With Mario Balmasela, Yolanda Cuellar, Mario Limonta, Iaura Mendoza, Bobby Carcases, Sarita Reyes
Cuba, 1974, 79 min
Synopsis
DE CIERTA MANERA, a documentary-style feature film, describes life in a poor neighborhood in post-revolutionary Cuba. Yolanda, an elementary school teacher, and Mario, who works in a factory, become a couple. While Yolanda strives for an educational approach that integrates marginalized students, causing conflict with colleagues and parents, Mario finds it difficult to let go of patriarchal role models. Their contrary ideals put their relationship to the test, while at the same time critically reflecting the process of social transformation. This was the first Cuban feature-length film directed by a woman. « The masterpiece of the 1970s. Sara Gómez could not prove her unusual talent again. She died at the age of 30, before the film was completed. » (Peter B. Schumann)
Directed and story by Sara Gomez Dramaturgy by Tomas Gutierrez Alea & Julio Garcia Espinosa Image: Luis Garcia Music: Sergio Vitier & Sara Gonzalez (singer)
Film restauré par Arsenal – Institut für Film und Videokunst
Sara Gómez
November 8, 1942 in Havanna, Cuba; † June 2, 1974, ibid., was a filmmaker and sript writer. Brought up in a middle-class black family, she studied literature, piano and Afro-Cuban ethnography. She worked as a journalist before joining the newly-formed Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) in 1961, where she subsequently served as assistant director to Jorge Fraga and Tomás Gutiérrez Alea, as well as to the visiting French director Agnes Varda. One of only two black filmmakers at ICAIC at the time, and for several years its only woman director, Gómez made a series of documentary shorts on assigned topics before directing her first feature « De cierta manera ». She died before she could complete the film.
avec Yolanda Cuéllar, Mario Balmaseda Cuba doc.-fict. vostf 1974 coul. 1h19 (cin. num.)
Cuba, 1974, 79 min
Yolanda, une jeune institutrice, travaille à La Havane, dans le nouveau quartier de Miraflores, construit en 1962 afin de reloger les habitants d’un bidonville. Elle doit affronter quotidiennement les réticences d’une population alors habituée à vivre dans la marginalité. Elle est amoureuse de Mario, un jeune ouvrier en quête d’une légitimité nouvelle au sein des brigades révolutionnaires.
Cette romance contrariée permet à Sarita Gómez de révéler les contradictions et les manquements du Cuba post-révolutionnaire. Mêlant des séquences documentaires à de nombreux modes de récits narratifs, elle dénonce ici le machisme et la violence de classe de la société entière.
Film restauré par Arsenal – Institut für Film und Videokunst
Sara Gómez
Sara Gómez aka Sarita Gómez (8 novembre 1942 – 2 juin 1974) est une cinéaste cubaine, membre de l’ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos, en anglais: Institut Cubain d’Art et d’Industrie Cinématographique) au cours de ses premières années. Elle est l’une des deux seules cinéastes noires présentes. Elle est la première et pour toute sa vie, la seule réalisatrice de Cuba.
Gómez est connue pour son premier et dernier long métrage, De Cierta Manera (One Way ou autre) (1974). Gómez est une réalisatrice révolutionnaire, qui représente la communauté afrocubaine, les questions féminines et le traitement des secteurs marginalisés de la société. Le film de Sara Gómez identifie les problèmes du colonialisme, particulièrement vécus par les communautés précédemment marginalisées (noirs, femmes, pauvres, religieux et jeunes) qui ne connaissaient pas les possibilités d’un avenir meilleur. « Exposer les racines du monde qui devaient être abandonnées et exiger l’arrivée de l’avenir : sa mission était de permettre à ces communautés de comprendre le processus de ce qui se passait dans leur vie, leurs besoins et leurs départs possibles. » Le travail de Gómez a mis en évidence les inégalités de classe sociale, ainsi que la discrimination raciale et de genre.
In this experimental short by Julie Dash — which is one of the first experimental films by a Black woman filmmaker — dancer Linda Martina Young interprets the same-titled ballad by Nina Simone and embodies the spirits of four women: Aunt Sarah, Saffronia, Sweet Thing and Peaches. These women represent common stereotypes of Black women attempting to survive in America.
Julie Dash
Dash began her study of film in 1969 at the Studio Museum of Harlem’s Cinematography Workshop, with a special interest in foreign film. She was then accepted into film school at the Leonard Davis Center for the Performing Arts, where she wrote and produced a promotional documentary for the New York Urban Coalition called Working Models for Success. After Dash graduated, she moved to Los Angeles and attended the Center for Advanced Film Studies and the American Film Institute. In 1975, Dash directed Four Women, a “choreopoem” based on the song of the same title by singer Nina Simone. In 1977, Dash directed the film, Diary of an African Nun, which was shown at the Los Angeles Film Exposition and won her a Director’s Guild Award for student filmmaking.
In 1983, Dash directed Illusions, a short film about a young African American woman passing for a white executive assistant in 1940s Hollywood. The film won her the 1989 Jury’s prize for Best Film of the Decade by the Black Filmmaker Foundation.
In 1999, the 25th annual Newark Black Film Festival honored Daughters of the Dust as being one of the most important cinematic achievements in black cinema in the 20th century.
Dash’s novel, Daughters of the Dust was published by Dutton Books in 1997. The novel is the continuing story of the Peazant family from the movie, and Dash wanted to have the novel titled Geechee Recollections. When going to press, however, the publisher chose to go with the well-known title from the original movie.
Dash has directed music videos, television commercial spots, shorts, and long form movies for cable and network television including the NAACP award-winning CBS network television movie, The Rosa Parks Story, Funny Valentines, Love Song, Incognito and “Sax Cantor Riff,” a segment of HBO’s SUBWAY Stories: Tales from the Underground. She has directed music videos for music artists including Raphael Saadiq; Tony, Toni, Tone; Keb ‘Mo; Peabo Bryson; Adriana Evans; Sweet Honey in the Rock; and Tracey Chapman’s “Give Me One More Reason.” Dash directed multiple episodes of the award-winning dramatic series, Queen Sugar, Season 2, created and produced by Ava DuVernay and Oprah Winfrey, for OWN Television; and she hosted The Golden Years, a limited series for Turner Classic Movies. (10/20)
de Julie Dash
avec Linda Martina Young États-Unis exp. vostf 1974 coul. 7min (vidéo num.)
La danseuse Linda Martina Young incarne les quatre figures féminines de la ballade de Nina Simone, Quatre femmes.
Julie Dash
Née à New York, Julie Dash est une cinéaste, réalisatrice de clips et de publicités, auteur et créatrice de sites web. Ses études de cinéma ont débuté à Harlem en 1969, mais l’ont finalement conduite à l’American Film Institute et à UCLA, où elle a réalisé The Diary of an African Nun (1977), basé sur une nouvelle d’Alice Walker, qui a remporté un prix étudiant de la Directors Guild of America. Son court métrage Illusions (1982), acclamé par la critique, a ensuite remporté le prix du jury du meilleur film de la décennie décerné par la Black Filmmakers Foundation
Le premier long métrage de Dash – Daughters of the Dust (1991) – a été le premier film d’une Afro-Américaine à sortir en salle aux États-Unis. La Bibliothèque du Congrès l’a inscrit au National Film Registry en 2004. Julie Dash est revenue sur les personnages du film et leur milieu gullah dans son roman du même titre, publié en 1999.
Parmi ses téléfilms, citons Love Song (2000), avec la chanteuse R&B Monica Arnold, le thriller romantique Incognito (1999) et le drame domestique Funny Valentines (1999). Julie Dash a été nominée pour un Directors Guild Award pour The Rosa Parks Story (2002) avec Angela Bassett.
Elle a réalisé des clips musicaux pour Tony ! Toni ! Toné !, Keb’ Mo’, Peabo Bryson, Adriana Evans, Sweet Honey in the Rock et Tracy Chapman.
Lorsqu’elle ne travaille pas sur ses projets, Julie Dash donne fréquemment des conférences dans de nombreuses universités de premier plan, dont l’université de Stanford, Princeton, Harvard et Yale.
avec Lamine Ba, All Demba Ciss Sénégal fict. vostf 1970 coul 56min (16mm)
Ce film relate les aventures de Badou Boy, jeune homme espiègle et effronté, dans les rues de Dakar ou à bord d’un car de transport public. Portraits humoristiques des voyageurs, course-poursuite avec la police, surnommée « le dragon noir ». Une chronique de la vie quotidienne dans le Dakar populaire.
Quinzaine des Réalisateurs, Festival de Cannes 1971
Film restauré par la Cinémathèque de Bologne
Djibril Diop Mambety
Aussi connu sous le nom de Djibril DIOP à ses débuts dans Contras’City, ou dans les films italiens où il a figuré comme acteur.
Il fait des études de théâtre, devient acteur au Théâtre National Sorano et dans quelques films sénégalais et italiens. Il a joué dans le sulfureux Il Decamerone Nero (Le Décaméron Noir) de Piero Vivarelli (1972, France/Italie) tourné au Sénégal.
En 1968, il réalise Contras City, le premier film africain comique. En 1969, il tourne Badou Boy, un moyen métrage en partie autobiographique. Après Touki Bouki, son œuvre la plus célèbre, il réalise Parlons grand-mère, un documentaire sur le tournage de Yaaba de Idrissa Ouedraogo. En 1992, il revient à la fiction et réalise Hyènes, d’après une pièce de théâtre La visite de la vieille dame de Friedrich Dürrenmatt, l’auteur suisse. Hyènes est présenté en sélection officielle au Festival International du Film de Cannes en 1992.
La projection de ce film sera précédée de You hide me
Suivie d’un débat avec Nora Philippe (cinéaste, curatrice) et Brice Ahounou (anthropologue, journaliste, programmateur) modéré par Zahia Rahmani (historienne d’art, écrivaine)
Dramatisation d’une visite au British Museum par deux Africains qui découvrent de l’art africain, notamment des bronzes du Bénin, cachés dans les sous-sols. Un exposé des politiques des régimes coloniaux européens qui, en établissant leur domination, ont tenté d’effacer toute trace de civilisation, de religion, de langue et d’art africains. L’auteur affirme que les matériaux collectés en Afrique et souvent cachés dans les sous-sols des musées européens ont été utilisés contre les Africains et les Noirs des Caraïbes, d’Europe et des États-Unis, les amenant à mépriser un riche patrimoine culturel.
Nii Kwate Owoo
Nii Kwate Owoo est un universitaire et cinéaste ghanéen, décrit par Variety comme « l’un des premiers Ghanéens à filmer en 35 mm ». Son nom est également apparu au générique de films sous le nom de Kwate Nee-Owoo. Owoo a fait ses études à l’école Mfantsipim, à Cape Coast, au Ghana, puis est allé au Royaume-Uni où il a étudié la réalisation, la caméra et le montage à la London Film School (1968-71) et à l’Isleworth Polytechnic, à Londres.
Son film documentaire You Hide Me est considéré comme le premier film de l’Afrique indépendante anglophone. Sujet controversé, il a été tourné en 1970 en Angleterre (où il faisait partie du collectif Cinema Action) et « est un exposé sur le vol et la dissimulation d’œuvres d’art africaines anciennes et rares cachées dans des sacs en plastique et des boîtes en bois dans les sous-sols du British Museum », Owoo plaidant pour que les œuvres d’art soient restituées à leur lieu d’origine. Il aurait déclaré : « Mon film a été interdit au Ghana en 1971 et a été rejeté par la télévision ghanéenne de l’époque parce qu’il était anti-britannique. C’est le résultat de cette interdiction, qui a été rapportée et a fait l’objet d’une publicité importante par le West Africa Magazine en 1971, qui a permis au film d’être acclamé et controversé dans le monde entier.
Owoo a été producteur et réalisateur sur un certain nombre d’autres projets cinématographiques notables, tels que le long métrage Ama : An African Voyage of Discovery, qu’il a coréalisé avec Kwesi Owusu pour la télévision Channel 4. Considéré comme « le premier film africain tourné au Royaume-Uni », Ama a battu des records de recettes à Accra, a été projeté dans le West End londonien et a été présenté à Cannes, ainsi que dans d’autres festivals internationaux tels que le Festival du film africain de New York. De 1993 à 1995, Owoo a été directeur de la rédaction d’Ecrans d’Afrique, la Fédération panafricaine des producteurs de films, et a fondé et dirigé l’unité de recherche sur les médias de l’Institut d’études africaines (Université du Ghana) de 1978 à 2002.
Suivie d’un débat avec Nora Philippe (cinéaste, curatrice) et Brice Ahounou (anthropologue, journaliste, programmateur) modéré par Zahia Rahmani (historienne d’art, écrivaine)
Kongi’s Harvest est une adaptation cinématographique d’une pièce de théâtre écrite par Wole Soyinka en 1965 avec le même titre. Le film analyse la dégénérescence du pouvoir personnel dans l’Afrique indépendante et fait la satire de la tyrannie qui en résulte à travers la confrontation entre un politicien populiste et un chef traditionnel.
Ossie Davis
Né le 18 Décembre 1917 à Cogdell en Georgie.
Acteur, producteur, réalisateur et dramaturge, il est le fils d’un cheminot. Après ses études collégiales, il se rend à New York espérant débuter une carrière d’écrivain mais il travaille comme concierge, ouvrier ou commis avant de découvrir le théâtre durant son service militaire lors de la Seconde Guerre Mondiale.
Il fait ses débuts à Broadway en 1946 et y joue jusqu’aux années 50 des rôles de soutien de même qu’il fit quelques apparitions dans des films tels que No Way Out en 1950, Are the days en 1963 ou The Cardinal en 1963.
En 1961, il triomphe à Broadway comme auteur et comme star de la pièce Purlie Victorious et répètera cet exploit avec le film Gone Are the days deux ans plus tard.
En 1970 il tourne son premier film comme directeur, Cotton Comes to Harlem. S’enchainent ensuite les tournages et apparitions dans les longs métrages mais aussi les séries TV. Au total, cela représente plus de 80 films et séries tv. Acteur favori de Spike Lee, il joue quasiment dans tous ses films.
En 1942, pendant la Seconde guerre mondiale, dans un village de Casamance, au Sénégal, le Colonel Armand obéissant à un ordre venu de France doit prélever tout le riz cultivé. Ce sont les femmes qui sont responsables des récoltes : la plupart des hommes ont été réquisitionnés pour se battre en métropole. Elles décident de résister et cachent leur riz. L’armée arrive pour punir le village.
Quinzaine des Réalisateurs, Festival de Cannes 1972
Ousmane Sembene
Ousmane Sembène (né le 1er janvier 1923 à Ziguinchor, Sénégal, mort le 9 juin 2007 à Dakar, Sénégal), est un écrivain, réalisateur, acteur et scénariste majeur de l’Afrique contemporaine, connu pour ses aspects militants sur les questions politiques et sociales.
En 1946, il embarque clandestinement pour la France et débarque à Marseille, où il vit de différents petits travaux. Il est notamment docker au port de Marseille pendant dix ans. Il adhère à la CGT et au Parti communiste français. Il milite contre la guerre en Indochine et pour l’indépendance de l’Algérie.
En 1956, il publie son premier roman, Le Docker noir qui relate son expérience de docker. Puis en 1957 il publie Ô pays, mon beau peuple. En 1960, il publie un nouveau roman, les Bouts de bois de Dieu qui raconte l’histoire de la grève des cheminots en 1947-1948 du Dakar-Niger, la ligne de chemin de fer qui relie Dakar à Bamako. L’histoire se déroule parallèlement à Dakar, Thiès et Bamako sur fond de colonialisme et de lutte des cheminots pour accéder aux mêmes droits que les cheminots français.
En 1960, l’année de l’indépendance du Soudan français — qui devient le Mali — et du Sénégal, Ousmane Sembène rentre en Afrique. Il voyage à travers différents pays : le Mali, la Guinée, le Congo. Il commence à penser au cinéma, pour donner une autre image de l’Afrique, voulant montrer la réalité à travers les masques, les danses, les représentations.
En 1961, il entre dans une école de cinéma à Moscou. Il réalise dès 1962 son premier court-métrage Borom Saret (le charretier), suivi en 1964 par Niaye.
Des centaines de fabriques artisanales de briques s’alignent sur les bords du Nil. Première œuvre éclatante d’une pionnière.
Copies and texts courtesy of Asmaa Yehia El-Taher, Yasmin Desouki and Cinémathèque — Alternative Film Centre in Cairo
Ateyyat Al Abdnoudy
Ateyyat El Abnoudy (26 novembre 1939 – 5 octobre 2018), également connue sous le nom d’Ateyyat Awad Mahmoud Khalil, était une journaliste, avocate, actrice, productrice et réalisatrice égyptienne. Elle est née dans un petit village le long du delta du Nil en Egypte.
El-Abnoudy était considérée comme l’une des pionnières du cinéma arabe, car ses films ont inspiré les œuvres de nombreuses femmes arabes de l’industrie. Elle a été qualifiée de « cinéaste des pauvres » en raison du sujet qui l’a inspirée à faire des films, y compris les questions de droits civiques et la condition des Arabes appauvris.
El Abnoudy a reçu plus de 30 prix internationaux pour ses 22 films, dont trois pour Horse of Mud, sortis en 1971.
avec Patricia Ree Gilbert, Don Fellows États-Unis fict. vostf 1968 coul. 1h15 (cin. num.)
Le tournage d’un film sur un couple en crise. Hors champ, le réalisateur et l’équipe technique discutent du projet. De multiples caméras et niveaux de lectures pour une mise en abîme passionnante.
William Greaves
Le cinéaste William Greaves est né à New York de parents originaires de la Jamaïque et de la Barbade. Il grandit à Harlem et fréquente la Stuyvesant High School. Après avoir obtenu son diplôme en 1944, il entre au City College de New York. En 1948, Greaves a étudié avec le cinéaste d’avant-garde d’origine allemande Hans Richter. Après avoir joué dans la comédie musicale Finian’s Rainbow, Greaves est invité à rejoindre le prestigieux Actors Studio de New York, où il s’entraîne avec Marlon Brando et Shelley Winters.
Greaves commence sa carrière d’acteur et apparaît dans le succès de Broadway, Lost in the Stars, ainsi que dans des films tels que Souls of Sin en 1948. Il s’installe au Canada en 1952 et travaille pour l’Office national du film en tant que scénariste et réalisateur. Pendant son séjour au Canada, Greaves a étudié avec John Grierson, considéré comme le père du cinéma documentaire moderne. Après son retour aux États-Unis en 1961, Greaves a rejoint l’Organisation de l’aviation civile internationale en tant que responsable de l’information publique, produisant des films pour l’organisation. En 1963, il est allé travailler pour le département du cinéma et de la télévision des Nations Unies à l’Académie africaine des arts et de la recherche. Greaves a créé William Greaves Productions en 1964, et peu après, il a commencé à produire ses propres œuvres. Le premier long métrage de Greaves, Symbiopsychotaxiplasm : Take One, est sorti en 1968, la même année où il a commencé à produire le Black Journal, un magazine d’information mensuel diffusé sur la télévision publique. Black Journal a été diffusé jusqu’en 1970, et a reçu un Emmy en 1969.
Après avoir quitté le Black Journal, Greaves est revenu à la réalisation de films indépendants avec son film Ali, the Fighter (1971). Depuis lors, Greaves a été prolifique dans son art, produisant des films tels que Ida B. Wells : A Passion for Justice, From These Roots, et son œuvre la plus récente, Ralph Bunche : An American Odyssey. Au total, il a produit plus de 200 films documentaires et a reçu plus de soixante-dix prix dans des festivals internationaux de cinéma. Il a été intronisé au Black Filmmakers Hall of Fame, a reçu un hommage spécial lors du premier Black American Independent Film Festival à Paris, et a reçu un « Indy », le Life Achievement Award de l’Association of Independent Video and Filmmakers. Greaves est membre de l’Actors Studio depuis cinquante-cinq ans et préside le comité du film de la Princess Grace Foundation.
France, Algerie, Angola • 1968 • 20 minutes • 35 mm • Noir & Blanc
The film’s script (written by Sarah Maldoror in collaboration with Serge Michel) is based on a short story by the white Angolan writer and political activist Luandino Vieira, who had been sentenced by the Portuguese colonial regime to serve a fourteen-year term at the camp of Tarrafal in Cape Verde. Filmed in Algiers, Monangambée is a film about torture and, in a larger sense, the incomprehension that exists between the colonized and the colonizers.
Quinzaine des Réalisateurs, Festival de Cannes 1971
The main founder in Paris in 1956 (with Samba Ababacar, Toto Bissainthe, Timiti Bassori etc.) of the first black theatre company « Les Griots », she grasped the importance of audiovisual media for the liberation struggles at the end of the 50s and decided to go to Moscow in 1961 to train in cinema. On her return, Sarah Maldoror moved to Algeria, where she made her first film two years later. A militant black filmmaker of international stature, a companion of Mario de Andrade, one of the leaders of the Popular Movement for the Liberation of Angola, of whom she would have two daughters, Sarah Maldoror was committed to the liberation struggle. At the end of the 60s and the beginning of the 70s, when the wars of independence were raging in the Portuguese colonies and were largely obscured in the West, Sarah Maldoror was the only one to succeed in bringing the voice of African militants in the struggle to the screen. A voice that speaks of ignorance and contempt for the culture of the colonised, the torture and imprisonment of opponents of colonisation, the commitment of women and human solidarity in the face of oppression. … » Monagambée » (1969, based on the novel by an Angolan writer who was imprisoned by the Portuguese colonial powers – Sarah’s first film, which had already won several awards, including Best Director at the Carthage Festival), « Des fusils pour Banta » (1970, filmed in Guinea Bissau when Sarah herself was involved in the maquis) and « Sambizanga » (1972, filmed in the Congo during the war of liberation in Angola, winner of the Tanis d’or at the Carthage Festival and the Ouagadougou Catholic Office Prize) established Sarah Maldoror’s reputation for professionalism and made her a benchmark for the international militant movement. Her films are characterised by great subtlety in their treatment of subjects, and by a constant poetic breath and aesthetic quality. Among the thirty or so documentaries and films she has made to date, we have selected seven major themes from her work, which she illuminates with an « insider’s » view that can be seen by women and men alike: – contemporary African wars of liberation and perseverance in the struggle, – women in the struggle, – insidious, everyday racism, – solidarity between the oppressed, – political repression in ‘peacetime’ (for those who refuse to submit to confinement, psychiatric internment… the rehabilitation of black history and its heroes, a history deliberately obscured and distorted by colonial power, and which it is up to the colonised to reappropriate (historical struggles waged against the slavery system by the descendants of Africans deported to the Americas, etc.). – film in progress « Les Révoltés de Matouba »). Over the course of her career, Sarah Maldoror has won awards at numerous festivals in Europe, the Americas and Africa, and has been invited on several occasions by American universities to present her films.
Filmography
1969 : Monangambee
1972 : Sambizanga,
1977 : Un homme une terre (entretien avec Aimé Césaire)
1978 : Et les chiens se taisaient (sur une pièce d’Aimé Césaire, coréalisé avec Bernard Favre et Vincent Blanchet
1998 : La Tribu du bois de l’É
Au Forum des images le film a été présenté par Annouchka de Andrade (directrice artistique et fille de la cinéaste Sarah Maldoror)
de Sarah Maldoror
avec Carlos Pestana, Noureddine Dreis Ang.–Alg. fict. vostf 1968 n&b 17min (cin. num.)
« Monangambééé! » – Cri de la révolte en Angola « Monangambééé ! Transmis de case en case, de village en village, ce cri en Angola pâlit même les plus courageux. Hommes, femmes et enfants ont fui et se sont réfugiés dans la brousse. Monangambééé : ça veut dire quelque chose comme la mort blanche, mais au moins une déportation sûre sans retour. Ce cri accompagnait l’arrivée des négriers portugais. Aujourd’hui encore, le même cri se fait entendre, le même sifflement sur l’immensité de l’Angola : c’est un signe de reconnaissance et un signal de ralliement pour le Front populaire de libération. Monangambééé est aussi le titre d’un film de Sarah Maldoror, adapté d’une nouvelle de l’écrivain nationaliste angolais Luandino Vieira. Vieira a été arrêté en 1961 et purge actuellement une peine de 14 ans de prison.
Quinzaine des Réalisateurs, Festival de Cannes 1971
Sarah Maldoror est une cinéaste française, née en 1929 et décédée en 2020. Née d’un père guadeloupéen et d’une mère gersoise, elle choisit le nom d’artiste « Maldoror » en hommage au poète surréaliste Lautréamont.
Sarah Maldoror est la principale fondatrice à Paris en 1956 (avec Samba Ababacar, Toto Bissainthe, Timiti Bassori etc.) de la première compagnie théâtrale noire « Les Griots ». Elle saisit dés la fin des années 1950 l’enjeu de l’audiovisuel pour les luttes de libération et choisit de partir à Moscou en 1961 pour se former au cinéma.
À son retour Sarah Maldoror s’installe en Algérie où elle réalise deux ans plus tard son premier film. Cinéaste noire militante de stature internationale, compagne de Mario de Andrade, l’un des leaders du Mouvement Populaire de Libération de l’Angola, Sarah Maldoror est engagée dans la lutte de libération.
À la fin des années 1960 et au début des années 1970, alors que les guerres d’indépendance font rage dans les colonies portugaises et sont en Occident largement occultées, Sarah Maldoror est seule à parvenir à porter au cinéma la voix des militants africains en lutte. Une voix qui dit : l’ignorance et le mépris de la culture des colonisés, la torture et l’emprisonnement des opposants à la colonisation, l’engagement des femmes, la solidarité humaine face à l’oppression.
Monangambééé (1969, basé sur le roman d’un écrivain angolais alors emprisonné par le pouvoir colonial portugais – premier film de Sarah et qui se voit déjà décerner plusieurs prix dont celui de meilleur réalisateur par le Festival de Carthage), Des fusils pour Banta (1970, tourné en Guinée Bissau alors que Sarah Maldoror est elle-même engagée dans le maquis) et Sambizanga (1972, tourné au Congo sur la guerre de libération de l’Angola, Tanit d’or du Festival de Carthage, Prix de l’Office catholique de Ouagadougou) assoiront sa réputation de professionnalisme et feront d’elle une référence du mouvement militant international.
Ses films se caractérisent par une grande subtilité dans le traitement des sujets, par une qualité esthétique et un souffle poétique constants. Parmi la trentaine de documentaires et films qu’elle a réalisés, nous retenons sept thèmes majeurs de son œuvre qu’elle sait éclairer d’un regard « vu de l’intérieur », où les femmes comme les hommes peuvent se retrouver :
– les guerres africaines contemporaines de libération et la persévérance dans la lutte,
– les femmes dans la lutte,
– le racisme insidieux et quotidien,
– la solidarité entre opprimés,
– la répression politique en « temps de paix » (pour ceux qui refusent de se soumettre enfermements, internements psychiatriques…),
– la lutte via la culture, avec des portraits de Toto Bissainthe, Aimé Césaire ou Léon-Gontran Damas,
– la réhabilitation de l’histoire noire et de ses héros, histoire sciemment occultée et distordue par le pouvoir colonial, et qu’il appartient aux colonisés de se réapproprier;
Sarah Maldoror a au cours de sa carrière été sollicitée et primée par de très nombreux festivals d’Europe, des Amériques et d’Afrique, et été invitée à plusieurs reprises par des universités américaines pour y présenter ces films.
Music – ANC Choir Of South Africa recorded in London March 1969
A hard-hitting satire on Rhodesian attitudes advocating people’s war leading to liberation.
The first genuine Zimbabwean film supported by ZAPU (Zimbabwe African People’s Union) and the ANC South Africa. Raeburn was expelled from Rhodesia after making the movie.
Festivals:
OFFICIAL ZAPU PRESENTATION AT MOSCOW FILM FESTIVAL 1970
DIRECTOR’S FORTNIGHT CANNES FILM FESTIVAL1969
Five festival awards including:
MANNHEIM PEACE PRIZE, GERMANY
PRIX REALISATION, HYERES FILM FESTIVAL, FRANCE
Selection of press:
« A moving statement about racialism » Montreal Star
« Excellent example of the political film » Les Lettres Francaises
« Mixture of drama and documentary that makes a strong impact » Svenska Dagbladet, Sweden « An excellent document » Cinema Magazine, Paris
Distribution:
TV -BBC and throughout Europe, USA, Africa.
Cinema -Fédération Jean Vigo; Studio Republique, Paris; Bleaker Street Cinema, New York.
Shown in ZAPU and ZANU (ZIPRA) guerrilla training camps in Zambia and Tanzania.
Synopsis:
Some one has stolen the boss’ car. The year is 1968. The boss is Mr Carlton-ffrench – die-hard colonist and supporter of Ian Smith whose recent UDI (Unilateral Declaration of Independence), snatched from the toothless British PM, Harold Wilson, has left the rebel leader triumphantly cocky. Carlton-ffrench puts away his rugger ball to hunt for the thief – factory worker, John Mambo. But after Mambo’s wife has sex with the whiteman for money, the thief goes on the run, taking their young son with him. And he’s very angry. In this Godardesque road movie, Mambo’s anger echoes the feelings of the African majority who realise that there will never be democracy or racial freedom in Rhodesia under Ian Smith. When a stranger offers him a gun, Mambo joins the new guerrilla forces. For the cause, he is prepared to sacrifice all – including his son. He takes part in the shooting of a Rhodesian farmer and his wife. But he is soon caught and hanged. Carlton-ffrench gets his car back. But now, nothing can stop the liberation war until independence is gained in 1980;
Brief synopsis
John Mambo can’t find a job. His wife supports the family as a nurse. Rhodesia is becoming increasingly oppressive under the rule of Ian Smith and his white minority government. John is falsely accused of stealing a car. This pushes him over the edge. He decides to sacrifice family responsibilities and join the liberation movement that is about to launch guerrilla war. After a raid on a white farm, John is captured and hanged.
Writer-director Michael Raeburn’s career in Africa
Michael made his first film “RHODESIA COUNTDOWN” in 1969 advocating guerrilla war to overthrow the minority racist regimes in Rhodesia and South Africa (ref. www.michaelraeburn.com). The film ends with Nelson Mandela’s Rivonia trial address advocating force as the only solution to the stranglehold of repression. This debut film was shown in guerrilla training camps in the “Front Line States” of Zambia and Tanzania. It also had an international release. In the USA it was picked up by The Filmmakers Cooperative and showcased at Lionel Rogosin’s Bleeker Street Cinema. It was selected for the Cannes Film Festival Director’s Fortnight.
At the end of the shoot, Michael had to flee into exile where he collaborated for the next 20 years in the liberation war of southern Africa through the black nationalist party “ZANU” led by Robert Mugabe, and also through the ANC of South Africa.
In 1978 Michael wrote the book “BLACK FIRE” from the point of view of the guerrillas fighting to decolonize Southern Africa (JF Publications, UK). James Baldwin wrote its Foreword and personally launched the book in London in 1978. After the fall of Ian Smith’s regime in Rhodesia in 1980, the Deputy Prime Minister of newly-named Zimbabwe added an Introduction to the book. The USA edition, renamed “WE ARE EVERYWHERE”, was published by Toni Morrison, then editorial chief at Random House. Michael’s collaboration with James Baldwin continued with the co-writing of the script adaptation of Baldwin’s novel “GIOVANNI’S ROOM”: Ref:
In 1981 for his first feature film Michael adapted Doris Lessing’s novel “THE GRASS IS SINGING. The script is set in South Africa where it was impossible to make such a film. As the ANC was accepted in black Africa as the South African Government in Exile, the movie was shot in Zambia where it was helmed and edited by Thabo Mbeki who became Mandela’s successor as the President of South Africa in 1999. Trainee guerrillas in the ANC’s armed wing “uMkhonto we Sizwe” became actors in the movie, and the ANC Choir did the music (as it did for several the director’s films).
In 1988 under the aegis of Barbara Masekela of the ANC, the Nigeria Government under President Ibrahim Babangida supported Michael’s film “SOWETO” – a $10m movie set in South Africa, but filmed in Plateau State and in Zimbabwe. ANC cadres featured as themselves in the film. Hugh Masekela wrote and played the music.
After universal suffrage was attained in South Africa in 1994 Michael continued his writing and film career in the region, always with a political edge. His films have gained many festival awards, and there have been retrospectives in France at the Musée Jeu de Paume, the Musée Dapper and the Douarnenez Film Festival; in Germany at the Munich Cinémathèque; and in the UK at the London/BFI Film Festival. “ZIMBABWE COUNTDOWN” about Robert Mugabe’s fall from grace won First Prize at the African Film Festival of Milan in 2003. “TRIOMF”, shot in Johannesburg, won “Best South African Movie” at the 2008 Durban Film Festival: www.triomfmovie.com
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https://vimeo.com/channels/michaelraeburnfilms
FULL MOVIES FROM MICHAEL RAEBURN AVAILABLE ON YOUTUBE :
«THE GRASS IS SINGING» Based on Doris Lessing’s novel, scripted by Michael Raeburn : https://youtu.be/6iiEhNHdSMw
John Mambo ne trouve pas de travail. Sa femme subvient aux besoins de la famille en tant qu’infirmière. La Rhodésie devient de plus en plus oppressive sous le règne de Ian Smith et de son gouvernement de minorité blanche. John est faussement accusé d’avoir volé une voiture. Cela le pousse à bout. Il décide de sacrifier ses responsabilités familiales et de rejoindre le mouvement de libération qui est sur le point de lancer une guérilla.
Quinzaine des Réalisateurs, Festival de Cannes 1969
Michael Raeburn
Michael Raeburn a acquis une renommée internationale en tant que réalisateur et scénariste, mais aussi en tant que romancier. Ses longs métrages, ses documentaires et ses films expérimentaux se distinguent comme des œuvres révolutionnaires dotées d’une touche personnelle unique, et ont remporté de nombreux prix dans des festivals.
Pendant près de quatre décennies, Michael a lutté sans compromis pour une voix libre et indépendante dans un monde de plus en plus homogène. Son thème principal est le sentiment d’aliénation, de frustration et de colère ressenti par un groupe social qui a été isolé et supprimé par un groupe plus grand et plus puissant. La violence, la colère et même la folie en sont les résultats inévitables.
Né en Afrique (22/01/1948), la majeure partie de son œuvre émane de ce continent et est appréciée pour sa compréhension et sa vision authentiques d’initié.
La projection de ce film sera précédée de Cabascabo
Au Forum des images séance présentée par Michael Raeburn, en présence de Sarah Frioux-Salgas (historienne, commissaire d’exposition) et Eyal Sivan (cinéaste)
→ suivi d’un débat modéré par Saad Chakali (critique de cinéma) → sous-titrages pour sourds et malentendants (SME)
SITES DE DISTRIBUTEURS CONTENANT CERTAINS DE MES TRAVAUX
…Sélectionnez les bandes-annonces suivantes qui constituent les références rapides les plus appropriées à certains des thèmes contenus dans « LE DERNIER SACRIFICE ».
… « THE GRASS IS SINGING » (extrait du roman de Doris Lessing)
… « VENT DE COLÈRE »
… « TRIOMF »
J’AI ÉGALEMENT MIS 3 FILMS COMPLETS INSTANTANÉMENT DISPONIBLES SUR YOUTUBE:–
« THE GRASS IS SINGING » D’après le roman de Doris Lessing, scénarisé par Michael Raeburn : https://youtu.be/6iiEhNHdSMw
« TRIOMF » D’après le roman de Marlene Van Niekerk, scénarisé par Michael Raeburn : https://youtu.be/rYcqm8otnGU
