang de la révolution qui creuse des sillons. Dans certains films, l’artiste élargit la portée politique de son geste ; il ne se contente pas de dépeindre la réalité de l’Afrique du Sud, mais semble nous amener sur d’autres terrains monstrueux, ceux des baraquements des camps de concentration, vers une violence outrageante et sans borne. Dans History of the Main Complaint (1996), Soho — dont le corps est réduit à une mécanique absurde entre téléphone et tiroir-caisse — se souvient de ses exactions de bureaucrate : il incarne alors toute la culpabilité à l’œuvre dans des livres de comptes réduisant chaque être à un numéro, la folie meurtrière, le viol, l’état de guerre permanent qui fait de chaque homme une bête. L’humanité n’est plus qu’un troupeau de vaches qu’on mène à l’abattoir. La seule chose qui peut la sauver du néant reste la douceur d’une caresse.
Pour Kentridge, l’animation est en soi une forme politique, une interface, une sorte de membrane permettant de donner vie à ce qui se joue entre les aspirations subjectives de l’individu et son rapport au monde extérieur. Dès lors, toutes les traces et les effets de flou sont un moyen de révéler l’élan vers le monde, de faire respirer sa mémoire, dans sa dimension transitoire et changeante. Le monde est mouvant comme les images d’un film. Encore Journey to the Moon (2003) est tout naturellement un hommage au cinéma de Georges Méliès, à son Voyage dans la Lune (1902) et au modèle de la lanterne magique. Kentridge puise chez Méliès une poésie pré-surréaliste qui lui permet de redécouvrir le cinéma dans ses potentialités imaginatives. Faisant à son tour fusionner les mondes, mêlant rêve et réalité, il y apparaît comme un maître de cérémonie lisant dans le marc de café, magicien parfois maladroit, créateur de mondes fourmillants qui ne sont pas sans rappeler Un chien andalou de Luis Buñuel. La trajectoire dynamique d’une cafetière italienne emmène le spectateur droit dans les étoiles et les constellations. Kentridge délaisse ici son alter ego Felix pour se mettre réellement en scène, à travers la double présence du dessin animé et de l’image filmée.
Plus que jamais, il fait ici son autoportrait en cinéaste, en homme qui marche à l’envers, en créateur de fantasmes. Comme dans un miroir déformant, il nous renvoie une image du monde qui n’est pas tout à fait la vraie, mais saura nous obliger à voir le monde autrement.
avec Abdoulaye Komboudri, Anne Roussel Burk. Fa.–Fr. fict. vostf 1998 coul. 1h25 (vidéo)
The two Jabert brothers are wealthy Lebanese merchants who have lived in Burkina Faso for two generations. They meet regularly at the « French » bar reserved for members of high society. Amoudé, the younger brother, has a child from his relationship with a Burkinabe woman, Fati, with whom he is still in love despite their separation. Yacine, the eldest, has been the influential man in the family since his father died, although their mother reigns supreme at home. She dreams of returning to Lebanon to finish her days, as soon as the war is over. Amoudé is thrown into prison following a traffic accident. Yacine uses all his influence to try to get him out, but the country’s draconian anti-corruption policy makes his task difficult. To achieve his ends, he is forced to agree to accompany the President on her trip abroad, his pockets full of money to be invested outside the country.
Technical data
Original Title: Silmandé Directed by : Pierre Yaméogo Cast : Aï Keïta Yara, Jeanne d’Arc Yaméogo, Amadou Achille Bourou / KOMBOUDRI, Abdoulaye / ROUSSEL, Anne / STITI / SIBIDE, Doua / GUENTAS, Ali / SAWADOGO, Halidou / CISSE, Ibrahim / SALLEM, Saïda / SORGHO, Gustave Image : Jean Clave Sound: Emmanuel de Soria Editing : Jean Dubreuil Music : Wasis Diop Available format :35 mm, couleur Production : Dunia Production / Laafi Productions Afix Productions (France) / Thelma (Suisse) / DIPROCI (Burkina Faso) avec le soutien du Fonds Francophone (OIF / CIRTEF)
Awards : Prix Procirep, Festival de Namur 1998 / Prix ACCT, Festival de Carthage 1998 / Prix de la meilleure musique, Fespaco 1999 ¨/ Prix du Cilcs, Fespaco 1999 Sélection ACID au festival de Cannes 1998. Milan 1999
S. Pierre Yaméogo
Saint Pierre Yaméogo, Pierre Sakama Yaméogo in civil status, was born on 15 May 1955 in Koudougou (Burkina Faso). He studied at the Conservatoire du Cinéma Français. His film credits include short films, feature films and documentaries. Founder of Afix productions (Paris). 1982: editing internship at Radio Télévision Ouagadougou.
He died on 1 April 2019 in Ouagadougou, following a long illness.
— 1982 Stage de montage à la radio télévision de Ouagadougou. —1980-1983 Conservatoire libre du cinéma français (Paris). —1984-1987 Maîtrise en communication (Université de Paris VIII).
avec Abdoulaye Komboudri, Anne Roussel Burk. Fa.–Fr. fict. vostf 1998 coul. 1h25 (vidéo)
Les deux frères Jabert sont de riches commerçants libanais installés au Burkina Faso depuis deux générations. Ils se retrouvent régulièrement au bar « français » réservé aux gens de la haute société. Amoudé, le plus jeune, a un enfant issu de sa relation avec une Burkinabée, Fati, dont il est toujours amoureux malgré leur séparation. Yacine, l’aîné, est depuis la mort de son père l’homme influent de la famille, bien que leur mère règne en maître à la maison. Celle-ci rêve de retourner au Liban finir ses jours, dès que la guerre aura pris fin. Amoudé est jeté en prison à la suite d’un accident de la circulation. Yacine use de toutes ses influences pour tenter de l’en sortir, mais la politique anticorruption draconienne du pays lui complique la tâche. Pour arriver à ses fins, il se voit contraint d’accepter d’accompagner la Présidente dans son voyage à l’étranger, les poches remplies d’argent à placer hors du pays.
Fiche technique
Titre Original : Silmandé Réalisateur : Pierre Yaméogo Interprètes : Aï Keïta Yara, Jeanne d’Arc Yaméogo, Amadou Achille Bourou / KOMBOUDRI, Abdoulaye / ROUSSEL, Anne / STITI / SIBIDE, Doua / GUENTAS, Ali / SAWADOGO, Halidou / CISSE, Ibrahim / SALLEM, Saïda / SORGHO, Gustave Image : Jean Clave Son : Emmanuel de Soria Montage : Jean Dubreuil Musique : Wasis Diop Format :35 mm, couleur Production : Dunia Production / Laafi Productions Afix Productions (France) / Thelma (Suisse) / DIPROCI (Burkina Faso) avec le soutien du Fonds Francophone (OIF / CIRTEF)
Prix : Prix Procirep, Festival de Namur 1998 / Prix ACCT, Festival de Carthage 1998 / Prix de la meilleure musique, Fespaco 1999 ¨/ Prix du Cilcs, Fespaco 1999 Sélection ACID au festival de Cannes 1998. Milan 1999
S. Pierre Yaméogo
Saint Pierre Yaméogo, Pierre Sakama Yaméogo à l’état civil, est né le 15 mai 1955 à Koudougou (Burkina Faso). Il a fait des études au conservatoire du cinéma français. Comme réalisations il a à son actif aussi bien des courts métrages, des longs métrages et des documentaires. Fondateur de la maison de production Afix productions (Paris). 1982 : stage de montage à la radio télévision de Ouagadougou. Il est décédé le 1er avril 2019 à Ouagadougou, des suites d’une longue maladie.
— 1982 Stage de montage à la radio télévision de Ouagadougou. —1980-1983 Conservatoire libre du cinéma français (Paris). —1984-1987 Maîtrise en communication (Université de Paris VIII).
avec Mahamat-Saleh Haroun, Garba Issa Tchad doc.-fict. vostf 1999 coul. 1h26 (vidéo num.)
A la suite du décès de sa mère, le réalisateur retourne dans son pays, au Tchad. Il en profite pour faire des repérages pour son prochain film. Très vite, il se trouve confronté à une réalité incontournable : salles de cinema détruites, absence de toute structure de production ou de diffusion.
Mention spéciale, Mostra de Venise 1999
Mahamat-Saleh Haroun
Né en 1961 à Abéché (Tchad), Mahamat Saleh Haroun a 8 ans lorsqu’il voit son premier film. Déjà un souvenir indélébile s’imprime, le sourire en gros plan d’une belle femme indienne face caméra dont le jeune garçon se croit le destinataire… Mais la guerre civile éclate et, en 1980, il est obligé de fuir, grièvement blessé, vers le Cameroun voisin.
Il part en exil à 17 ans de son pays en pleine guerre civile et adopte ensuite la France comme terre d’accueil, entre études et petits boulots. Le jeune homme étudie alors au Conservatoire Libre du Cinéma Français puis se tourne ensuite vers le journalisme, gage de sécurité fincancière, qui lui fait intègrer l’IUT de Bordeaux en 1986. Il devient ainsi journaliste pour la presse régionale puis pour une radio locale avant de pouvoir accéder enfin à la réalisation en 1994.
Dans son premier court métrage Maral Tanie, le cinéaste dénonce le drame des mariages arrangés, et décroche une récompense au Festival « Vues d’Afrique ». C’est avec les honneurs qu’il pénètre, cinq ans plus tard, l’univers des réalisateurs de longs-métrages: ainsi, dans Bye bye Africa qui lui offre le prix du meilleur premier film au Festival de Venise, il évoque sous forme de chronique, entre fiction et documentaire, la disparition du cinéma dans son pays.
Ses deux films suivants, Abouna en 2003 et Daratt trois ans plus tard, l’installent définitivement parmi les grands du cinéma d’auteur. Présent à la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes, le premier raconte l’histoire de deux enfants qui se retrouvent en quête d’un père parti subitement. Le second décrit une tentative de vengeance teintée de réflexion humaniste et touche à nouveau son public qui lui décerne les honneurs du Prix spécial du jury à la Mostra de Venise. En 2010, la boucle se ferme avec la sélection officielle pour la Palme d’or cannoise grâce à Un Homme qui crie, où le cinéaste relie les deux thèmes majeurs de son oeuvre, les traumatismes de ceux qui subissent la guerre et les pères défaillants.
En 2013, il est de nouveau accueilli sur la Croisette, pour Grigris, un hymne à la jeunesse, présenté en sélection officielle. Dans ce sixième long métrage, le réalisateur brosse le portrait d’un jeune danseur handicapé, épris d’une prostituée, dans un Tchad à peine remis de la guerre. Le film remporte le Prix Vulcain de la meilleure photographie.
Mahamat Saleh Haroun est Membre du Jury de la Cinéfondation et des Courts Métrages du Festival de Cannes 2014.
