avec Cassie McFarlane, Victor Romero Evans UK fict. vostf 1981 coul. 1h45 (35mm)
Pat (Cassie McFarlane) est une jeune noire indépendante et sophistiquée avec son propre appartement et un job de secrétaire. Elle sort avec ses copines, mais rêve d’avoir une relation stable. Lors d’une soirée elle rencontre Del (Victor Romero Evans), un jeune ouvrier. Rapidement, Del vient s’installer chez elle. Mais leur relation vire au vinaigre quand elle voit que Del n’a pas de projet et veut juste profiter de la vie. Quand il perd son travail et ne fait aucun effort pour en trouver un autre, Pat décide qu’il est peut être temps de se séparer.
Second long métrage de l’histoire du cinéma black-british, où le regretté Menelik Shabazz orchestre la rencontre de l’amour, de la politique et de la musique.
Grand Prix, Festival international du film d’Amiens 1981
Copie en provenance du British Film Institute
Menelik Shabazz
Menelik Shabazz (né en 1954) est un réalisateur, éducateur et écrivain de la Barbade, reconnu comme pionnier dans le développement d’un cinéma britannique indépendant, étant à l’avant-garde de la production cinématographique britannique contemporaine depuis plus de 30 ans.
Menelik Shabazz est surtout connu pour le film de 1981 Burning an Illusion, son premier long métrage. Il a également été co-fondateur dans les années 1980 de la société de production cinématographique Kuumba et Ceddo Film and Video Workshop, ainsi que « père fondateur du projet médiatique BFM » comme éditeur de Black Filmmakers Magazine et créateur du Festival international du film BFM.
avec Evlynne Braithwaite, Bernard Nicolas États-Unis fict./exp. vostf 1978 n&b 16min (vidéo num.)
Poétique et politique, un film du courant LA Rebellion d’après le thème de John Coltrane After the Rain.
Melvonna Ballenger
Melvonna Marie Ballenger est née le 6 août 1954 à St. Louis, dans le Missouri. Ballenger a fréquenté le Stephens College pour femmes à Columbia, Missouri, et a ensuite été transférée à l’Université Howard où elle a obtenu son baccalauréat en communications.
Après avoir obtenu son diplôme à Howard, Melvonna Ballenger s’est installée à Los Angeles où elle a intégré le programme M.F.A. de l’UCLA en production cinématographique et télévisuelle. Dans son premier film, Rain (Nyesha), Melvonna Ballenger offre un portrait poétique de la prise de conscience politique d’une jeune femme. Rain (Nyesha) a reçu une mention honorable au festival Black Talkies on Parade de Los Angeles en 1982. Son deuxième film, Nappy Headed Lady, rebaptisé plus tard Pigtail Blues, est l’histoire d’une femme aux cheveux crépus dans les années 1960. Le film explore les effets des normes blanches de beauté sur l’image de soi des femmes noires. Des séquences documentaires des années 60 relient la lutte de la protagoniste au mouvement national noir.
Après l’UCLA, Melvonna Ballenger a travaillé pour Capitol Records à Hollywood, puis pour Continental Cable Company en produisant des émissions de télévision locales axées sur des questions pertinentes pour la communauté noire. Elle était passionnée par l’idée d’apprendre à la jeune génération à aimer et à apprécier l’art cinématographique. Elle a travaillé avec le Festival panafricain du film en tant que directrice du festival étudiant pendant de nombreuses années. Elle a ensuite obtenu son diplôme d’enseignement et a rejoint le corps enseignant de la 32nd Street School de Los Angeles, où elle a enseigné les sciences humaines et le cinéma à des élèves de collège et de lycée. Elle y a créé un talk-show sur le câble pour ses élèves.
avec Herbert Norville, Oscar James UK fict. vostf 1976 coul. 2h01 (16mm)
Tom (Herbert Norville) est un jeune Anglais dont la famille est originaire de Trinidad. Même s’il a bien réussi ses études, l’arrivée sur le marché du travail est un choc. Il se rend compte rapidement que personne ne veut de lui. Il se pose alors des questions sur son futur et son identité, coincé à égale distance entre ses parents, ses amis blancs, son frère membre Black Panthers et ses amis délinquants.
Copie en provenance du British Film Institute
Horace Ové
Horace Ové, né le 3 décembre 1939 à Trinité, est un cinéaste, photographe, peintre et écrivain britannique né à Trinité et né à Trinité. Il est l’un des principaux cinéastes noirs indépendants à émerger en Grande-Bretagne au cours de la période d’après-guerre.
Il détient le Guinness World Record pour avoir été le premier cinéaste britannique noir à diriger un long métrage, Pressure (1975).Dans son documentaire rétrospectif, 100 Years of Cinema, le British Film Institute (BFI) a déclaré : « Horace Ové est sans aucun doute un pionnier de l’histoire britannique noire et son travail offre une perspective sur l’expérience noire en Grande-Bretagne ». Ové a construit une carrière prolifique et parfois controversée en tant que cinéaste, documentant le racisme et le mouvement Black Power en Grande-Bretagne pendant de nombreuses décennies à travers la photographie et dans des films tels que le Nigger de Baldwin (1968), Pressure and Dream to Change the World (2003).
Ce film retrace la lutte du peuple haïtien pour sa liberté, depuis l’arrivée de Christophe Colomb jusqu’au régime de Jean-Claude Duvalier. Une analyse encore brûlante d’actualité.
Arnold Antonin
Arnold Antonin est un cinéaste et producteur haïtien né à Port-au-Prince (Haïti) le 3 décembre 1942. Arnold Antonin est aussi professeur d’université, organisateur de débats, directeur d’un centre culturel. Il est Président de l’Association des Cinéastes Haïtiens.
Considéré comme l’un des pionniers du documentaire en Haïti, Arnold Antonin est un intellectuel et activiste reconnu. L’engagement politique de ses films l’a conduit à l’exil entre 1973 et 1986. Depuis son retour dans son pays natal, il a réalisé 17 documentaires et quelques spots éducatifs pour la télévision haïtienne. En 2002, il se tourne vers la fiction avec la réalisation de son premier long métrage Piwouli et le Zenglendo. Son deuxième long métrage de fiction est sorti en 2006 : Le président a-t-il le Sida ? (qui a eu deux prix au FESPACO 2007, OUAGADOUGOU, Burkina Faso).
Homme de carrières diverses, Arnold Antonin est connu tant à l’intérieur qu’à l’extérieur du pays pour son engagement tant à la chose sociale, politique que culturelle. En effet, après avoir été membre de jury de plusieurs des plus prestigieux festivals internationaux de cinéma du Tiers Monde (La Havane, Namur, Ouagadougou) il a été honoré pour l’ensemble de son oeuvre et pour son documentaire Courage de Femmes dans le cadre de la remise du Prix Djibril Diop Mambety, au Festival International de Cinéma de Cannes en 2002.
Cependant, l’oeuvre qui l’a consacré est Ayiti, men chimen Libète, un documentaire long métrage qui a été projeté à travers le monde dans le cadre des multiples campagnes de mobilisation contre la dictature des Duvalier. M. Antonin est l’un des rares cinéastes haïtiens à avoir travaillé sur support film.
Militant du socialisme démocratique, en 1986, il retourne au pays après de nombreuses années d’exil et entre dans l’arène politique en proposant une modernisation des organisations et des pratiques. Il fonde le Centre Pétion Bolivar, un centre culturel et de débats politiques. Il organise le Forum libre du jeudi, espace pluraliste de rencontres et de débats. Il enseigne à l’École Nationale des Arts et à la Faculté des Sciences Humaines.
En 1988, il commence à travailler sur support vidéo et réalise une vingtaine de films documentaires et un long métrage de fiction Piwouli et le zenglendo.
With Mario Balmasela, Yolanda Cuellar, Mario Limonta, Iaura Mendoza, Bobby Carcases, Sarita Reyes
Cuba, 1974, 79 min
Synopsis
DE CIERTA MANERA, a documentary-style feature film, describes life in a poor neighborhood in post-revolutionary Cuba. Yolanda, an elementary school teacher, and Mario, who works in a factory, become a couple. While Yolanda strives for an educational approach that integrates marginalized students, causing conflict with colleagues and parents, Mario finds it difficult to let go of patriarchal role models. Their contrary ideals put their relationship to the test, while at the same time critically reflecting the process of social transformation. This was the first Cuban feature-length film directed by a woman. « The masterpiece of the 1970s. Sara Gómez could not prove her unusual talent again. She died at the age of 30, before the film was completed. » (Peter B. Schumann)
Directed and story by Sara Gomez Dramaturgy by Tomas Gutierrez Alea & Julio Garcia Espinosa Image: Luis Garcia Music: Sergio Vitier & Sara Gonzalez (singer)
Film restauré par Arsenal – Institut für Film und Videokunst
Sara Gómez
November 8, 1942 in Havanna, Cuba; † June 2, 1974, ibid., was a filmmaker and sript writer. Brought up in a middle-class black family, she studied literature, piano and Afro-Cuban ethnography. She worked as a journalist before joining the newly-formed Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) in 1961, where she subsequently served as assistant director to Jorge Fraga and Tomás Gutiérrez Alea, as well as to the visiting French director Agnes Varda. One of only two black filmmakers at ICAIC at the time, and for several years its only woman director, Gómez made a series of documentary shorts on assigned topics before directing her first feature « De cierta manera ». She died before she could complete the film.
avec Yolanda Cuéllar, Mario Balmaseda Cuba doc.-fict. vostf 1974 coul. 1h19 (cin. num.)
Cuba, 1974, 79 min
Yolanda, une jeune institutrice, travaille à La Havane, dans le nouveau quartier de Miraflores, construit en 1962 afin de reloger les habitants d’un bidonville. Elle doit affronter quotidiennement les réticences d’une population alors habituée à vivre dans la marginalité. Elle est amoureuse de Mario, un jeune ouvrier en quête d’une légitimité nouvelle au sein des brigades révolutionnaires.
Cette romance contrariée permet à Sarita Gómez de révéler les contradictions et les manquements du Cuba post-révolutionnaire. Mêlant des séquences documentaires à de nombreux modes de récits narratifs, elle dénonce ici le machisme et la violence de classe de la société entière.
Film restauré par Arsenal – Institut für Film und Videokunst
Sara Gómez
Sara Gómez aka Sarita Gómez (8 novembre 1942 – 2 juin 1974) est une cinéaste cubaine, membre de l’ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos, en anglais: Institut Cubain d’Art et d’Industrie Cinématographique) au cours de ses premières années. Elle est l’une des deux seules cinéastes noires présentes. Elle est la première et pour toute sa vie, la seule réalisatrice de Cuba.
Gómez est connue pour son premier et dernier long métrage, De Cierta Manera (One Way ou autre) (1974). Gómez est une réalisatrice révolutionnaire, qui représente la communauté afrocubaine, les questions féminines et le traitement des secteurs marginalisés de la société. Le film de Sara Gómez identifie les problèmes du colonialisme, particulièrement vécus par les communautés précédemment marginalisées (noirs, femmes, pauvres, religieux et jeunes) qui ne connaissaient pas les possibilités d’un avenir meilleur. « Exposer les racines du monde qui devaient être abandonnées et exiger l’arrivée de l’avenir : sa mission était de permettre à ces communautés de comprendre le processus de ce qui se passait dans leur vie, leurs besoins et leurs départs possibles. » Le travail de Gómez a mis en évidence les inégalités de classe sociale, ainsi que la discrimination raciale et de genre.
In this experimental short by Julie Dash — which is one of the first experimental films by a Black woman filmmaker — dancer Linda Martina Young interprets the same-titled ballad by Nina Simone and embodies the spirits of four women: Aunt Sarah, Saffronia, Sweet Thing and Peaches. These women represent common stereotypes of Black women attempting to survive in America.
Julie Dash
Dash began her study of film in 1969 at the Studio Museum of Harlem’s Cinematography Workshop, with a special interest in foreign film. She was then accepted into film school at the Leonard Davis Center for the Performing Arts, where she wrote and produced a promotional documentary for the New York Urban Coalition called Working Models for Success. After Dash graduated, she moved to Los Angeles and attended the Center for Advanced Film Studies and the American Film Institute. In 1975, Dash directed Four Women, a “choreopoem” based on the song of the same title by singer Nina Simone. In 1977, Dash directed the film, Diary of an African Nun, which was shown at the Los Angeles Film Exposition and won her a Director’s Guild Award for student filmmaking.
In 1983, Dash directed Illusions, a short film about a young African American woman passing for a white executive assistant in 1940s Hollywood. The film won her the 1989 Jury’s prize for Best Film of the Decade by the Black Filmmaker Foundation.
In 1999, the 25th annual Newark Black Film Festival honored Daughters of the Dust as being one of the most important cinematic achievements in black cinema in the 20th century.
Dash’s novel, Daughters of the Dust was published by Dutton Books in 1997. The novel is the continuing story of the Peazant family from the movie, and Dash wanted to have the novel titled Geechee Recollections. When going to press, however, the publisher chose to go with the well-known title from the original movie.
Dash has directed music videos, television commercial spots, shorts, and long form movies for cable and network television including the NAACP award-winning CBS network television movie, The Rosa Parks Story, Funny Valentines, Love Song, Incognito and “Sax Cantor Riff,” a segment of HBO’s SUBWAY Stories: Tales from the Underground. She has directed music videos for music artists including Raphael Saadiq; Tony, Toni, Tone; Keb ‘Mo; Peabo Bryson; Adriana Evans; Sweet Honey in the Rock; and Tracey Chapman’s “Give Me One More Reason.” Dash directed multiple episodes of the award-winning dramatic series, Queen Sugar, Season 2, created and produced by Ava DuVernay and Oprah Winfrey, for OWN Television; and she hosted The Golden Years, a limited series for Turner Classic Movies. (10/20)
de Julie Dash
avec Linda Martina Young États-Unis exp. vostf 1974 coul. 7min (vidéo num.)
La danseuse Linda Martina Young incarne les quatre figures féminines de la ballade de Nina Simone, Quatre femmes.
Julie Dash
Née à New York, Julie Dash est une cinéaste, réalisatrice de clips et de publicités, auteur et créatrice de sites web. Ses études de cinéma ont débuté à Harlem en 1969, mais l’ont finalement conduite à l’American Film Institute et à UCLA, où elle a réalisé The Diary of an African Nun (1977), basé sur une nouvelle d’Alice Walker, qui a remporté un prix étudiant de la Directors Guild of America. Son court métrage Illusions (1982), acclamé par la critique, a ensuite remporté le prix du jury du meilleur film de la décennie décerné par la Black Filmmakers Foundation
Le premier long métrage de Dash – Daughters of the Dust (1991) – a été le premier film d’une Afro-Américaine à sortir en salle aux États-Unis. La Bibliothèque du Congrès l’a inscrit au National Film Registry en 2004. Julie Dash est revenue sur les personnages du film et leur milieu gullah dans son roman du même titre, publié en 1999.
Parmi ses téléfilms, citons Love Song (2000), avec la chanteuse R&B Monica Arnold, le thriller romantique Incognito (1999) et le drame domestique Funny Valentines (1999). Julie Dash a été nominée pour un Directors Guild Award pour The Rosa Parks Story (2002) avec Angela Bassett.
Elle a réalisé des clips musicaux pour Tony ! Toni ! Toné !, Keb’ Mo’, Peabo Bryson, Adriana Evans, Sweet Honey in the Rock et Tracy Chapman.
Lorsqu’elle ne travaille pas sur ses projets, Julie Dash donne fréquemment des conférences dans de nombreuses universités de premier plan, dont l’université de Stanford, Princeton, Harvard et Yale.
Kongi’s Harvest est une adaptation cinématographique d’une pièce de théâtre écrite par Wole Soyinka en 1965 avec le même titre. Le film analyse la dégénérescence du pouvoir personnel dans l’Afrique indépendante et fait la satire de la tyrannie qui en résulte à travers la confrontation entre un politicien populiste et un chef traditionnel.
Ossie Davis
Né le 18 Décembre 1917 à Cogdell en Georgie.
Acteur, producteur, réalisateur et dramaturge, il est le fils d’un cheminot. Après ses études collégiales, il se rend à New York espérant débuter une carrière d’écrivain mais il travaille comme concierge, ouvrier ou commis avant de découvrir le théâtre durant son service militaire lors de la Seconde Guerre Mondiale.
Il fait ses débuts à Broadway en 1946 et y joue jusqu’aux années 50 des rôles de soutien de même qu’il fit quelques apparitions dans des films tels que No Way Out en 1950, Are the days en 1963 ou The Cardinal en 1963.
En 1961, il triomphe à Broadway comme auteur et comme star de la pièce Purlie Victorious et répètera cet exploit avec le film Gone Are the days deux ans plus tard.
En 1970 il tourne son premier film comme directeur, Cotton Comes to Harlem. S’enchainent ensuite les tournages et apparitions dans les longs métrages mais aussi les séries TV. Au total, cela représente plus de 80 films et séries tv. Acteur favori de Spike Lee, il joue quasiment dans tous ses films.
avec Patricia Ree Gilbert, Don Fellows États-Unis fict. vostf 1968 coul. 1h15 (cin. num.)
Le tournage d’un film sur un couple en crise. Hors champ, le réalisateur et l’équipe technique discutent du projet. De multiples caméras et niveaux de lectures pour une mise en abîme passionnante.
William Greaves
Le cinéaste William Greaves est né à New York de parents originaires de la Jamaïque et de la Barbade. Il grandit à Harlem et fréquente la Stuyvesant High School. Après avoir obtenu son diplôme en 1944, il entre au City College de New York. En 1948, Greaves a étudié avec le cinéaste d’avant-garde d’origine allemande Hans Richter. Après avoir joué dans la comédie musicale Finian’s Rainbow, Greaves est invité à rejoindre le prestigieux Actors Studio de New York, où il s’entraîne avec Marlon Brando et Shelley Winters.
Greaves commence sa carrière d’acteur et apparaît dans le succès de Broadway, Lost in the Stars, ainsi que dans des films tels que Souls of Sin en 1948. Il s’installe au Canada en 1952 et travaille pour l’Office national du film en tant que scénariste et réalisateur. Pendant son séjour au Canada, Greaves a étudié avec John Grierson, considéré comme le père du cinéma documentaire moderne. Après son retour aux États-Unis en 1961, Greaves a rejoint l’Organisation de l’aviation civile internationale en tant que responsable de l’information publique, produisant des films pour l’organisation. En 1963, il est allé travailler pour le département du cinéma et de la télévision des Nations Unies à l’Académie africaine des arts et de la recherche. Greaves a créé William Greaves Productions en 1964, et peu après, il a commencé à produire ses propres œuvres. Le premier long métrage de Greaves, Symbiopsychotaxiplasm : Take One, est sorti en 1968, la même année où il a commencé à produire le Black Journal, un magazine d’information mensuel diffusé sur la télévision publique. Black Journal a été diffusé jusqu’en 1970, et a reçu un Emmy en 1969.
Après avoir quitté le Black Journal, Greaves est revenu à la réalisation de films indépendants avec son film Ali, the Fighter (1971). Depuis lors, Greaves a été prolifique dans son art, produisant des films tels que Ida B. Wells : A Passion for Justice, From These Roots, et son œuvre la plus récente, Ralph Bunche : An American Odyssey. Au total, il a produit plus de 200 films documentaires et a reçu plus de soixante-dix prix dans des festivals internationaux de cinéma. Il a été intronisé au Black Filmmakers Hall of Fame, a reçu un hommage spécial lors du premier Black American Independent Film Festival à Paris, et a reçu un « Indy », le Life Achievement Award de l’Association of Independent Video and Filmmakers. Greaves est membre de l’Actors Studio depuis cinquante-cinq ans et préside le comité du film de la Princess Grace Foundation.
Based on a series published by Parks in Life magazine in 1961, Flavio describes a day in the life of a twelve-year-old Brazilian boy, Flavio, who is part of a family of ten living on a squalid, impoverished hillside across the bay from Rio de Janeiro.
Gordon Parks Biography
Gordon Parks, one of the greatest photographers of the twentieth century, was a humanitarian with a deep commitment to social justice. He left behind an exceptional body of work that documents American life and culture from the early 1940s into the 2000s, with a focus on race relations, poverty, civil rights, and urban life. Parks was also a distinguished composer, author, and filmmaker who interacted with many of the leading people of his era—from politicians and artists to athletes and celebrities.
Born into poverty and segregation in Fort Scott, Kansas, in 1912, Parks was drawn to photography as a young man when he saw images of migrant workers taken by Farm Security Administration (FSA) photographers in a magazine. After buying a camera at a pawnshop, he taught himself how to use it. Despite his lack of professional training, he won the Julius Rosenwald Fellowship in 1942; this led to a position with the photography section of the FSA in Washington, D.C., and, later, the Office of War Information (OWI). Working for these agencies, which were then chronicling the nation’s social conditions, Parks quickly developed a personal style that would make him among the most celebrated photographers of his era. His extraordinary pictures allowed him to break the color line in professional photography while he created remarkably expressive images that consistently explored the social and economic impact of poverty, racism, and other forms of discrimination.
“I saw that the camera could be a weapon against poverty, against racism, against all sorts of social wrongs. I knew at that point i had to have a camera.”
Gordon Parks at the March on Washington, Washington, D.C., 1963. Photographer Unknown
In 1944, Parks left the OWI to work for the Standard Oil Company’s photo documentary project. Around this time, he was also a freelance photographer for Glamour and Ebony, which expanded his photographic practice and further developed his distinct style. His 1948 photo essay on the life of a Harlem gang leader won him widespread acclaim and a position as the first African American staff photographer for Life. Parks would remain at the magazine for two decades, covering subjects ranging from racism and poverty to fashion and entertainment, and taking memorable pictures of such figures as Muhammad Ali, Malcolm X, Adam Clayton Powell, Jr., and Stokely Carmichael. His most famous images, for instance American Gothic (1942) and Emerging Man (1952), capture the essence of his activism and humanitarianism and have become iconic, defining their generation. They also helped rally support for the burgeoning civil rights movement, for which Parks himself was a tireless advocate as well as a documentarian.
Gordon Parks on the set of The Learning Tree, 1969. Photographer unknown
Parks was a modern-day Renaissance man, whose creative practice extended beyond photography to encompass fiction and nonfiction writing, musical composition, filmmaking, and painting. In 1969 he became the first African American to write and direct a major Hollywood studio feature film, The Learning Tree, based on his bestselling semiautobiographical novel. His next film, Shaft (1971), was a critical and box-office success, inspiring a number of sequels. Parks published many books, including memoirs, novels, poetry, and volumes on photographic technique. In 1989 he produced, directed, and composed the music for a ballet, Martin, dedicated to the late civil rights leader Martin Luther King, Jr.
Parks spent much of the last three decades of his life evolving his artistic style, and he continued working until his death in 2006. He was recognized with more than fifty honorary doctorates, and among his numerous awards was the National Medal of Arts, which he received in 1988.
Today, archives of Parks’s work reside at a number of institutions, including The Gordon Parks Foundation, The Gordon Parks Museum (Fort Scott, Kansas), Wichita State University, the Library of Congress, the National Archives, and the Smithsonian.
Parks’s work is in the permanent collections of major museums, among them The Art Institute of Chicago; Baltimore Museum of Art, Cincinnati Art Museum, Detroit Institute of Arts, International Center of Photography, the Metropolitan Museum of Art, The Museum of Modern Art in New York, Minneapolis Institute of Art, The Museum of Fine Arts in Houston, Saint Louis Art Museum; Smithsonian National Museum of American History, and Virginia Museum of Fine Arts.
In recent years, Parks has been the subject of many solo exhibitions, all accompanied by illustrated publications, organized by The Gordon Parks Foundation with other institutions. These include: Gordon Parks: Stokely Carmichael and Black Power, The Museum of Fine Arts, Houston (2022); Gordon Parks in Pittsburgh, 1944/46, Carnegie Museum of Art (2022); Gordon Parks: The Atmosphere of Crime, Museum of Modern Art (2020); Gordon Parks X Muhammad Ali, Nelson Atkins Museum of Art (2020); Gordon Parks: The Flávio Story, Instituto Moreira Salles, São Paulo (traveled; 2017–2019); Gordon Parks: The New Tide, Early Work 1940–1950, National Gallery of Art, Washington, D.C. (traveled; 2018–2019); I Am You: Selected Works 1942–1978, C/O Berlin (traveled; 2017–2018); Invisible Man: Gordon Parks and Ralph Ellison in Harlem, The Art Institute of Chicago (2016); Gordon Parks: Back to Fort Scott, Museum of Fine Arts, Boston (2015); Gordon Parks: Segregation Story, High Museum of Art, Atlanta (2014–2015); Gordon Parks: The Making of an Argument, New Orleans Museum of Art (2013–2014); and Gordon Parks: A Harlem Family 1967, The Studio Museum in Harlem (2012–2013).
de Gordon Parks
États-Unis doc. vostf 1963 n&b 11min (vidéo num.)
Inspiré d’une série publiée par Parks dans le magazine Life en 1961, Flavio décrit une journée de la vie d’un garçon brésilien de douze ans, Flavio, qui fait partie d’une famille de dix personnes vivant sur une colline sordide et pauvre, de l’autre côté de la baie de Rio de Janeiro.
Gordon Parks
Gordon Parks (américain, né le 30 novembre 1912 à Fort Scott – décédé le 7 mars 2006 à New York) est photographe, musicien, auteur et réalisateur. Il est surtout connu pour ses séries de photos pour le magazine LIFE et pour avoir réalisé Shaft en 1971.
Né dans le Kansas, Parks doit faire face à la discrimination dès le plus jeune âge. Il quitte sa maison à l’adolescence et utilise un appareil photo à l’âge de 25 ans, après avoir vu des images de travailleurs immigrants dans un magazine. Parks achète son premier appareil photo chez un prêteur sur gages puis travaille pour la Farm Security Administration (FSA) et réalise un photoreportage sur les conditions de vie et de travail des pauvres du pays. En 1941, Parks remporte une bourse pour ses photos du centre-ville.
Lorsque la FSA se dissout en 1943, Parks devient photographe freelance, travaille pour des magazines de mode et aborde des problèmes humanitaires dans ses reportages. En 1948, il réalise un reportage photo sur la vie d’un leader de gang à Harlem, ce qui lui vaut une large reconnaissance et il devient le premier photographe et auteur afro-américain du magazine LIFE. Parks reste au sein du magazine pendant 20 ans et s’intéresse aux themes du racisme et de la pauvreté tout en prenant en photo des célébrités comme Mohammed Ali, Malcolm X et Barbara Streisand. Ses photos les plus célèbres, Emerging Man (1952) et American Gothic, Washington, D.C. (1942), sont devenues des images emblématiques et jouent un rôle important dans l’évolution du mouvement des droits civiques.
En parallèle à son travail de photographe, Parks est aussi un réalisateur à succès ; il est le premier afro-américain à diriger The Learning Tree, un grand film hollywoodien, qu’il a également écrit. Puis, il réalise Shaft, un des grands succès de 1971.
Il continue de travaille jusqu’à sa mort en 2006. Durant sa carrière, il remporte de nombreuses récompenses, notamment la National Medal of Arts en 1988 et plus de 50 doctorats honorifiques. Il meurt d’un cancer à l’âge de 93 ans.
Incorporating footage shot by documentary legends Albert Maysles and Ricky Leacock, protest songs by Maya Angelou and a speech by Martin Luther King, Jr, Integration Report 1 examines the struggle for black equality in Alabama, Brooklyn and Washington, D.C.
Newly preserved by the Smithsonian’s National Museum of African American History and Culture and finally available together for the first time, Madeline Anderson’s three films—INTEGRATION REPORT 1 (1960), A TRIBUTE TO MALCOLM X (1967), and I AM SOMEBODY (1970)—bring viewers to the front lines of the fight for civil rights.
INTEGRATION REPORT 1 examines the struggle for black equality in Alabama, Brooklyn and Washington, D.C., incorporating footage by documentary legends Albert Maysles and Ricky Leacock, protest songs by Maya Angelou, and a speech by Martin Luther King, Jr.
In 1969, black female hospital workers in Charleston, South Carolina went on strike for union recognition and a wage increase, only to find themselves in a confrontation with the state government and the National Guard. Featuring Andrew Young, Charles Abernathy, and Coretta Scott King and produced by Local 1199, New York’s Drug and Hospital Union, I AM SOMEBODY is a crucial document in the struggle for labor rights. Made for the William Greaves-produced WNET program Black Journal, A TRIBUTE TO MALCOLM Xincludes an interview with Malcolm X’s widow Dr. Betty Shabazz, shortly after his 1965 assassination.
A testament to the courage of the workers and activists at the heart of her films as well as her own bravery, tenacity and skill, the films of Madeline Anderson are both essential historical records of activism and a vital body of cinematic work.
« A set of three documentaries … of great moment [and] enduring power. » —The New Yorker
Madeline Anderson
“In this age of the #MeToo movement, Black Lives Matter, and other campaigns for gender and racial equity in the workplace, it is essential to be knowledgeable of the lived experiences of these pioneers who came before, such as Madeline Anderson. She had the support of some generous individuals, but mostly had to make her own way through dangerous territory during a tumultuous time in this country’s history.”
—Michelle Materre, SFFILM
Honored by the Smithsonian National Museum of African American History and Culture as the first black women to direct a documentary film, Madeline Anderson’s landmark films ‘Integration Report 1’ (1960) and ‘I Am Somebody’ (1970), both newly scanned and digitized by the museum, bring viewers to the front lines of the fight for civil rights. A testament to the courage of the workers and activists at the heart of her films as well as to her own bravery, tenacity and skill, the films of Madeline Anderson are essential historical records of activism and formative works of cinema. From her childhood growing up in Lancaster, Pennsylvania, to her work with directors including Ricky Leacock, D.A. Pennebaker and the Maysles Brothers, Anderson’s spirit, example and vision continue to inspire today
de Madeline Anderson
États-Unis doc. vostf 1960 n&b 21min (vidéo. num.)
Intégrant des séquences filmées par les légendes du documentaire Albert Maysles et Ricky Leacock, des chants de protestation de Maya Angelou et un discours de Martin Luther King, Jr, Integration Report 1 examine la lutte pour l’égalité des Noirs en Alabama, à Brooklyn et à Washington, D.C..
Madeline Anderson
Madeline Anderson (née vers 1923) est une réalisatrice , productrice de télévision et de documentaires , réalisatrice , monteuse et scénariste américaine . Elle est surtout connue pour ses films Integration Report One (1960) et I Am Somebody (1970), ce dernier étant acclamé à l’échelle nationale et internationale. En 2015, le Musée national d’histoire et de culture afro-américaines a officiellement reconnu Integration Report One comme le premier film documentaire réalisé par une femme afro-américaine.
Anderson est également devenue la première femme afro-américaine à produire une série télévisée diffusée à l’échelle nationale , une série éducative PBS de 1977 intitulée Infinity Factory. Elle a été intronisée au Black Filmmakers Hall of Fame en 1993 aux côtés de l’actrice Rosalind Cash.
« À l’heure du mouvement #MeToo, de Black Lives Matter et d’autres campagnes en faveur de l’équité entre les sexes et les races sur le lieu de travail, il est essentiel de connaître les expériences vécues par ces pionnières qui nous ont précédées, comme Madeline Anderson. Elle a bénéficié du soutien de quelques personnes généreuses, mais a surtout dû se frayer un chemin en terrain dangereux, à une époque tumultueuse de l’histoire de ce pays. »
— Michelle Materre, SFFILM
Honorés par le Smithsonian National Museum of African American History and Culture en tant que premières femmes noires à réaliser un film documentaire, les films historiques de Madeline Anderson « Integration Report 1 » (1960) et « I Am Somebody » (1970), tous deux récemment scannés et numérisés par le musée, amènent les spectateurs aux premières lignes de la lutte pour les droits civiques. Témoignage du courage des travailleurs et des militants au cœur de ses films, ainsi que de sa propre bravoure, de sa ténacité et de son talent, les films de Madeline Anderson sont des documents historiques essentiels sur l’activisme et des œuvres cinématographiques formatrices. De son enfance à Lancaster, en Pennsylvanie, à son travail avec des réalisateurs tels que Ricky Leacock, D.A. Pennebaker et les frères Maysles, l’esprit, l’exemple et la vision de Madeline Anderson continuent d’être une source d’inspiration aujourd’hui.
